數位相機聖經

數位相機聖經 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:旗標
作者:ANG,TOM 施威銘研究室譯
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:20031105
价格:NT$ 860
装帧:
isbn号码:9789574420544
丛书系列:
图书标签:
  • 摄影
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  • 数码相机
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  • 相机设置
  • 摄影教程
  • 摄影指南
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  • 摄影知识
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具体描述

本書完整介紹數位攝影所需具備的各項專業知識,由相機的拍攝原理開始,到傳統與數位相機的操作技巧,到如何拍出好的相片與創意攝影,再到數位影像的編修、特效、及輸出,完完整整介紹了數位攝影的全部知識,可說是一本內容精彩的數位攝影百科全書。此外,書中內含大量的精美攝影佳作,再加上詳盡的原理解說與實例操作,以及貼心的技巧提示與排困解難,絕對值得您細細品味,是您案頭不可或缺的攝影寶典。

本書特色

•版面精美•賞心悅目

精美的版面與漂亮的圖片令人賞心悅目,而大量的示意圖、解構圖、實物展示、與數不清的攝影佳作,保證讓您愛不釋手。•深入淺出 易學易用

以最淺顯易懂的文字,為您揭開數位攝影與傳統攝影的神祕面紗,連外行人也能輕鬆學會。對於相機、電腦、掃描器、印表機、週邊配備、以及影像處理軟體等,也都有精闢而完整的介紹。•專業技巧 傾囊相授

在這本無所不包且充滿創意的書中,作者將告訴您數位攝影幕後的許多關鍵技術,包括如何最佳化您的數位相片與傳統相片,以及用影像處理軟體來修正影像或是加入藝術特效。書中同時包含了大量如何拍好相片的技巧與祕訣 ─ 由近拍技巧到人像攝影,再由打光技術到曝光控制等等。作者還提供了一系列的實用方案,包括如何拍攝兒童照或是城市風景照等,並融合數位技術與攝影技巧來創造出最棒的作品。•技巧提示 排困解難

隨處可見的技巧提示、排困解難、實例示範、以及關鍵技術指引等等,在在都顯示出作者的用心與貼心。精闢、務實、易用!『數位相機聖經』提供了全部的數位攝影知識,除了享受一次購足的樂趣外,無論您是業餘還是專家,本書都可讓您功力大增,輕鬆創作出動人而成功的相片。

