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出版者:科学出版社

作者:林力 郭晓夫 蒋恩普 编

出品人:

页数:359

译者:

出版时间:2003-2

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787030110602

丛书系列:

图书标签:

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雕刻时光的艺术：古典建筑与现代设计中的光影叙事 图书名称： 雕刻时光的艺术：古典建筑与现代设计中的光影叙事 图书简介： 本书并非聚焦于平面上的像素与色彩的堆叠，而是深入探讨光线、物质与空间三者之间永恒的对话——一种跨越千年、贯穿古今的建筑与设计哲学。我们探寻的不是“制作”的工具箱，而是“感知”的殿堂。 第一部：永恒的维度——古典光影的哲学基础 第一章：神圣的几何与天空的馈赠 本章回溯至古希腊与古罗马时期，重点分析帕特农神庙和万神殿在设计之初，如何将对“完美比例”的追求，转化为对自然光线的精确控制。我们将详细解析“黄金分割”在立面布局中的实际应用，以及这种比例如何引导观众的目光，使其在不同时间点捕捉到光影的微妙变化。讨论中，我们将深入研究古人如何利用廊柱的深度、屋檐的悬挑角度，来“雕刻”出时间流逝的痕迹。例如，在正午时分，光线直射入万神殿的巨大眼洞（Oculus），其光束的移动轨迹如何被视为神性的显现；而在日出日落时分，光线如何侧面掠过柱础，产生强烈的凹凸对比。这是一种物理学与美学的完美结合，完全依赖于对自然规律的深刻理解，而非人工合成的图像。 第二章：哥特式教堂：向上生长的光之交响 我们将目光转向中世纪的哥特式建筑，探讨光线如何被赋予宗教叙事的功能。飞扶壁和尖拱的结构创新，解放了墙体，使得大面积的彩色玻璃成为可能。本章将详细解读玫瑰窗的复杂图案布局，分析不同颜色玻璃（如深红、钴蓝）如何过滤和改变射入室内的自然光线，从而营造出一种超凡脱俗、充满敬畏的氛围。我们不会讨论如何使用软件渲染出这种效果，而是剖析当时的玻璃工艺——从矿物着色到手工熔炼——如何确保光线穿透后的色彩饱和度与能量感。研究案例包括沙特尔大教堂和巴黎圣母院，重点阐述中殿内光线从高处的窗户洒下，在地面上形成流动光斑的动态过程，这是一种“活的壁画”。 第三章：巴洛克与光线的戏剧性操控 巴洛克艺术的核心在于情感的表达和场景的震撼力。本章聚焦于贝尼尼和波罗米尼等大师，解析他们如何利用建筑的曲面、凹陷与凸起，以及隐藏的光源（如故意设置的暗角），来制造“戏剧性对比”（Chiaroscuro）——强烈的明暗反差。我们将分析圣特蕾莎的“死亡与升华”场景，光线并非均匀分布，而是从一个隐藏的窗户射入，精准地照亮了雕塑群，使得大理石看起来如同被神圣之光击中。这是一种对建筑空间内已有光线资源的极致利用和精心编排，旨在引导观众的情绪波动。 第二部：现代的解构与物质的重塑 第四章：勒·柯布西耶的“光之诗”：光与混凝土的对话 进入现代主义，光线的使用不再仅仅是叙事或神圣感的营造，而是与建筑的结构逻辑和材料本质紧密结合。本章深入探讨勒·柯布西耶在朗香教堂和萨伏伊别墅中的光线策略。朗香教堂的墙体并非均匀开孔，而是布满了大小不一、形状各异的开口，这些开口如同乐谱上的音符，将外部光线分解成无数个独立的光点，投射在粗粝的混凝土墙面上，形成抽象的图案。我们分析这种“光斑矩阵”如何与材料的纹理相互作用，创造出一种粗粝而又充满韵律感的视觉体验。这不是对光线的“制作”，而是对“光线进入路径”的结构设计。 第五章：密斯·凡德罗的透明哲学：界限的消融 密斯·凡德罗是极简主义和透明哲学的代表。本章着重研究他如何利用大面积的玻璃幕墙，模糊室内外的界限。在巴塞罗那德国馆和西格拉姆大厦中，光线几乎不受阻碍地穿透，室内空间的感知被无限延伸至外部环境。我们的分析将集中在结构框架（如纤细的钢柱）如何“消失”在光线和反射中，使得空间本身似乎不再有重量。这种效果依赖于精确的结构计算和材料的反射系数，而非后期图像处理。 第六章：当代建筑中的动态光影：环境的参与 最后，本章探讨当代建筑师（如伦佐·皮亚诺或妹岛和世）如何利用新技术和新材料，使建筑对环境光线做出更微妙的回应。例如，使用镜面不锈钢或磨砂玻璃，使建筑的色彩和亮度随天空云层的变化而实时改变。我们将讨论如何通过材料的选择，实现对环境光线的“吸收、折射与散射”，创造出一种与自然环境共生的动态美感。这种设计语言要求建筑师对“时间”本身进行设计，确保建筑在清晨、黄昏乃至雨天，都能呈现出独特的视觉生命力。 总结： 《雕刻时光的艺术》是一部关于空间、材料与自然元素间复杂互动的研究专著。它引导读者超越表层的视觉效果，去理解那些历经时间考验的设计决策——那些通过几何、结构和材料的精妙组合，来捕捉、引导并永久定格自然光影的智慧。本书关注的是建筑本体如何“容纳”光线，而非数字界面如何“模拟”光线。

