具体描述
诺曼·布列逊“新艺术史”三部曲之二。本书对西方美术史极为闭塞与自满的研究现状作了尖锐的理论批评，强调从绘画图像的社会性及其作为符号的独特角度、从历史与人文学科当代发展的角度拓展研究视野；作者抓住了西方艺术史研究中一些重要观念与践履的内在弊端（如贡布里希关于图画研究的“知觉主义”）进行鞭辟入里的剖析，在方法论连同认识论的层面上为如何解读绘画，以及如何看待西方绘画与视觉、与传统、与政治权力的关系提供了新的启示。全书包括”自然的态度”、“本质的复制”、“知觉主义”、“来自内部与外部的图像”、“注视与扫视”、“图像、话语、权力”等六章；前后另有“序”、“尾声：隐形的身体”以及“中文版序”、“译者后记”等。
作者简介
目录信息
读后感
历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
评分历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
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评分历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
用户评价
我一直以为，“视觉与绘画”这样的书，会从素描、色彩、构图等基础技法开始讲起。但是，这本书的切入点却完全出乎我的意料，它更像是在引导我去“重塑”我的视觉感知能力。我印象最深刻的是其中关于“形状与形式”的讨论。作者并没有仅仅停留在讲解几何形状的画法，而是深入探讨了不同形状和形式是如何在我们的视觉意识中产生不同的联想和情感反应。比如，锐利的三角形会给人带来紧张感，而柔和的圆形则会让人感到平和。它让我意识到，艺术家在选择描绘对象的形状和形式时，其实是在进行一种潜意识的心理引导。书中通过大量的抽象画和表现主义作品作为例子，展示了艺术家是如何运用扭曲、变形、夸张等手法，来表达内心的情感和观念。这让我明白，绘画不仅仅是对现实的复制，更是一种对现实的解读和再创造。它还鼓励我去“打破”对物体的固有认知，去观察它们的本质形式，去发现隐藏在日常表象之下的视觉规律。这本书让我开始用一种全新的、更具探索性的眼光去审视周围的世界，也让我对“形式感”在绘画中的重要性有了更深刻的认识。
评分这本书的开篇，并没有直接扑面而来的绘画教程，而是像一场意境悠远的对话，探讨着“视觉”与“绘画”之间那层若有若无，却又密不可分的关系。我一直以为，绘画就是画家将眼睛看到的东西，用颜料画出来。但这本书让我意识到，这只是最表层的一种理解。它更深入地挖掘了“看”的过程，以及“看”是如何被我们的大脑、我们的经验、我们的文化所塑造和影响的。我特别喜欢书中对“观看角度”的分析。同一个物体，从不同的角度去看，它呈现出来的形态、光影、色彩都会发生巨大的变化。而艺术家，正是要通过选择最能表达其意图的观看角度，来构建画面的视觉语言。这不仅仅是物理角度的转换，更是情感和思想维度的选择。它还谈到了“节奏感”在绘画中的重要性。就像音乐有其旋律和节奏一样，绘画中的线条、形状、色彩的组合，也能形成一种视觉上的节奏，引导观众的视线在画面中流动，从而产生一种动态的体验。这种节奏感，往往是画家在不自觉中，通过长期的实践和对视觉规律的体悟而形成的。这本书让我觉得，绘画创作，就像是在构建一个可视化的交响乐，每一个元素都在用自己的方式歌唱，共同奏响一曲动人的乐章。
评分读“视觉与绘画”，我仿佛经历了一场关于“看”的洗礼。它并没有直接教我如何握笔，而是让我重新思考“眼睛”这个工具的无限潜力。书中关于“运动与动态”的阐述，给我留下了深刻的印象。我以前总觉得，要画出运动感，就需要描绘清晰的轨迹和速度线。但这本书让我明白，运动感其实是一种视觉的感知，它可以通过对物体形态的模糊处理、对光影的动态捕捉、以及对画面构图的引导来实现。它举了大量描绘奔跑、飞翔、甚至是水流的画作作为例子，分析了艺术家是如何运用微妙的笔触和色彩变化，来传达物体的动态之美。这让我意识到，绘画的生命力，不仅仅在于静态的呈现，更在于它能够唤起观众对动态的想象。它还探讨了“节奏”在绘画中的运用，就像音乐中的节拍一样，画面中线条的疏密、形状的重复、色彩的韵律，都能形成一种视觉上的节奏，引导观众的目光在画面中游走，从而体验一种流畅而富有张力的观感。这本书让我开始用一种更动态的、更富有生命力的视角去观察和思考绘画。
