具体描述
本书所收各篇，均系作者在古代书画鉴定及书画史研究中结合自己的创作实践有感而发的心得精萃。其中《论书画鉴别》一文，全面论证了传统鉴别方法的得失，强调鉴别应以书画本身的认识为依据；论晋唐宋元和明清书画各文，在探索考订、比较研究的基础上，强调应以生活为艺术创造的源泉并以笔墨为技法形式的根本，强调应区分传统中江海之源与池沼之流的关系；论借鉴是绘画艺术的主要基础之一，则阐述了创新与研究、分析、继承传统的关系，均体现出作者一贯实事求是、理论联系实际的学术、艺术思想。
作者简介
谢稚柳（1910～1997），名稚，字稚柳，以字行，号壮暮翁，江苏常州人。生前为上海市文物管理委员会顾问，上海博物馆顾问，并任上海书法家协会主席，国务院中国古代书画鉴定组组长。工诗文，能书法，擅山水、花鸟，亦偶作人物。尤精书画鉴定，与张珩并称“北张南谢”。出版有《谢稚柳书集》、《谢稚柳画集》多种，著有《壮暮堂诗钞》、《敦煌艺术叙录》、《水墨画》、《鉴馀杂稿》等。
目录信息
1 论书画鉴别
2 晋唐宋人法书名作考论
晋王羲之《上虞帖》
唐张旭草书《古诗四帖》
宋黄山谷《诸上座》与张旭《古诗四帖》
唐柳公权《蒙诏帖》与《紫丝�帖》
唐怀素《论书帖》与《小草千文》
3 敦煌艺术研究
敦煌石室记
《敦煌艺术叙录》后记
北齐娄�墓壁画与莫高窟隋唐之际画风的渊源关系
我在敦煌
4 从上海博物馆所藏唐宋绘画论艺术源流
5 李成研究
李成考
论李成《茂林远岫图》
6 徐熙研究
徐熙落墨兼论《雪竹图》
再论徐熙落墨――答徐邦达先生《徐熙落墨花画法试探》
7 两宋名家画集序论
《董源、巨然合集》序
《燕文贵、范宽合集》序
《郭熙、王诜合集》序
《宋徽宗赵佶全集》序
《梁楷全集》序
8 董其昌所谓的“文人画”与南北宗
9 石涛研究
关于石涛的几个问题
《石涛画集》前言
谈石涛二事
石涛作品纵观
10 借鉴――绘画艺术的主要基础之一
附录:美术史研究的方法――关于实践美术史学的访谈
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读后感
清楚、直接、明白，有说服力。在读高居翰的过程中，把谢稚柳找出来对比着看了一下，感觉真是不一样。所谓内行看门道外行看热闹，谢老的书真是内行人写的书。同样是批评董其昌，几句话就抓住了他的要害。 以前批评一个留美学者写的书，说他沾染了外国人的某些不良学院...
评分清楚、直接、明白，有说服力。在读高居翰的过程中，把谢稚柳找出来对比着看了一下，感觉真是不一样。所谓内行看门道外行看热闹，谢老的书真是内行人写的书。同样是批评董其昌，几句话就抓住了他的要害。 以前批评一个留美学者写的书，说他沾染了外国人的某些不良学院...
评分清楚、直接、明白，有说服力。在读高居翰的过程中，把谢稚柳找出来对比着看了一下，感觉真是不一样。所谓内行看门道外行看热闹，谢老的书真是内行人写的书。同样是批评董其昌，几句话就抓住了他的要害。 以前批评一个留美学者写的书，说他沾染了外国人的某些不良学院...
评分清楚、直接、明白，有说服力。在读高居翰的过程中，把谢稚柳找出来对比着看了一下，感觉真是不一样。所谓内行看门道外行看热闹，谢老的书真是内行人写的书。同样是批评董其昌，几句话就抓住了他的要害。 以前批评一个留美学者写的书，说他沾染了外国人的某些不良学院...