经典摄影技艺与现代影像创作的深度探索:一部面向全域创作者的影像理论与实践指南 本书并非探讨数码相机硬件规格或特定品牌型号操作的“圣经”,而是将视角提升至影像艺术的本质、视觉语言的构建以及跨媒介叙事策略的宏大框架内。它是一部为所有致力于提升视觉表达能力、渴望超越“按快门”初级阶段的摄影师、电影制作人、视觉设计师乃至严肃的影像爱好者所准备的,关于如何“看见”与“创造”的深度著作。 全书结构严谨,分为“视觉的哲学基石”、“光影的雕塑艺术”、“构图与叙事的动态关系”、“色彩的情感光谱与心理学”、“现代影像的感知与误读”五大部分,辅以大量的历史案例分析与当代艺术实践对照。 --- 第一部分:视觉的哲学基石——“看”与“存在”的交汇点 (The Philosophy of Seeing) 本部分深入剖析了人类视觉经验的构成,探究我们如何从物理光信号转化为具有意义的心理图像。它不是讲解如何聚焦,而是探讨“焦点”本身所承载的认知重量。 1.1 现象学视角下的观察: 借鉴梅洛-庞蒂和苏珊·桑塔格的理论,本书详细阐述了“身体在场性”对于影像观看体验的关键作用。我们探讨了“直觉之眼”如何工作,以及如何训练自己的感知系统,使其对环境中的信息更加敏感,而非被动接受。 1.2 符号学与图像的意义生产: 深入解析罗兰·巴特的“能指”与“所指”在静态与动态影像中的变异。重点分析了符号的惯用性、反转性以及文化语境对图像阐释的决定性影响。读者将学习如何解构一张看似简单的照片背后的意识形态结构。 1.3 时间性与瞬间的永恒性: 探讨了摄影(以及电影)如何捕获时间流逝中的某个特定“奇点”。重点讨论了布列松所追求的“决定性瞬间”背后的哲学意涵——这不是运气,而是一种对事件内在节奏的预判与把握。如何通过画面元素间的张力,使一个瞬间具有超越其物理长度的叙事深度。 --- 第二部分:光影的雕塑艺术——超越曝光值的物质控制 (Sculpting with Light and Shadow) 本部分完全脱离了对曝光表读数的依赖,转而将光线视为一种具有物质性和雕塑感的媒介。目标是让学习者掌握光线作为构图和情绪载体的能力。 2.1 光质的物理与情感属性: 详细分类并对比了硬光、漫射光、边缘光、伦勃朗光等不同光质在塑造物体体积感、纹理细节以及烘托特定情绪(如戏剧性、宁静、焦虑)方面的独特效果。书中包含大量经典绘画作品的光影分析作为参照。 2.2 阴影的叙事功能: 重点强调了阴影并非“没有光”,而是“光被物体阻挡后留下的信息”。分析了阴影如何引导视线、隐藏信息、制造悬念,以及如何用深邃的阴影来表达心理上的疏离或压抑。这部分包含了对卡拉瓦乔式明暗对比法在现代摄影中的转译。 2.3 空间关系的塑造: 探讨了如何利用光线的方向性(正面光、侧逆光)来定义和扭曲我们对三维空间的感知。理解光线如何在二维平面上“绘制”深度,以及如何巧妙运用高光和反射来增强画面的层次感和立体感。 --- 第三部分:构图与叙事的动态关系——从静态平衡到运动引导 (Composition as Narrative Flow) 本书对传统构图法则(如三分法、黄金分割)的讨论,着重于它们作为一种工具而非教条的用途。核心在于如何使画面结构服务于故事的流动。 3.1 视线轨迹的控制: 分析了引导线、重复图案、视觉重量分配等元素如何系统性地操纵观众的眼睛在画面内的移动路径。探讨了“负空间”如何成为画面中不可或缺的叙事角色,而非仅仅是背景的留白。 3.2 节奏感与画面密度: 引入音乐理论中的“节奏”概念来分析图像。对比了疏密有致、元素稀疏的极简主义构图与信息爆炸、高密度填充的后现代构图,并指导学习者根据表达的主题来选择合适的“视觉密度”。 3.3 帧与世界的关系: 深入探讨了“框景”的意义。分析了“近景、中景、全景”在电影语言中对观众心理距离的控制,并将其映射到摄影创作中。学习如何通过裁切和视角选择,来决定观众对主体信息的接收程度——是亲密接触,还是保持距离观察。 --- 第四部分:色彩的情感光谱与心理学——驾驭可见光的内在力量 (The Psychology of Hue and Saturation) 本书将色彩视为一种非语言的沟通方式,探讨其跨文化和个体层面的心理影响。 4.1 色彩的象征体系与文化差异: 梳理了历史上不同文明对特定颜色的解读(例如,红色在东西方文化中的截然不同的情感负载)。这部分帮助创作者在进行国际化或跨文化叙事时,避免无意识的符号误用。 4.2 色相、饱和度与明度的精细调控: 不仅关注颜色本身,更侧重于它们之间的相互作用。如何通过轻微的饱和度变化来表达微妙的情绪转变;如何利用互补色对比来制造视觉冲击,或利用相似色调营造和谐统一的氛围。 4.3 情绪调色板的构建: 提供了系统性的方法论,指导创作者为特定的情感主题(如怀旧、恐惧、希望)建立一套内在一致的色彩方案,确保画面整体色调服务于核心主题,而非仅仅是装饰。 --- 第五部分:现代影像的感知与误读——技术时代的媒介批判 (Critique in the Age of Ubiquitous Image) 最后一部分将理论框架应用于当代挑战,引导读者思考技术进步对人类观看习惯和图像真实性的冲击。 5.1 真实性的黄昏: 批判性地审视图像复制与修改的泛滥,探讨当技术可以轻易重塑现实时,“摄影证据”的权威性如何瓦解。引导读者思考,在后真相时代,影像创作者应承担的伦理责任和叙事诚实度。 5.2 媒介适应性与跨平台叙事: 讨论了同一组图像在印刷品、高清屏幕、社交媒体动态流中表现出的不同感知效果。如何根据最终的展示媒介(媒介的“物性”)来调整影像的对比度、细节密度和长宽比,以确保信息传递的效率和准确性。 5.3 长期项目的构建与自我迭代: 强调了艺术创作的连贯性。指导读者如何将一系列独立的影像作品组织成一个具有内在逻辑和发展轨迹的“影像文集”或长期项目,并提供了一套自我评估和批判性反思的工具箱,以确保艺术家的视觉语言能够持续成长和深化。 本书旨在提供一套普适性的、基于人类感知和艺术史的影像思维体系,帮助每一位严肃的创作者从操作层面跃升至思想层面,真正掌控光线与构图,创造出具有持久力量的视觉作品。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本摄影入门手册简直是为我这种对数码摄影一窍不通的新手量身定做的救星!刚买了我的第一台微单,面对那密密麻麻的菜单和各种专业术语,简直是头大。这本书的讲解方式异常的亲和,它没有一上来就扔给我一堆光圈、快门、ISO的理论,而是先用非常形象的比喻,比如把光圈比作人眼的瞳孔,快门比作眨眼的速度,让我瞬间就理解了曝光的基本三角关系。更让我惊喜的是,它不是那种干巴巴的理论堆砌,而是紧密结合实际操作。书里有很多“情景应用”的案例,比如“如何在阴天拍出清晰的人像?”或者“如何用慢门拍出丝绸般的水流?”。每种场景都有详细的步骤指导,从前期设置到后期调整,一步都不含糊。我跟着书上的步骤试了几次,拍出来的照片质量肉眼可见地提升了,那种自己掌控相机的成就感是无与伦比的。而且,它对不同品牌相机的通用性也很强,虽然不针对特定型号,但讲解的原理是通用的,这保证了我的投资不会因为未来换机而贬值。对于想要跨越“自动模式”的门槛,真正开始享受摄影乐趣的朋友来说,这本书绝对是最好的起点。

