Photoshop CS实用教程

Photoshop CS实用教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:北京希望电子出版社,兵器工业出版社
作者:渠继永 编
出品人:
页数:367
译者:
出版时间:2004-7
价格:30.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787801722324
丛书系列:
图书标签:
  • Photoshop
  • 图像处理
  • PS教程
  • 设计
  • 图形设计
  • 软件教程
  • CS版
  • Photoshop CS
  • 图像编辑
  • 实用教程
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具体描述

《新编Photoshop CS实用教程》内容简介:Adobe公司推出的Photoshop图像处理软件,从问世至今已经经历了一个日臻完善、逐步强大的过程,可以算是当今世界一流的图像处理和设计软件。最近Adobe公司在Photoshop 7.0的基础上又推出了最新版本的Adobe Photoshop CS。

《新编Photoshop CS实用教程》结合大量实例全面地介绍了Photoshop CS的基本操作及功能。包括基本的Photoshop CS窗12操作、基础图像理论、图像的选取与编辑、色调和色彩的调整、绘画工具、图层操作、通道概念、蒙版操作以及滤镜功能等内容。既介绍了入门级的图像处理技术,也有其他一些中高级的使用技巧。《新编Photoshop CS实用教程》可以作为美术设计人员和爱好者学习Photoshop的入门读物,也可作为中级水平读者的参考书。

《新编Photoshop CS实用教程》结构清晰,插图精美,语言流畅,实例典型。《新编Photoshop CS实用教程》在每一章后均计有习题,便于读者在学习的过程中随时检查所学知识的运用情况。它不但是广大初学者的自学读物,同时也可作为社会培训班教材。