评分清楚、直接、明白，有说服力。在读高居翰的过程中，把谢稚柳找出来对比着看了一下，感觉真是不一样。所谓内行看门道外行看热闹，谢老的书真是内行人写的书。同样是批评董其昌，几句话就抓住了他的要害。 以前批评一个留美学者写的书，说他沾染了外国人的某些不良学院...
用户评价
《中国古代书画研究十论》这本书，如同一位经验丰富的导游，带领我在中国古代艺术的迷宫中穿梭，发现那些隐藏的宝藏。书中关于晋代书法“尚韵”的探讨，让我对“形神兼备”有了更深刻的认识。作者从王羲之的《丧乱帖》出发，细致地分析了其中的笔法运用如何准确地传达出书写者在国破家亡之际的悲痛与绝望。我常常想象，在那疾风骤雨般的笔触下，跳动着一颗怎样饱经沧桑的心灵。这种将情感与笔墨完美结合的艺术，在我看来，是一种超越技法的精神境界。同时，书中对宋代山水画“搜尽奇峰打草稿”的创作理念的剖析，也让我看到了中国画写生的重要性。作者以郭熙、李唐等大家的作品为例，分析了他们如何深入自然，细致观察，并将对自然山水的理解融入到创作之中。那些笔墨厚重、气势恢宏的山水画，不仅仅是对景物的描绘，更是艺术家对自然之道的感悟与体悟。书中还对清代宫廷绘画在吸收西方透视法和色彩学方面的研究，为我提供了理解近代中国画转型的新视角。作者分析了宫廷画家如何在中国传统绘画的基础上，尝试融入西方绘画技法，从而丰富了中国画的表现力，也为中国画的现代化发展奠定了基础。
评分阅读《中国古代书画研究十论》，就像是开启了一场穿越时空的艺术之旅。书中对于汉代画像石艺术的研究，让我耳目一新。我一直以为汉代艺术以其粗犷、写实著称，但书中详细分析了画像石上那些充满生命力的线条，如何将历史故事、神话传说、日常生活场景栩栩如生地展现在眼前。作者不仅关注了题材的内容，更重要的是挖掘了画像石背后蕴含的汉代人民的信仰、生活方式以及朴素的审美情趣。那些简练而充满力量的画面，传递出的是一种原始的生命张力，一种对天地万物的敬畏与热爱。书中对北宋时期“院体画”的论述，也让我对宫廷绘画有了新的认识。作者并非简单地批判院体画的“程式化”和“匠气”，而是深入分析了其在统治阶级审美需求下的发展，以及其在捕捉物象、描绘细节方面的精湛技艺。书中以几幅宋代宫廷花鸟画为例，细致地讲解了画家如何通过对花叶脉络、鸟羽纹理的精准刻画，展现出生命的活力与自然的生机。这种客观而深入的分析，让我看到了院体画的独特价值和历史贡献。同时，书中对元代书法“尚意”的解读，从赵孟頫的“行楷”艺术谈到其对晋唐的继承与创新，再到其他书家如何在时代变迁中寻找个性化的表达，让我看到了元代书法家们在继承传统的同时，更注重抒发个人情怀，追求笔墨的自由与意境的拓展。这种从个体艺术家的风格到整个时代书法精神的升华，让我对元代书法有了更深刻的理解。
评分拿到《中国古代书画研究十论》这本书，便有一种亲切感油然而生。作为一名长期沉浸在中国古代艺术之中的爱好者，我深知其中奥妙无穷，而这本书，恰好为我提供了一个深入探究的绝佳契机。书中关于唐代书法“尚法”与“尚意”并存的论述，给了我极大的启发。作者并没有简单地将唐代书法一分为二，而是细致地分析了颜真卿、柳公权等大家如何在严谨法度的基础上，注入了强烈的个人情感与时代精神。我常常沉浸在颜真卿《祭侄文稿》的悲愤激昂之中，感受那字里行间流淌出的血泪与情怀。这种对书法艺术内在精神的挖掘，让我对唐代书法有了更深层次的理解，不再拘泥于字形的结构，而是体会到笔墨所承载的丰富情感。同时，书中对宋代花鸟画在写实基础上追求“意趣”的论述，也让我眼前一亮。作者以崔白、赵佶等画家的作品为例，分析了他们如何捕捉花鸟的动态与神韵，并在写实的基础上，赋予作品以诗意的表达。那些栩栩如生的花鸟，不仅仅是对自然景物的描摹，更是艺术家对生命的热爱与对生活美好的赞颂。书中还对明代青绿山水画的复兴及其特点的分析，为我提供了新的研究方向。作者梳理了宋代之后青绿山水画的发展脉络，并以仇英等画家的作品为例，分析了其在继承传统的同时，又融入了新的时代元素，展现出独特的艺术魅力。