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作为一名资深的平面设计师，我阅览过不下百本关于设计理论和软件操作的书籍。然而，《图形图像制作》这本书，以其独树一帜的视角和深刻的洞察力，在我众多的藏书中脱颖而出，成为我近期最珍爱的读物之一。这本书的价值，不在于其提供了多少“新技巧”，而在于它对“创作思维”的深度挖掘和系统梳理。作者并非简单地罗列软件的功能，而是将每一个功能、每一个工具都置于一个更宏大的创作语境之下进行解读。他反复强调，“理解比掌握更重要”，鼓励读者去思考，为什么我们需要使用特定的工具，这个工具背后所蕴含的创作理念是什么。例如，在讲解“色彩运用”时，作者并没有仅仅停留在RGB和CMYK的色值转换，而是深入探讨了色彩的心理学意义、文化内涵，以及如何通过色彩搭配来营造特定的情感氛围。他用大量的实例分析了不同颜色组合所能引发的观者心理反应，以及如何在商业设计中运用这些知识来达到最佳的传播效果。这让我意识到，原来我之前对色彩的运用，更多是凭感觉，而这本书则提供了一个更系统、更科学的理论框架。此外，书中关于“叙事性视觉”的章节，更是让我眼前一亮。作者通过对一系列经典作品的解构分析，阐述了如何通过图形、图像、文字的巧妙组合，构建一个引人入胜的故事，如何在有限的空间内，传递丰富的信息和情感。这让我明白，优秀的图形图像制作，不仅仅是视觉上的美观，更在于它能够“说话”，能够与观者进行有效的互动和沟通。这本书，为我打开了一个全新的思考维度，让我更加自信地去探索图形图像创作的无限可能。

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当我拿到《图形图像制作》这本书的时候，我首先被它简洁而富有现代感的封面所吸引。它并没有使用过于花哨的图案，而是以一种留白和抽象的几何图形组合，传递出一种专业而沉静的气息，这让我对书的内容充满了期待。我是一名业余的摄影爱好者，同时也对后期图像处理有浓厚的兴趣，但总觉得自己在作品的“故事性”和“艺术性”方面，还有很大的提升空间。这本书，恰恰满足了我这方面的需求。作者并没有将重点放在摄影技巧或者具体的后期软件操作步骤上，而是从更宏观的层面，引导我思考“为什么”和“如何”去创作。他用大量生动形象的例子，阐述了图形图像的构成要素，以及它们如何协同作用，去传达特定的信息和情感。例如，在讲解“构图”时，他不仅仅是介绍了三分法、黄金分割等经典理论，更重要的是，他引导我去思考，不同的构图方式如何影响画面的引导线、视觉重心，以及最终传达给观者的感受。这让我意识到，构图并非是死板的规则，而是充满变数的艺术。此外，书中关于“光影运用”的讲解，也让我受益匪浅。作者并没有停留于简单的亮度、对比度调整，而是深入探讨了光影在塑造空间感、营造氛围、突出主体等方面的作用。他通过分析一些优秀作品中的光影处理，让我明白了如何通过控制光线的方向、强度和色彩，来赋予画面更强的戏剧性和艺术感染力。这本书，更像是一位经验丰富的老友，用他细腻的观察和独到的见解，陪伴我一起探索图形图像创作的奥秘。

