西方美學史教程 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:淑馨

作者:李醒塵

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-1

价格:NT$ 480

装帧:平装

isbn号码:9789575315290

丛书系列:

图书标签:

美学
藝術
搞丟了
坑爹
history_of_aesthetics
600+_pages
1
#50.history_of_philosophy
西方美学史
美学史
艺术史
西方艺术
哲学
艺术理论
美学
艺术
历史
教程

下载链接在页面底部

facebook linkedin mastodon messenger pinterest reddit telegram twitter viber vkontakte whatsapp 复制链接

想要找书就要到小美书屋

book.quotespace.org

立刻按 ctrl+D收藏本页

你会得到大惊喜!!

具体描述

《西方美学史教程》内容梗概（非本书实际内容）本书将带领读者穿越西方艺术与思想的长河，探寻人类对“美”这一抽象概念的理解是如何演变、发展乃至颠覆的。我们将从古希腊文明的曙光开始，审视那些奠定西方艺术哲学基石的伟大思想家们，理解他们如何将对美的感知与对宇宙秩序、理性精神的追求融为一体。古希腊的理性之美：秩序、和谐与模仿在本书的开篇，我们将深入古希腊时期，那个孕育了哲学与艺术辉煌的时代。在这里，美并非虚无缥缈的情感体验，而是与真理、善紧密相连的客观属性。柏拉图以其“理念论”，将美视为超越感官的永恒理念，我们所见的具体事物之美，不过是理念世界的影子。他认为，艺术是对现实世界的模仿，而优秀的艺术应当模仿理念世界，传递理性的光辉。我们将探讨他关于“缪斯”的论述，以及艺术在城邦教育中的作用。紧随其后，亚里士多德在《诗学》中对悲剧的分析，为我们揭示了另一种形式的“美”。他强调艺术的“模仿”（mimesis）具有认识功能，能够帮助我们理解人性和世界的本质。他提出的“情感的宣泄”（catharsis）理论，解释了为何悲剧能引起观众的同情与恐惧，并在这种情绪的释放中获得某种净化与愉悦。我们将解析亚里士多德对情节、人物、语言等戏剧要素的精细划分，理解其如何构建一出引人入胜的悲剧。此外，我们还会审视古希腊雕塑与建筑中体现出的比例、对称、和谐等原则，这些形式上的完美如何被认为是美的内在体现。毕达哥拉斯学派对数字与美的关系的探索，以及苏格拉底对德行与美之间的联系，都将为我们勾勒出古希腊人理性而客观的美学观。罗马与中世纪的信仰之美：神圣、象征与启示罗马帝国继承并发展了古希腊的艺术传统，但在美学上，更多地融入了实用主义与帝国气象。我们不会在此过多展开罗马的军事艺术与建筑奇迹，而是将笔锋转向中世纪。中世纪的美学，在很大程度上被基督教信仰所塑造。美不再是单纯的感官愉悦，而是通往神圣的桥梁。教堂的宏伟建筑、圣像画的庄严凝视，都在试图传递上帝的荣光与启示。圣奥古斯丁关于“神圣光辉”（divine illumination）的论述，认为美的根源在于上帝，一切美的事物都源于上帝的创造与秩序。我们将考察他如何将新柏拉图主义的思想融入基督教神学，解释美在精神追求中的地位。中世纪的艺术，尤其是哥特式建筑，以其高耸的尖塔、精美的彩绘玻璃和繁复的雕饰，营造出一种超凡脱俗的宗教氛围。这些建筑不仅仅是物质的堆砌，更是象征的载体，旨在引导信徒的目光向上，思索永恒的国度。我们将分析当时艺术作品中的象征主义手法，理解它们如何通过具体的形象传递抽象的神学意义。文艺复兴的人文之美：复兴古典、关注人性随着文艺复兴的到来，西方世界的目光从神圣转向了人。艺术家们重新发掘古希腊罗马的艺术遗产，将其与新的科学发现相结合，开启了人本主义美学的新篇章。莱昂纳多·达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师的创作，不仅展现了高超的技艺，更体现了对人体比例、透视原理的精深掌握。我们将分析文艺复兴时期艺术家们对“黄金分割”等数学比例的运用，理解他们如何将理性秩序与感性之美相结合。