评分捧读《中国古代书画研究十论》，我仿佛置身于一个古色古香的书画展厅，每一件作品都散发着历史的余韵，每一笔都诉说着动人的故事。书中对唐代书法“尚法”精神的阐释，特别是对欧阳询、虞世南、褚遂良“初唐三大家”的分析，让我看到了书法艺术严谨规范的另一面。作者细致地剖析了他们笔下那些端庄秀丽、法度森严的字迹，是如何成为后世学习书法的典范。我常常在模仿他们的字迹时，体会到那种精益求精、力求完美的艺术态度。这种对技法的极致追求，本身就蕴含着一种崇高的艺术精神。同时，书中对宋代山水画“意境”的营造，以及如何通过“皴法”的运用，表现山石的质感和体积的论述，也让我大开眼界。作者以范宽、许道宁等画家的作品为例，分析了他们如何运用不同的皴法，表现出山峦的巍峨、溪流的潺潺，以及那种沉静而悠远的意境。这种对笔墨表现力的深入挖掘，让我看到了中国画在描绘自然方面的独特之处。书中还对元代书法“尚意”精神在继承与创新中的平衡的研究，为我提供了理解中国书法发展史的新视角。作者分析了元代书家如何在继承晋唐传统的基础上，注入个人情感和时代精神，从而开创了书法的新局面。
评分坦白讲，在翻阅《中国古代书画研究十论》之前，我对书画的认知大多停留在一些名家名作的层面，对于其背后的理论体系和历史发展脉络知之甚少。这本书的出现，无疑为我打开了一扇全新的大门。我尤其被书中关于唐代仕女画审美演变的章节所吸引。作者没有简单地将杨贵妃、簪花仕女等形象视为孤立的个体，而是将其置于唐代开放包容的社会文化氛围和女性地位的变迁中进行解读。文中对唐代服饰、妆容的细致描述，以及对当时社会风尚的考证，都为理解仕女画中人物形象的塑造提供了坚实的基础。我甚至能够通过文字的描绘，仿佛看到那些丰腴而自信的仕女，她们的眉眼间流露出的，不仅是画家对美的追求，更是那个时代女性的风采与气度。此外，书中对宋代瓷器纹饰与绘画风格之间相互影响的研究，也给我带来了极大的惊喜。我之前从未想过，那些精美的瓷器纹样，竟然与当时的绘画创作有着如此紧密的联系。作者从出土的实物出发，分析了瓷器上花鸟、山水纹样的演变，以及这些纹样如何受到绘画题材和构图的影响，反之亦然。这种跨学科的视角，让我看到了中国古代艺术在不同门类之间存在的深层关联，也让我更加佩服古人的智慧与创造力。书中对于明代版画艺术的论述，也相当精彩。作者不仅介绍了版画的制作工艺，更重要的是揭示了版画在传播文化、普及知识方面所起到的重要作用，以及它如何成为当时市民阶层精神生活的重要组成部分。这种对“非主流”艺术形式的关注，也体现了作者研究的全面性。