创意无限:数字影像的艺术与技术精通 一部全面涵盖现代数码摄影后期处理、平面设计基础与高级修饰技巧的深度指南 本书并非专注于特定软件版本的操作手册,而是致力于构建一套完整、系统的数字影像处理知识体系,帮助读者从根本上理解图像的本质、色彩的科学以及视觉传达的原理。我们深信,掌握工具只是第一步,理解背后的原理和审美方向才是创作长青的基石。 第一部分:影像基础与色彩科学的底层逻辑(奠定理论根基) 本部分将带领读者深入探讨数字图像的底层结构,摒弃肤浅的“点几下鼠标”式的教学,转而关注影像质量的决定性因素。 1. 像素的哲学与分辨率的真相: 深入剖析像素的意义,区分位深度(Bit Depth)与色彩空间(Color Space)的差异。我们将详细讲解如何根据不同的输出介质(印刷、高清屏幕、网络展示)科学地设定分辨率和图像尺寸,避免盲目追求高像素带来的不必要的文件负担和处理延迟。探讨插值算法的优劣性,理解放大与缩小的数学基础。 2. 色彩科学的深度解析: 告别简单的RGB/CMYK概念。本章将系统讲解人类视觉系统的工作原理,探讨加色模型与减色模型的物理基础。重点阐述Lab色彩空间的专业用途,以及如何利用它实现跨设备的色彩一致性管理。详细介绍ICC Profile(国际色彩联盟配置文件)的创建、校准与应用,确保从拍摄到最终输出的色彩忠实还原。我们将探讨色域(Gamut)的概念,以及如何在受限的色域内进行高效的色彩管理。 3. 光影与曝光的物理捕捉: 虽然本书不侧重于单一相机操作,但对光线在传感器上的捕捉机制的理解至关重要。我们将分析曝光三角形(ISO、快门速度、光圈)对画质的影响,特别是高ISO带来的噪点特性分析,以及如何通过合理的曝光策略,最大限度地保留高光和阴影的细节,为后期处理提供最理想的原始素材。讨论动态范围(Dynamic Range)的极限与挑战。 第二部分:非破坏性工作流程与素材管理大师(高效创作的保障) 高效的后期工作流是专业人士与业余爱好者的重要分水岭。本部分强调“不破坏原始文件”的核心理念。 4. 建立专业级素材库与命名规范: 讲解如何构建一个可检索、易维护的大型图片素材库。制定行业通用的文件命名系统和元数据(EXIF/IPTC)写入规范。利用关键字(Keywords)管理,实现快速定位特定主题或风格的图像。 5. 高级原始文件(RAW)处理哲学: 深入探讨不同相机厂商RAW文件的特性差异。重点讲解如何在非特定软件环境中,对RAW文件进行白平衡的精确校正、色差的消除以及镜头畸变的优化。强调一次性的基础调整应追求自然与准确,为后续的精修留下最大空间。 6. 历史记录与版本控制艺术: 详细阐述非破坏性编辑的实现方式,不仅仅局限于软件的“历史记录”面板。讨论如何有效地利用图层组、智能对象(Smart Objects)和蒙版的逻辑组合,构建可随时回溯、修改的复杂文件结构。学习如何为同一个项目创建多重输出版本(如网页版、印刷版、社交媒体版)而不重复劳动。 第三部分:视觉语言与高级图像重构(超越工具的艺术表达) 本部分将影像处理提升到视觉叙事和风格塑造的层面。 7. 构图与引导线的数学美学: 回顾经典的构图法则(三分法、黄金分割、对称、引导线),并结合现代摄影中的非常规构图进行分析。重点讲解如何通过裁剪和二次构图来强化画面的视觉冲击力和叙事焦点。分析如何利用景深(Depth of Field)和虚化效果来引导观众视线。 8. 影调塑造与三维空间的营造: 影调是情感的载体。本书教授如何通过曲线(Curves)工具实现对亮部、中间调和暗部的独立、精确控制,而非仅仅依赖亮度滑块。详细解析“分离色调”(Split Toning)在营造氛围中的作用。学习使用蒙版技术,模拟复杂的光照环境,创造出富有立体感的空间层次。 9. 人像的精细化处理与皮肤科学: 关注健康与自然的皮肤处理方法。摒弃过度磨皮的危害,转而侧重于纹理的保留与优化。系统讲解“频率分离”(Frequency Separation)技术的原理和实际操作,用于分离色调和纹理,实现对肤色不均和局部瑕疵的精确修正。探讨眼睛、头发等细节的提亮和增强技巧,确保最终效果的真实感。 10. 纹理、细节与锐化的科学: 讲解锐化不是一个简单“提高清晰度”的操作,而是一个涉及频率、半径和阈值的复杂过程。对比“输出锐化”、“打印锐化”和“主体锐化”的不同应用场景。学习如何利用纹理叠加、光影笔刷来模拟胶片颗粒或特定材质,增强图像的质感和冲击力。 第四部分:跨界融合与未来影像趋势(拓展创作边界) 数字艺术的未来在于不同媒介的融合。 11. 混合媒介的实验与后期合成的逻辑: 深入讲解精确抠图(Selection Techniques)的技术要点,包括通道选择法和高级蒙版应用。探讨如何将多张不同光照条件的图像自然地融合在一起,并进行全局的光影匹配和色彩平衡,以创造出逼真或超现实的合成场景。 12. 风格化的构建与预设的原理: 强调预设(Presets/Actions)应是个人风格的固化,而非套用模板。讲解如何通过调整色彩平衡、特定色相的饱和度与明度(HSL/Color Mixer),来创建具有独特情感倾向的视觉风格,并将其转化为可复用的工作流程。 13. 从数字到印刷的终极转化: 讲解印刷品对色彩和细节的要求,包括网点结构、油墨吸收率等。指导读者如何根据不同的纸张类型(铜版纸、哑光纸、艺术纸)调整最终的锐化程度和色彩配置文件,确保从屏幕到纸张的视觉一致性达到专业水准。 本书旨在培养读者对数字影像的“控制力”和“洞察力”,使您能够驾驭工具,而非被工具所驱使,最终实现真正属于您自己的视觉表达。

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读后感

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用户评价

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我必须得说,这本书在界面和工具的导航方面做得相当不错,索引做得非常清晰,这对于需要“查漏补缺”的进阶用户来说太重要了。当我需要快速回忆某个特定滤镜的参数设置时,我能迅速翻到对应的章节,它就像一本字典一样可靠。特别值得称赞的是,它对脚本和动作面板的介绍,虽然篇幅不长,但点出了如何利用自动化来解放双手,这是很多同类书籍常常忽略的“生产力提升”环节。例如,它简明扼要地解释了如何录制一个复杂的色彩查找表(LUT)预设,并且演示了如何将其导出供其他软件使用,这极大地扩展了我工作流的可能性。我发现,这本书的价值在于其“实用主义”的内核,它不谈虚的,只讲如何让你手中的鼠标和数位板发挥出最大的效能。虽然在艺术理论方面着墨不多,但就作为一本“工具书”的职能来说,它绝对是合格且高效的,极大地缩短了我从“想做”到“能做”之间的距离。