阿尔贝蒂关于“建筑是美的、永恒的和谐”（“building is a beautiful and eternal harmony”）的论述，以及他对透视法的理论贡献，都将是重点考察的对象。人文主义思潮的兴起，使得艺术家们开始关注人的情感、个性和价值。美学研究不再局限于宗教的范畴，而是拓展到对世俗生活、自然风光和人的内在世界的描绘。我们将探讨这一时期关于“崇高”（sublime）概念的初步萌芽，以及对艺术家个人创造力的日益重视。巴洛克与洛可可的感官之美：情感、装饰与享乐进入巴洛克时期，艺术风格变得更加奔放、戏剧化。艺术家们运用强烈的明暗对比、夸张的动势和华丽的装饰，试图唤起观众强烈的感官体验和情感共鸣。我们将解析卡拉瓦乔的“明暗对照法”如何营造戏剧性的氛围，贝尼尼雕塑的动感与力量如何表达情感的张力。洛可可风格则将这种感官享受推向极致，以其轻盈、细腻、繁复的装饰，追求一种愉悦、浪漫的享乐主义美感。我们将审视洛可可艺术的色彩运用、题材选择以及其所代表的社会生活方式，理解这种美学风格的特征。启蒙运动的理性回归与情感论：科学、经验与个体感受启蒙运动时期，理性主义与经验主义的思潮深刻影响了美学领域。哲学家们试图用科学的方法来解释美，强调经验在美感形成中的作用。康德在其划时代的著作《判断力批判》中，为我们构建了一个更为复杂的审美理论体系。他区分了“合目的性”与“无目的的合目的性”，认为审美判断是一种普遍的、独立的判断。他提出的“普遍主观性”理论，解释了为何我们在审美上能够达成某种共识。我们将详细解析康德关于“美是一切无利害的普遍愉悦”的定义，以及他如何处理“崇高”与“优美”的区别。与康德的理性探讨并行，情感主义美学也开始兴起。卢梭等思想家强调情感在艺术中的核心地位，认为艺术应当表达真挚的情感，唤醒人内心深处的感受。我们将考察这一时期关于“自然”与“情感”的辩论，以及它们对后世浪漫主义思潮的影响。浪漫主义的自由之美：情感、个性与想象浪漫主义运动是西方美学史上一次深刻的革命。它彻底摆脱了古典主义的束缚，将情感、想象、个性和自由置于核心地位。歌德、席勒、拜伦等人的作品，以及德拉克洛瓦、特纳等画家的创作，都充分展现了浪漫主义对个人情感的抒发、对自然神秘力量的崇拜以及对历史传奇的追溯。我们将深入理解浪漫主义者对“崇高”的重新诠释，他们如何在这种宏伟、壮丽、甚至令人敬畏的事物中找到审美体验。 “天才论”在浪漫主义时期也得以强化，艺术家被视为具有超凡创造力的个体，其灵感与想象力是艺术的源泉。我们将考察浪漫主义对民间文学、东方文化以及中古历史的兴趣，理解他们如何从中汲取灵感。现实主义、印象派与现代艺术的多元之美：真实、瞬间与颠覆进入19世纪，艺术界开始反思浪漫主义的过度情感化，转而追求对现实生活的真实描绘。现实主义艺术家，如库尔贝，试图以毫不修饰的态度展现社会现实，包括普通人的生活和劳动。紧随其后，印象派艺术家们则将目光聚焦于光影的瞬间变化，捕捉自然景物的瞬息万变。莫奈、雷诺阿等人的作品，以其明亮的色彩和粗犷的笔触，记录下转瞬即逝的视觉感受。我们将分析印象派的色彩理论和绘画技法，理解他们如何革新了绘画的表现方式。 20世纪以来，西方艺术进入了一个更加多元、更加实验的时代。从野兽派、立体派、表现主义，到超现实主义、抽象表现主义，再到后现代艺术，艺术形式和美学观念不断被挑战和颠覆。我们将简要梳理这些重要的艺术流派，并探讨它们对“美”这一概念的不同理解。例如，立体派如何打破传统的二维空间，表现主义如何强调内心的情感表达，超现实主义如何探索潜意识的世界。结语纵观西方美学史，我们发现“美”并非一个固定不变的范畴，而是随着历史、文化、社会和思想的变迁而不断演变的。从古希腊的理性秩序，到中世纪的神圣启示，再到文艺复兴的人文关怀，以及近现代的多元探索，每一次的转变都反映了人类对自身、对世界、对存在的深刻思考。本书的目的是提供一个清晰而全面的视角，帮助读者理解西方美学思想的演进脉络，并从中获得对艺术与美的更深刻认识。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

西方美学史教程第一章：古希腊罗马美学第一节：古希腊美学产生的历史文化背景一、神话与美学希腊文化继承了爱琴文化的部分，公元前13-8C，希腊由原始氏族→奴隶制社会，创造了荷马史诗等，又被称为荷马时代or英雄时代。神话是审美意识的形象直观表达，马克思认为，希腊神...