评分《中国古代书画研究十论》这本书，当我拿到手中时，便被其散发出的浓厚学术气息所震撼。虽然我对书画领域的专业知识并不算精通，但这本书的叙述方式却异常引人入胜，仿佛一位经验丰富的老师在循循善诱，将晦涩的艺术史与理论知识转化为通俗易懂的语言。我特别欣赏其中对明代仇英画风的深入剖析，作者不仅仅罗列了仇英作品的风格特点，更是将其置于当时社会经济发展的宏大背景下进行考察，分析了市民阶层兴起对艺术品市场带来的影响，以及这种影响如何体现在仇英作品的题材选择和艺术表现上。这种将艺术创作与社会变迁紧密联系起来的视角，让我对艺术作品的理解不再局限于形式本身，而是能够窥探到其背后更深层次的文化与历史信息。书中对于清代宫廷绘画与文人画之间相互影响的论述，也给我留下了深刻的印象。作者细致地梳理了两种绘画风格在主题、笔墨、色彩等方面的差异与交融，并以具体画作为例，生动地展示了它们是如何在历史的长河中相互渗透、彼此启发，最终共同塑造了清代绘画的辉煌面貌。这一点尤为难得，因为它打破了我以往对宫廷画作“匠气”、文人画“雅逸”的刻板印象，让我看到了它们之间更为复杂与动态的关系。另外，书中对元代书法“尚意”精神的解读，从赵孟頫的“复古”思潮谈到其笔下的柔美秀逸，再到其他书家在继承传统基础上的个性化表达，展现了元代书法从技法向精神境界的飞跃。这种从个别艺术家到整个时代精神的提炼，使得我对元代书法的理解更加立体和丰满。这本书的每一个章节都像是一个独立的学术研究，但又彼此呼应，共同构成了一幅波澜壮阔的中国古代书画史画卷。
评分《中国古代书画研究十论》这本书，对我而言，是一次深刻的思想启迪，也是一次艺术的洗礼。书中关于汉代书法“隶变”的研究，让我明白了汉字从篆书向隶书的演变，不仅仅是字形的变化，更是书写工具和书写习惯的革新所带来的必然结果。作者细致地分析了隶书的特点，如“蚕头燕尾”、“一波三折”，以及它所体现出的汉代朴实、庄重的时代精神。我常常在临摹隶书时，感受那字里行间流露出的古朴与大气。这种对文字演变过程的深入探究，让我看到了中国书法艺术的源远流长与生生不息。同时，书中对宋代山水画“墨分五色”的技法探析，也让我看到了中国画在表现光影和层次方面的独到之处。作者以董源、巨然等画家的作品为例，分析了他们如何通过水墨的浓淡干湿，表现出山峦的起伏、云雾的飘渺，以及那种浑然天成的画面效果。这种对墨韵的精妙运用，让我看到了中国画在表现自然世界方面的无限可能。书中还对明代书画“跨界”融合的现象研究，为我提供了理解中国古代艺术多元化发展的新思路。作者分析了明代文人如何将诗、书、画、印融为一体，创作出富有文化内涵和艺术品位的作品，展现了中国古代艺术在形式和内容上的创新与突破。
评分终于捧读到了这本《中国古代书画研究十论》，作为一名长久以来对中国传统艺术有着浓厚兴趣的业余爱好者，我怀揣着期待与求知的心情，迫不及待地翻开了它。这本书给我的第一印象便是其厚重感，不仅体现在纸张的质感和装帧的精美，更体现在其内容所承载的历史深度与学术广度。我尤其被其中对于宋代山水画“意境”营造的论述所吸引，作者旁征博引，从苏轼、米芾等大家的作品出发，细致入微地剖析了他们如何通过笔墨的皴染、构图的取舍，乃至对自然山水的细致观察与深刻感悟，最终将那份超然物外的“气韵生动”呈现在纸上。文章中对“胸有成竹”与“胸有丘壑”之间微妙差别的阐释，让我对中国传统绘画中“写意”的精髓有了更深层次的理解，不再仅仅停留在技法的层面，而是触及了艺术家精神世界的升华。同时，书中对明清时期文人画的兴起及其背后社会文化变迁的探讨，也让我茅塞顿开。那些看似写意挥洒、不拘一格的笔墨，背后却蕴含着艺术家们对个体情感的抒发、对社会现实的隐喻，以及对传统文人生活方式的坚守与反思。作者对于唐代书法在汉字演变进程中的地位，以及其如何为后世书法发展奠定基础的解读，也极具启发性。特别是对颜真卿“尚法”与“尚意”的辨析，让我对书法艺术的传承与创新有了更清晰的认识。这种层层递进的分析，使得原本在我看来有些晦涩难懂的书法理论，变得生动而富有逻辑。总而言之，这本书犹如一位博学多才的引路人，引领我深入中国古代书画的殿堂，体验其独特的魅力与价值。