评分我总觉得，对于“视觉与绘画”这样一本可能带有技术性的书籍，我可能会在其中找到很多关于如何下笔、如何调色的指导。然而，这本书的打开方式却让我感到意外和惊喜。它并没有急于教授绘画技巧，而是先带我走进了一个关于“看见”的奇妙世界。我记得其中有相当一部分内容，是在探讨“光线”这个元素。作者并没有简单地说“画阴影”，而是深入地分析了光线是如何塑造物体的体积感、空间感，以及它如何影响我们对色彩的感知。书中通过对比不同光照条件下，同一物体的绘画表现，让我深刻理解了光线在绘画中的核心地位。它不仅仅是照亮物体，更是赋予物体生命和灵魂的魔法师。它还讨论了“色彩的心理效应”，比如为什么冷色调会让人感到平静，而暖色调会让人感到兴奋。我之前对色彩的认知，大多停留在“好看”和“不好看”的层面，这本书让我意识到，色彩本身就承载着丰富的情感和信息，而艺术家正是通过对色彩的精准运用，来与观众进行深层次的情感交流。它让我开始用一种全新的方式去“看”色彩，去感受它们在画面中的低语和呐喊。
评分翻开“视觉与绘画”这本书，我最先感受到的并非是技巧的指导，而是一种对“看”的深度反思。它就像一个智慧的老者，缓缓地向你道来，什么是真正的看见，以及我们是如何看见的。书中关于“捕捉瞬间”的论述，让我印象深刻。它并不是教你如何用相机拍下快门，而是教你如何在脑海中，用眼睛去捕捉稍纵即逝的光影、动态和情感的瞬间，然后将这些瞬间转化为笔下的线条和色彩。我曾经尝试过写生，但总是觉得画面缺乏生气，看完这一章后，我才明白，我只是机械地复制对象，而忽略了对象在特定时间、特定光线下所展现出的独特生命力。作者运用了大量关于自然界光影变化、物体形态在运动中呈现的微妙差异的例子，让我恍然大悟，原来绘画的生命力，就蕴藏在这些细微之处。它还讲到了“情绪的视觉化”，如何将抽象的情绪，比如喜悦、忧伤、愤怒，通过具体的视觉元素，如色彩的冷暖、线条的粗细、形状的锐利或柔和，来具象化地表达出来。这让我意识到，绘画不仅仅是对客观世界的描摹，更是对内心世界的探索和表达。这本书让我开始重新审视我自己的观察方式，也让我对“创作”这个词有了全新的认识，它不再是单纯的技艺，而是一种深刻的感知和表达。
评分这本书，名为“视觉与绘画”，但我发现，它更多的是在教我如何“看见”。它并没有直接传授我如何去运用画笔，而是通过对“视觉”本身的研究，来启迪我对于绘画的理解。我印象最深刻的是关于“感知”的部分。作者深入探讨了我们的视觉系统是如何工作的，以及我们的经验、情感和文化如何影响我们对事物的感知。它让我意识到，我们所“看见”的，并非完全是客观存在，而是我们大脑经过解读和过滤后的结果。因此，艺术家在创作时，不仅仅是在描绘他“看见”的，更是在表达他“如何看见”以及他“想要让你看见”什么。书中通过对比不同艺术家对同一主题的描绘，展示了他们各自独特的视觉语言和情感表达方式。这让我明白，绘画的魅力，就在于它能够展现出同一事物背后无限的可能性。它还鼓励我去“质疑”我所看见的，去主动地去探索事物的本质，去发现那些不被轻易注意到的视觉规律。这本书让我对“观察”有了更深刻的理解，也让我对“创作”的本质有了更丰富的想象。
评分我一直觉得，学习绘画就像是学习一门新的语言，而“视觉与绘画”这本书，就像是一本详尽的语法书和词典，但它的特别之处在于，它用的语言非常诗意和哲学。它没有直接教你如何调色或者如何握笔，而是带领你进入一个全新的视觉世界。我记得其中有一章专门讲了“眼睛的叙事”，它分析了艺术家是如何通过对眼神、表情、肢体语言的捕捉，来讲述一个故事，或者传达一种情绪。这让我联想到很多经典的肖像画，虽然画面可能很简单，但人物眼神中的故事却能触动人心。这本书让我明白，真正打动人的绘画，往往不是因为技法的华丽，而是因为其中蕴含的情感和叙事。它还探讨了不同文化背景下，人们对色彩、形状、线条的理解差异，这让我觉得非常有趣。比如，在中国文化中，红色常常代表喜庆和热情，而在西方文化中，它可能更倾向于象征危险或者激情。这本书通过这样的对比，让我意识到，艺术家在创作时，其实是在与观众共享一种视觉文化，而这种共享的默契，也是绘画作品得以被理解和欣赏的基础。它还引导我思考，作为观众，我应该如何去“读懂”一幅画，不仅仅是看它画了什么，更是要感受它想要传达的意境和情感。这本书让我对“看”有了更深层次的理解，也让我对“画”有了更丰富的想象。