评分☆☆☆☆☆

我后来把罗念生那篇《卡塔西斯笺释》找出来看了一下，才知道Katharsis这个词在最初的语境（关于亚里士多德提到的俄瑞斯忒斯的宗教性质的净化和希波克拉底提到的医学性质的净化）竟然有那么多种意思，按照亚里士多德的意思，净化的情感应该是某种坏的情感，怜悯和恐惧则作为净化...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我个人非常欣赏作者在处理二十世纪现当代美学转向时的那种谨慎和深入。从现象学到结构主义，再到后现代的解构，这些思潮往往是新学习者最容易感到迷失的部分，因为它们挑战了许多既有的美学基石。这本书处理得非常得体，它没有试图将这些复杂思潮简单“消化”成容易接受的结论，而是诚实地展示了它们所提出的那些令人不安的问题。例如，对于艺术作品的“灵晕”的消逝，作者的论述引发了我大量的思考，促使我去重新审视媒介技术对审美体验的重塑。整本书读下来，我最大的收获是建立了一种“历史的视野”——意识到我们今天所持有的关于“美”的观念，都只是漫长历史长河中的一个阶段性产物，随时可能被新的思想所超越或修正。这提供了一种谦逊而开放的学术态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书对后世美学流派的影响力描绘得相当到位，这部分内容读起来充满了戏剧性的张力。当叙述进入浪漫主义时期，那种从理性向情感、从古典向个性的巨大转向，被作者捕捉得淋漓尽致。我尤其喜欢它对黑格尔辩证法在美学中的体现的解读，那种“理念”与“感性形式”的冲突与统一，读来让人热血沸腾，仿佛亲眼见证了艺术形式的自我革新。而当叙述延伸到十九世纪末的各种思潮碰撞时，那种百花齐放、甚至有些混乱的美学探索，也得到了充分的展现。它不像某些简化版的读物那样，将艺术史简单地处理成一条直线，而是描绘了一个充满分叉和回溯的复杂网络。这种对复杂性的尊重，让读者能够更真实地理解艺术和美学思想是如何在不断的论战和融合中螺旋上升的，而不是被简单地归类或标签化。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书，光是拿到手里就有一种沉甸甸的历史感。我原本对美学的认识还停留在那些教科书里零散的片段，总觉得它是一门高深莫测、与日常生活有些距离的学问。然而，这本书的叙述方式却出乎我的意料。它没有一开始就抛出晦涩难懂的理论框架，而是像一位经验丰富的导游，带着读者信步走进了西方艺术思想的漫长画廊。从古希腊那对“美”的最初探寻，到中世纪神性的光辉，再到文艺复兴时期对人体的赞颂，每一步的转折都铺陈得自然而然。尤其是对亚里士多德和柏拉图思想差异的梳理，简直是拨云见日，让我这个初学者茅塞顿开。作者的笔触细腻而不失力度，尤其是在描述那些关键转折点时，总能抓住时代精神的核心脉络，让人感觉自己不仅仅是在阅读理论，而是在亲历一场跨越千年的思想漫游。它成功地将抽象的美学概念，与具体的历史、文化背景紧密地结合起来，让那些原本冰冷的名词突然鲜活了起来。

评分☆☆☆☆☆

如果从教学角度来看，这本书的价值是无可替代的。它不仅仅是一本知识的汇编，更像是一本精心设计的“思维导图”。在每一章节的末尾，那些对核心问题的总结和延伸讨论，极大地帮助我检验了自己对前文内容的掌握程度。它非常注重展示不同思想家之间的“对话”与“驳斥”，比如对尼采“酒神精神”与“日神精神”的解读，就不是孤立地看待，而是放在与古典主义美学对比的框架下去理解的，这使得知识点之间的关联性大大增强。对于我个人而言，它帮助我理清了一个核心问题：美学是如何从一种形而上的哲学探讨，逐渐被拉回到对具体艺术实践的关注上的。这种从宏观到微观的视角转换，让美学不再是高高在上的理论，而成为了理解我们当下所见所感的重要参照系。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书提供了一种非常扎实的“工具箱”。我发现它最大的优点在于其清晰的逻辑构建和对关键概念的精准界定。很多美学著作容易陷入术语的迷宫，让人读完一章后依然感觉抓不住重点，但这本书很善于设置“路标”。它对启蒙运动时期美学思想的剖析尤为精彩，康德的“无目的的合目的性”以及休谟的“共情”理论，那些在其他地方读来晦涩的章节，在这里被拆解得井井有条，仿佛是遵循着严密的几何学原理在构建一座思想大厦。更难能可贵的是，作者在阐述主要理论家的观点时，总能非常克制地保持中立，既不盲目推崇，也不轻易批判，而是将这些思想置于其产生的历史语境中进行考察，这对于建立一种批判性而非教条式的理解至关重要。读完这些章节，我感觉自己构建了一个相对稳固的美学知识骨架，后续的深入学习可以有据可依，不再是空中楼阁。

评分☆☆☆☆☆