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作为一名对视觉艺术充满好奇，但又常常觉得技不如人的普通读者，《图形图像制作》这本书，无疑是一份难得的礼物。它并没有用晦涩的专业术语将我拒之门外，而是以一种温和而富有启发性的方式，引导我走进图形图像创作的世界。我之前一直以为，制作精美的图像，无非就是掌握几个强大的软件，然后熟练地点击按钮。然而，这本书却颠覆了我的这一认知。作者在书中反复强调，技术只是工具，而真正的创作，源于深刻的思考和对视觉语言的理解。他用大量生动形象的例子，讲解了图形图像是如何构成，以及这些构成要素是如何协同作用，来传达特定的信息和情感。例如，他会分析为什么有些作品能够迅速吸引观者的目光，而有些作品却显得平淡无奇。这让我意识到，原来在视觉的背后，存在着一套深刻的运作逻辑。此外，书中关于“叙事性构图”的章节，更是让我受益匪浅。作者并不是简单地介绍构图的规则，而是引导我去思考，如何通过画面的布局和元素的安排，来讲述一个故事，如何引导观者的视线，让他们在欣赏作品的过程中，感受到一种“情节”的发展。这让我明白，一个好的图形图像，不仅仅是静态的美，更包含着动态的叙事。这本书，更像是一位耐心而博学的老师，用他独到的见解和丰富的经验，为我揭示了图形图像创作的真正魅力所在。

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作为一名对视觉艺术充满热情，却又常常苦于无法将脑海中奇思妙想转化为具体图像的爱好者，我抱着试一试的心态翻开了《图形图像制作》。起初，我担心这本书会像市面上大多数教程一样，充斥着枯燥乏味的软件命令和技术术语，但事实证明，我的担忧是多余的。这本书给我最大的惊喜，是它并没有将重点放在“如何操作”上，而是更加侧重于“如何思考”。作者以一种极其富有启发性的方式，引导读者去理解图形图像的构成原理、视觉传达的逻辑，以及如何通过设计来激发观众的情感共鸣。例如，在探讨如何设计一个成功的Logo时，作者并没有直接给出“画一个圆再加一个三角形”的教学，而是带领读者深入分析了Logo的本质——它是品牌的浓缩，是企业精神的象征。然后，他循循善诱地教导我们如何从企业的历史、文化、核心价值出发，提炼出能够代表其独特性的视觉符号。这种“由内而外”的创作思路，让我豁然开朗。我之前总是纠结于“画得好不好看”，而忽略了“画的是什么”、“为什么要这么画”。这本书让我明白，一个有深度的图形图像，必然源于清晰的思考和明确的表达意图。此外，作者在讲解“构图原则”时，也跳出了死板的“三分法”等理论，而是将其与实际的应用场景相结合。他会分析为什么在某些情况下，对称构图更能营造庄重感，而在另一些情况下，打破常规的非对称构图则能带来更强的视觉冲击力。他用大量生动的案例，说明了构图的灵活性和多样性，以及如何根据不同的主题和目的，选择最合适的构图方式。这本书就像一位循循善诱的老师，用他丰富的经验和独到的见解，为我打开了一扇通往图形图像创作的全新大门。

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在我对各种设计软件的使用已经熟练到一定程度，甚至有些麻木的时候，一本名为《图形图像制作》的书籍，以一种近乎“启蒙”的方式，重新点燃了我对这个领域的热情。这本书的魅力，绝不仅仅在于其翔实的软件操作指南，而是它深入挖掘了“制作”背后的“创造”之道。作者并非简单地罗列软件的功能，而是将每一个工具、每一个技巧都置于一个更宏大的创作框架之下进行解读。例如，在讨论如何制作一张富有动感的宣传图时，作者首先抛出了一个问题：“你希望观者在看到这张图时，感受到什么？”是速度的激情？是产品的精湛？抑或是品牌的温度？由此，引导读者去思考，什么样的线条、什么样的光影、什么样的构图，才能最直接、最有力地传达这种感受。这种“从结果倒计时”的思考模式，彻底颠覆了我之前“想到什么就做什么”的创作习惯。我发现，很多时候，我们之所以创作不出令人印象深刻的作品，并非因为技术不行，而是因为我们的创作目标不够清晰，缺乏深度的思考。这本书就如同一个经验丰富的老友，在旁边循循善诱，用他的人生阅历和专业见解，一点点剥离我创作中的迷茫和杂念。我特别欣赏作者在讲解“排版艺术”时所展现出的细致入微。他不仅仅是讲授了网格系统、字体选择、字间距等基本原则，更深入地探讨了不同排版方式如何影响读者的阅读节奏、视觉焦点以及整体的情感体验。他通过对比分析，展示了看似微小的排版差异，却能对作品的传达效果产生天壤之别的影响。这让我深刻意识到，排版并非是设计的“附属品”，而是构成视觉叙事的重要组成部分。这本书所带来的，是一种全新的视角，一种更深层次的理解，它让我明白，真正的图形图像制作，是在技术之上，赋予生命，注入灵魂。