评分这本书的标题叫做“视觉与绘画”，光看名字就觉得很吸引人，我一直对艺术和视觉传达方面的东西很感兴趣，所以毫不犹豫地入手了。拿到书之后，我花了很长时间去翻阅，它并没有像我最初预设的那样，直接从各种绘画技法或者名家作品开始讲起。相反，它更像是在探讨“看”这件事情本身，以及我们“看”的方式是如何影响我们“画”出来的东西。书中花了不少篇幅去分析光影、色彩、构图这些基础的视觉元素，但不是那种枯燥的理论堆砌，而是通过大量生动的例子，比如不同时代、不同流派的绘画作品，甚至是生活中的一些意象，来阐述这些理论。我印象特别深刻的是关于“负空间”的讨论，我以前一直觉得绘画就是填满画布，但这本书让我意识到，留白和负空间同样具有强大的表现力，它能引导观众的视线，塑造出画面的张力和深度，甚至赋予被描绘对象独特的个性和情感。作者在讲解过程中，会时不时地插入一些对视觉心理学的探讨，比如我们的大脑是如何处理和解读信息的，不同的人在面对同一幅画面时，为什么会有截然不同的感受。这部分内容对我来说是全新的视角，让我意识到，绘画不仅仅是一种技巧的展现，更是一种与观众进行心灵沟通的桥梁，而这种沟通的有效性，很大程度上取决于创作者对“视觉”原理的深刻理解。这本书让我重新审视了我过去对绘画的认知，它不单单是关于“怎么画”，更是关于“为什么这么画”，以及“观众会怎么看”。
评分“视觉与绘画”这本书，让我对“观看”这件事有了前所未有的敬畏。它没有将目光局限于画布上的颜料，而是将我们带入了一个更广阔的视觉领域。我特别喜欢书中关于“叙事性”的探讨。它并不是教我如何画故事板，而是让我理解，每一幅绘画作品，无论题材如何，都在以自己的方式讲述着一个故事。可能是关于一个人物的内心世界，可能是关于一个历史事件的瞬间，也可能是关于一种抽象的情感体验。作者分析了艺术家如何通过人物的表情、眼神、姿态，以及背景的细节、色彩的氛围，来构建画面的叙事线索，引导观众去解读和想象。这让我意识到，绘画不仅仅是视觉的享受，更是思想的交流和情感的共鸣。它还强调了“细节”在叙事中的重要性。一个不起眼的配饰，一个细微的表情，都可能成为解开画面故事的钥匙。这本书让我开始更加细致地去“看”每一幅画，去寻找隐藏在表象之下的深层含义。它让我明白，真正的绘画，是在用视觉的语言，与我们进行一场深刻而动人的对话。
评分拿到“视觉与绘画”这本书，我的期待是能从中汲取一些绘画技法的精髓。然而，这本书带给我的，却是一种更根本、更具哲学性的启迪。它让我明白，绘画并非仅仅是手艺，更是对“如何看见”这个过程的深入探索。我尤其被书中关于“空间感”的阐述所吸引。作者并没有直接教导透视法则，而是从更宏观的角度，分析了艺术家如何通过构图、色彩、明暗对比等多种手段，在二维的画布上创造出三维的空间幻觉。它让我意识到，所谓的“空间感”，其实是一种视觉欺骗，而艺术家，就是那个最擅长运用视觉语言的魔术师。书中举了很多不同时期、不同风格的绘画作品作为例证，对比它们在空间表现上的差异，这让我对“透视”这个概念有了更立体的理解。它不仅仅是几何学的应用，更是对人眼观看习惯和空间感知方式的深刻洞察。这本书让我开始思考，我平时是如何感知和理解空间的，以及我应该如何将这种理解，转化为画面中的视觉语言。它让我对“构图”有了更深的敬畏，原来构图不仅仅是摆放物体，更是构建一个视觉秩序，一个能够引导观众情绪和思想的流程。
评分学校图书馆微信能查到以前的借阅历史了，标记一些之前看过的。//这本应该是看了部分。印象中关于摄影绘图挺不错的，有一些视觉的知识。
评分图像学（iconology) 能指（signifier）”和“所指（signified）”
评分讀不懂，也許要先了解索緒爾的符號學理論。
评分一部“大”书，艺术理论哲学化的尝试，很不好懂。基于知识储备的关系，对于第五章：注视与扫视 的内容理解度更高，也让我很兴奋。试图在绘画与园林的观法之间寻求链接的我可能找到了钥匙（既然总是用“如画的”去形容园林），我是不很喜欢把园林与绘画的关系定位在基于个人修养的纯美学的关系上的，大概可以去尝试更理性地去解读背后的逻辑。
评分前部分对贡布里希以及知性主义的批判也好，后部分注视/扫视概念的提出也好，都给人以一种醍醐灌顶的感受。而作者对于画家身体的认识也大大拓展了图像学的宽度。以一种语言学、符号学的目光批剖图像学，实在惊人。
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