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这本书的排版设计简直是一场视觉享受,拿到手里就舍不得放下。作为一名对书籍质感有要求的读者,我必须点赞它的印刷质量。色彩还原非常准确,那些展示的样张无论是风景的层次感,还是人像皮肤的细腻过渡,都体现了高质量的纸张和墨水。更重要的是,它的结构安排非常清晰,知识点之间的逻辑跳跃性很小,阅读起来非常流畅。我发现作者在组织内容时,遵循了一种“由广到深,再回归实践”的路线。首先建立宏观认知,然后细化到每一个技术点,最后又将这些点整合回实际的拍摄流程中。书中对镜头的特性讲解也非常到位,比如不同焦段对空间透视的影响,这些内容对于构图的理解至关重要。我过去总是在构图上感觉别扭,看了这部分后,我才明白原来是自己对焦段的“空间压缩感”理解不够。如果你是那种喜欢把书放在手边,随时翻阅查找资料的实践派读者,这本书的实用性和耐读性绝对值回票价。

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从一个重度“参数党”的角度来看,这本书最吸引我的地方在于它对“技术背后的原理”进行了深入浅出的挖掘。很多书会告诉你“设置A会得到效果B”,但很少有人会解释“为什么设置A会得到效果B”。这本书在这方面做得非常出色,它没有回避那些看似枯燥的物理和电子学原理。比如,它解释了CMOS传感器在不同温度下产生的噪点差异,以及厂商如何通过算法来抑制它们,这让我对数码相机的“性能极限”有了更清晰的认识。此外,对于视频拍摄功能,这本书也给予了足够的重视,详细介绍了帧率、快门角度与动态模糊的关系,这对于现在很多热衷于视频创作的朋友来说是极其宝贵的资料。它教会我的不是盲目追逐最新的技术规格,而是理解这些规格背后的意义,从而根据自己的创作需求做出最明智的选择。读完后,我感觉自己看待数码影像的视角,从一个单纯的操作者,提升到了一个对底层技术有深刻理解的“架构师”层面,这种知识的充实感是其他同类书籍难以比拟的。

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说实话,我对市面上大部分“圣经”类的书籍都持保留态度,总觉得名字起得太大,内容却虎头蛇尾。但《數位相機聖經》这本书,在处理“后期工作流”这一块,让我刮目相看。它没有陷入任何单一软件的泥潭,而是提供了一套通用的、跨平台的后期思路。作者非常强调“非破坏性编辑”的重要性,详细讲解了如何通过合理的图层管理和蒙版使用,来对影像进行精细化处理,而不是简单粗暴地拉高饱和度。最实用的一章是关于“色彩管理”的,从显示器校准到打印输出的色彩匹配,这一直是困扰我的难题。作者用非常简洁的流程图和说明,把复杂的色彩空间转换问题解释得明明白白。这本书让我意识到,数码摄影的后期绝不是“修图”,而是一个与前期拍摄同等重要的“再创作”环节。对于那些希望将自己的照片从“不错”提升到“专业水准”的进阶爱好者来说,这本书在技术细节上的深度和广度,提供了极大的帮助。

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我是一名有一定年头的老摄影爱好者,主要用胶片机,但随着时代发展,也开始尝试数码单反进行一些快速记录和后期处理。说实话,市面上很多数码摄影的书籍,要么写得过于基础,对我来说像是浪费时间,要么就是过度专注于某一个软件的高级功能,脱离了摄影的本质。这本书却非常巧妙地找到了一个平衡点。它对数码感光元件的工作原理、色彩科学(比如白平衡的细微调整如何影响照片氛围)的探讨,深度足够让我这个“老家伙”也能学到新东西,尤其是在理解RAW文件的潜力和局限性方面,作者的分析非常透彻。我尤其欣赏它对“如何建立个人视觉风格”的探讨,它不再停留在教你如何“正确曝光”,而是引导你去思考“你想要表达什么”。书里收录的一些优秀摄影师的作品分析,拆解得非常到位,让我看到同样的光线条件下,不同创作者是如何通过不同的曝光策略和后期微调来塑造照片的“情绪”。这本书更像是一本摄影哲学的启蒙读物,而非单纯的技术手册。

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古早教材,有一半在普及PS多么神奇。一颗星给其中的价值观:为什么旅行者那么乐于拍那些脏兮兮挂着鼻涕的孩子,回到家谁敢这么拍自己孩子非揍他不可呢?

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