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我一直对那些能够将抽象概念转化为具象视觉元素的创作过程着迷，而《图形图像制作》这本书，正是以一种引人入胜的方式，为我揭示了其中的奥秘。它并没有把我带入枯燥的技术泥潭，而是从更根本的层面，引导我理解“视觉语言”的构成和运用。作者在书中反复提及“思考”的重要性，他鼓励读者在动手制作之前，先深入思考自己想要表达什么，以及如何才能最有效地传达。我常常发现自己在创作中缺乏方向，不知道如何下手，或者觉得自己的作品“平淡无奇”。这本书的出现，就像一位睿智的长者，用他的经验和见解，为我指明了方向。他用大量的实例，生动地解析了线条、形状、色彩、纹理等基本视觉元素是如何被赋予意义，并如何共同构建起一个富有表现力的画面。例如，他会分析一条流畅的曲线如何能传递优雅，而一条粗犷的直线又如何能象征力量。这种对基本元素的深入剖析，让我开始重新审视自己平时的创作习惯。我意识到，我之前很多时候只是“随心所欲”地使用这些元素，而这本书则教会了我如何“有意识”地运用它们，让它们为我的创作意图服务。尤其令我印象深刻的是，书中关于“情感化设计”的章节。作者通过分析一些能够引起观者强烈情感共鸣的作品，阐述了如何通过视觉元素的设计，来触动观者的内心，激发其共鸣。这让我明白了，好的图形图像制作，不仅仅是视觉上的美观，更重要的是它能够“打动人”。这本书，为我打开了一扇通往真正有意义的图形图像创作的大门。

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作为一名在视觉传达领域摸爬滚打多年的从业者，我一直在寻找一本能够真正帮助我“升维”的书籍。《图形图像制作》这本书，正是这样一本让我眼前一亮的著作。它并没有像市面上大多数教程那样，沉溺于繁琐的软件操作细节，而是将我的目光引向了更深层次的创作哲学和思维模式。作者在书中反复强调，“理解”比“熟练”更重要。他引导我们去思考，为什么某个设计能够成功？为什么某种视觉元素能够触动人心？这种“由结果倒推原因”的思考方式，让我摆脱了以往“想到什么就做什么”的模式，转而开始更具策略性和目的性地进行创作。我特别欣赏作者在讲解“色彩心理学”时所展现出的深度。他并没有简单地罗列颜色所代表的象征意义，而是深入分析了色彩在不同文化背景下、不同情境下的微妙变化，以及如何通过精准的色彩运用，来引导观者的情绪，甚至影响其消费行为。这让我意识到，色彩不仅仅是视觉的装饰，更是情感的语言。此外，书中关于“叙事性视觉”的章节，更是让我茅塞顿开。作者通过对众多优秀作品的案例分析，阐述了如何通过图形、图像、文字的有机结合，讲述一个引人入胜的故事，如何在有限的篇幅内，传递丰富的信息和情感。这让我明白了，一个真正出色的图形图像，不仅仅是技术上的精湛，更重要的是它能够“说话”，能够与观者建立起深层次的连接。这本书，为我开启了一个全新的思考维度，让我更加自信地去探索图形图像创作的无限可能。