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说实话,我一开始抱着很高的期望买的,毕竟市面上关于设计软件的书籍浩如烟海,但真正能让人眼前一亮的却不多。这本书的排版设计倒是挺现代的,干净利落,这一点值得肯定。然而,在讲解图层混合模式的那几个章节,我感到有些力不从心。它似乎默认读者已经对“正片叠底”或者“叠加”的原理了如指掌,介绍得过于跳跃和概念化,缺少那种手把手带着初学者理解底层逻辑的耐心。我更希望看到的是,作者能用更直观的例子,比如用一个实际的纹理叠加到一个皮肤图层上,然后逐一对比不同模式产生的结果,并深入分析为什么“柔光”会比“变亮”更自然地融入纹理。书中虽然提到了很多高级技巧,但这些技巧的根基——那些基础原理的深入剖析——却显得有些单薄,像是在匆忙地把知识点堆砌起来,而不是精心编织一张知识网。这使得我在尝试复现那些复杂的合成效果时,总感觉像是在模仿一个魔术师的动作,却不知道魔杖挥动的真正诀窍在哪里。

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读完这本书,我最大的感受是,它似乎是在试图涵盖过去十年间软件的所有重要更新和新功能,这种“大而全”的策略导致了内容上的分散和深度不足。每一个新工具,比如内容识别填充的进化,或者3D图层的一些基础操作,都被蜻蜓点水般地提了一遍,仿佛是为了确保“新版本特性”的完整性而列出的清单。这使得我在寻找针对某个特定疑难杂症的“独门秘籍”时,感到有些力不从心。举个例子,关于非破坏性修复中,如何优雅地处理磨皮后的高频细节丢失问题,书中虽然提到了几种方法,但每种方法的优劣对比和适用场景的界限划分得不够清晰。我更希望看到的是,针对几个最常见的修图难题,作者能拿出他自己最信赖的“三板斧”,并深入剖析这三板斧背后的摄影原理和设计取舍,而不是列出十种五花八门的替代方案,让读者自行摸索。总体来说,它更适合那些对软件版本更新有强烈关注,并希望对所有新特性都有所了解的“全科医生”型用户。

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这本工具书的侧重点明显偏向于商业广告和产品精修领域,对于我这种主要处理人像和纪实照片的爱好者来说,有些章节显得过于“重火力”了。书中关于高频锐化和复杂液化工具的运用,简直达到了教科书级别的细致入微,恨不得把像素点的每一个变化都量化给你看。对于那些需要制作平面广告海报,对细节要求达到苛刻的专业人士来说,这无疑是宝藏。不过,对于我个人而言,那些为了让一个产品表面光泽度提升百分之零点几的调整过程,实在有些冗长和枯燥。我更感兴趣的是如何快速、有效地处理大量的人像照片,比如批处理的流程优化,或者如何通过镜头校正和镜头光晕的模拟,来增加照片的真实感和电影感。这本书在“效率”和“极端精修”方面做得非常出色,但在“快速出片”和“氛围营造”的流程化管理上,信息量相对较少,让人感觉它更像是一个专业精修师的个人工作日志,而非面向大众的普及读物。

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天呐,我刚刚翻完手头的这本摄影后期处理的宝典,简直要为它写篇赞美诗!这本书的作者绝对是一位深谙光影魔术的行家。它没有过多纠缠于Photoshop那些老生常谈的基础操作,而是直接切入了核心——如何用色彩和光线来讲述一个故事。我特别欣赏它对“情绪化修图”的讲解,比如如何通过调整饱和度和色温,让一张平淡的风景照瞬间拥有了梵高笔下星空般的躁动与绚烂,或者如何用柔和的低对比度模拟出老电影的怀旧质感。书中大量的实战案例,每一步的逻辑都清晰得像手术刀一样精准,从RAW文件的初步解剖,到蒙版与调整图层之间那种如同舞蹈般的配合,都展示了作者对于数字暗房的深刻理解。我以前总觉得自己的作品“差点意思”,读完这本书后才明白,那缺失的正是对视觉语言的驾驭能力。它更像是一本艺术指导手册,而不是简单的软件说明书,对于追求画面美学高度的摄影师来说,这本简直是意外之喜。

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