评分《中国古代书画研究十论》这本书，如同一杯醇厚的老酒，初品之时或许有些许涩涩的学术味道，但细细品味，却能感受到其中丰富的层次与深邃的底蕴。我尤其为书中关于晋代书法“尚韵”的论述所折服。作者从王羲之的《兰亭集序》出发，深入剖析了“古质”、“内美”、“外秀”等概念在书法中的体现。我常常想象，在那个崇尚玄学的时代，文人们是如何将飘逸出尘的精神境界，通过那一个个龙飞凤舞的笔画传达出来。文中对“点”、“横”、“竖”、“撇”、“捺”等基本笔画的精细讲解，结合对王羲之书法作品的鉴赏，让我对“神采”和“骨力”有了更直观的认识。不仅仅是技法的精进，更是对笔墨精神的把握，这是晋代书法留给后世最宝贵的财富。同时，书中对元代山水画中的“荒寒”意境的探讨，也让我颇受启发。作者通过分析黄公望、倪瓒等画家的作品，揭示了他们在乱世之中，如何通过对萧瑟景象的描绘，表达内心的孤寂与超脱。那些画面中稀疏的山石、干枯的树木，并非对现实的绝望，而是对内心世界的深刻映照，是一种洗尽铅华后的宁静与坚韧。这种对艺术背后情感的挖掘，使得我不再仅仅将山水画视为景物的描摹，而是看到其中蕴含的艺术家的人格与情怀。此外，书中对清代海派绘画的兴起及其艺术特征的分析，也为我提供了新的视角。作者梳理了海派画家如何融合中西绘画技法，如何在追求创新中又不失传统，并结合上海作为近代中国对外开放前沿的地理优势，分析了其艺术的时代性和地域性。这种对近代以来绘画发展的梳理，让我看到了中国画在现代社会的转型与演进。
评分《中国古代书画研究十论》这本书，在我看来，不仅仅是一部学术专著，更是一本关于中国传统艺术的百科全书。书中对于宋代书法“尚意”精神的阐释，尤为令我着迷。作者从苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”的论述入手，详细分析了他们如何突破唐代尚法的局限，将书法创作提升到抒发个人情感、表达人生哲理的境界。我常常揣摩，苏轼那洒脱不羁的笔触，是如何蕴含着他对人生起伏的豁达；黄庭坚那沉稳厚重的结体，又是如何体现了他对传统文化的敬畏。书中对于“字外功夫”的强调，让我意识到，书法不仅仅是笔墨的运用，更是艺术家内心世界的投射。此外，书中对明代文徵明山水画风格演变的考证，也让我受益匪浅。作者通过对其不同时期作品的细致比较，展现了文徵明从学习古人到形成自家面貌的过程。特别是对其晚年作品中那种苍劲老辣、意境深远的笔墨的解读，让我看到了中国画“衰年变法”的魅力，以及艺术家晚年所达到的艺术高峰。书中还对清代扬州画派的论述，为我打开了了解近代中国绘画新气象的窗口。作者分析了扬州画派画家如何突破陈规，以其奔放洒脱的笔墨和题材新颖的作品，展现了时代的活力与个性。这种对艺术群体及其风格的研究，让我看到了中国画在历史发展中的不断创新与革新。
评分翻过论述书法的一章。山谷草书出于张旭倒是别致的说法。
评分最有收获的主要是敦煌与附录两章
评分南谢北徐吵架一篇煞是好看。然读到最后面对这类需要大量实践才能掌握的学问突然好生绝望。
评分“当然美学是可以弄的，但是它的范围宽得不得了，任何事物中都有美学，我是不弄它的。”哈哈哈哈~
评分对历代作品的如数家珍，以及学习态度都是可以借鉴的。
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