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自从开始接触设计行业，我一直在寻找一本能够真正帮助我提升“创作力”的书籍。市面上的技术教程琳琅满目，但大多停留在软件操作的层面，而真正能够触及“灵魂”的，却少之又少。《图形图像制作》这本书，恰恰填补了我的这一空白。它没有让我沉溺于工具的细枝末节，而是将我的目光引向了更广阔的创作视野。作者在书中反复强调，“理解”比“掌握”更重要。他鼓励读者去思考，为什么某个设计会成功，为什么某个颜色组合会引起特定的情绪。这种思考方式，让我摆脱了被动学习的模式，转变为主动探索。在讲解“视觉语言”时，作者并没有用晦涩的理论来包装，而是通过大量的实例，生动地解析了线条、形状、色彩、纹理等基本视觉元素是如何被赋予意义，并如何共同构建起一个富有表现力的画面。例如，他会分析一条流畅的曲线如何能传递优雅，而一条粗犷的直线又如何能象征力量。这种对基本元素的深入剖析，让我开始重新审视自己平时的创作习惯。我意识到，我之前很多时候只是“随心所欲”地使用这些元素，而这本书则教会了我如何“有意识”地运用它们，让它们为我的创作意图服务。尤其令我印象深刻的是，书中关于“叙事性图像”的章节。作者通过分析一些经典的海报和广告作品，阐述了如何通过图形和图像的组合，讲述一个引人入胜的故事，如何在有限的空间内，传递丰富的信息和情感。这让我明白，好的图形图像制作，不仅仅是视觉上的美观，更重要的是它能够“说话”，能够与观者进行有效的沟通。这本书，为我开启了一个全新的思考维度，让我更加自信地去探索图形图像创作的无限可能。

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这本书的封面设计着实让人眼前一亮，采用了深邃的蓝色背景，上面点缀着抽象的几何图形，仿佛星辰大海般的浩渺，又像是粒子碰撞产生的能量涟漪。这种视觉冲击力瞬间就吸引了我的目光，让我对书的内容充满了好奇。我是一名平面设计师，平时接触的软件和技术五花八门，但总觉得自己在图形图像的“创作”层面，特别是那些能够引起观者情感共鸣的、带有故事性的视觉表达上，还有很大的提升空间。翻开这本书，首先映入眼帘的是对各种主流图形图像软件的介绍，从Photoshop的强大功能到Illustrator的矢量绘制，再到After Effects的动态图形，都做了细致入微的讲解。然而，吸引我继续读下去的，并非仅仅是软件操作的技巧，而是作者在讲解过程中，不断穿插的那些关于“如何思考”、“如何构思”的理念。比如，在介绍如何创建一张引人入胜的海报时，作者并没有直接给出某个按钮的位置，而是首先引导读者去思考海报想要传达的核心信息，目标受众是谁，以及什么样的视觉元素能够最有效地触动他们。这种“先有概念，后有技术”的教学方式，让我觉得非常受用。我常常在工作中陷入“技术泥潭”，只想着如何熟练运用某个工具，却忽略了设计本身的灵魂。这本书的出现，就像一盏明灯，指引我重新审视创作的本质。它教会我，图形图像的制作不仅仅是像素的堆砌或线条的勾勒，更是思想的载体，是情感的传递。我尤其喜欢其中关于“色彩心理学”的章节，作者用大量的实例分析了不同颜色组合所能引发的心理反应，以及如何在实际创作中运用这些知识来增强视觉效果和信息传达的有效性。这让我意识到，原来我一直以来对色彩的运用，更多是凭感觉，而这本书则提供了一个更系统、更科学的理论框架，让我能够更有目的地去选择和搭配色彩，从而创造出更具影响力的作品。

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当我拿起《图形图像制作》这本书时，我期待的是一份详尽的操作指南，能够帮助我熟练掌握各种图形图像软件的工具。然而，这本书带给我的，远不止于此。它像一位循循善诱的导师，引领我走向一个更深邃的创作领域。作者并非直接灌输软件技巧，而是首先引导读者去理解“为什么”。为什么我们需要特定的图形来表达某种情感？为什么某种构图会比另一种更具吸引力？这种“由意图到实现”的思考模式，让我受益匪浅。我常常发现自己在创作过程中陷入瓶颈，不知道如何下手，或者觉得自己的作品“不够味”。这本书让我明白，很多时候，问题并非出在技术层面，而是出在对创作本质的理解不够透彻。书中对于“视觉心理学”的阐述，尤其让我耳目一新。作者用通俗易懂的语言，结合大量的案例，解释了色彩、形状、线条等视觉元素如何影响人的感知和情绪。例如，他会分析为什么暖色调通常会带来热情和活力，而冷色调则容易营造宁静和沉思的氛围。这种理论知识，让我能够更有目的地去运用这些视觉元素，从而创作出更具影响力的作品。此外，作者在讲解“信息可视化”时，也展现了其独到的见解。他并不是简单地介绍图表制作的流程，而是深入探讨了如何通过图形图像，将复杂的数据转化为清晰、易懂、有吸引力的信息。这对于我这种需要经常处理数据和制作报告的人来说，无疑是雪中送炭。这本书，让我从一个“工具使用者”转变为一个“视觉沟通者”，它教会我如何用图形图像来说话，如何用视觉的语言来传递思想和情感。

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