现代主义之后的艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京大学出版社

作者:【美】布莱恩•沃利斯

出品人:

页数:484

译者:宋晓霞 等

出版时间:2012-3

价格:65.00元

装帧:平装

isbn号码:9787301197868

丛书系列:美学与艺术丛书

图书标签:

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《抽象的边界：形式、意义与观者的对话》 在二十世纪初，现代主义如同一场席卷艺术界的风暴，彻底颠覆了传统的审美观念，将艺术的触角延伸至前所未有的领域。从野兽派大胆的色彩运用，到立体派对空间与形式的解构，再到抽象艺术对纯粹形式的追求，艺术家们以前所未有的勇气和创造力，挑战着具象的束缚，探索着视觉语言的无限可能。然而，现代主义并非终点，而是一个新的起点，它开启了关于艺术本质、创作媒介以及艺术家与社会关系的深刻思考。 《抽象的边界》并非是对现代主义艺术的简单回溯或线性梳理。这本书旨在深入探讨在现代主义浪潮之后，艺术家们如何继续在前人的基础上，对艺术的边界进行更细致的拓展和更自由的重塑。我们将目光投向那些在现代主义高峰期后涌现的，或是对现代主义进行反思、修正、甚至解构的艺术实践。这些实践或许不像早期现代主义那样具有颠覆性的标志性，却以更为 nuanced 和多层面的方式，回应着时代的变化，挑战着既有的艺术范式。 本书将聚焦于几个关键的议题。首先，我们探讨“形式”在后现代语境下的演变。当抽象艺术已经成为一种成熟且被广泛接受的语言后，艺术家们如何玩转、挪用、甚至消解形式？他们如何在看似单调重复的几何形体、线条或色彩中，注入新的意义和情感？本书将分析一些艺术家如何通过对材料的实验、对过程的关注，以及对文化符号的混杂运用，赋予形式以新的生命力，使其不再是孤立的视觉元素，而是与观念、体验、甚至社会批判紧密相连。例如，某些艺术家可能通过对工业材料的直接使用，来探讨技术文明的冷漠与异化；另一些艺术家则可能通过将传统绘画技巧与当代技术相结合，来模糊真实与虚拟的界限。 其次，本书将深入研究“意义”的生产与解读。在后现代社会，意义变得更加碎片化、主观化，并且常常是语境化的。艺术家们不再试图建立宏大的、普适的意义体系，而是更多地关注个体经验、社会议题、以及文化身份的构建。我们将会看到，艺术家如何通过他们的作品，邀请观者参与到意义的创造过程中。这可能涉及到对日常物的重新语境化，使其成为象征性的载体；也可能涉及到对历史事件的重新诠释，揭示其被压抑或被遗忘的面向。理解这些作品，需要观者积极地调动自身的知识、经验和情感，与艺术家的意图进行一场动态的对话。本书将分析不同媒介（如装置艺术、影像艺术、概念艺术等）在承载和传递意义方面所扮演的角色，以及它们如何挑战传统的“静态”观赏模式。 第三个核心议题是“观者的对话”。在现代主义之前，艺术品与观者之间的关系相对明确。但随着艺术实践的演进，艺术家越来越意识到观者在作品完成过程中的重要性。观者不再是被动的接受者，而是成为意义的共同创造者，甚至是作品体验的参与者。本书将审视那些鼓励互动、参与和体验的艺术作品，探讨它们如何打破艺术与生活之间的隔阂，将艺术场所延伸至公共空间，甚至日常生活中。我们将分析艺术家如何通过营造沉浸式体验、设置开放式结构、或鼓励观众的身体介入，来激活观者的感知和思考。这种“对话”不仅仅是视觉上的，更是一种情感、观念和身体层面的交流，旨在唤醒观者对自身所处环境、社会关系以及个人价值的审视。 《抽象的边界》还将探讨一些具体的艺术潮流和代表性艺术家，但这些分析将服务于对上述议题的深入阐释，而非仅仅是作品的罗列。我们可能会触及极简主义如何将形式推向极致，同时又在其纯粹性中揭示出存在的空无；我们会关注概念艺术如何将思想置于物质之上，挑战艺术品的物质属性；我们也会探讨大地艺术如何将艺术活动与自然环境融为一体，重新思考人与自然的关系。这些艺术家的实践，无论多么多样，都共同指向了一个更广泛的趋势：艺术不再是封闭的、自足的领域，而是与生活、思想、社会和技术息息相关的动态实践。 本书的写作风格将力求严谨而富有启发性，避免使用过于晦涩的专业术语，同时注重引用的文献和分析的逻辑性。我们希望通过对这些“后现代”艺术实践的细致剖析，为读者提供一个理解当代艺术复杂性和活力的视角。最终，《抽象的边界》不仅仅是对艺术史某一时期的回顾，更是对艺术在当下语境中不断生成、不断演变的深刻洞察。它邀请您一同思考：在形式已经解放、意义已经多元、观者已经成为伙伴的时代，艺术的边界究竟在哪里？又或者，是否存在一个真正的“边界”？

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这本书由著名策展人Brian Wallis选编的批评理论文集，24篇文章多选自《十月》、《银幕》、《艺术论坛》等重要艺术杂志。其中囊括了罗莎琳·克劳斯、罗伯特·休斯、哈尔·福斯特、劳拉·穆尔维、露西·R·利帕德非常重要的代表性论文，以及罗兰·巴特、詹姆逊、鲍德里亚、本...

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P339：“控制着从赫因利希·曼（Heirich Mann）到都柏林的所有政治宣言”——其中Heirich系印误，应为Heinrich,通译名应为“海因里希·曼”；紧接着，用知名度很大的地名“都柏林”来译知名度不是很大的人名，很有啼笑皆非之感，此人原名Döblin，国内其他译本有译为...  

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P339：“控制着从赫因利希·曼（Heirich Mann）到都柏林的所有政治宣言”——其中Heirich系印误，应为Heinrich,通译名应为“海因里希·曼”；紧接着，用知名度很大的地名“都柏林”来译知名度不是很大的人名，很有啼笑皆非之感，此人原名Döblin，国内其他译本有译为...  

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P339：“控制着从赫因利希·曼（Heirich Mann）到都柏林的所有政治宣言”——其中Heirich系印误，应为Heinrich,通译名应为“海因里希·曼”；紧接着，用知名度很大的地名“都柏林”来译知名度不是很大的人名，很有啼笑皆非之感，此人原名Döblin，国内其他译本有译为...  

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看这书的目录是令人兴奋的。主编布莱恩·沃利斯所选的都是大名鼎鼎的艺术批评家和理论家的代表论文，可以让人一窥格林伯格之后的当代批评的状况。 但让人遗憾的是，全书翻译实在不敢恭维。最令人不解处在于，书名“Art After Modernism: Rethinking Representation”，其副标题...  

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读到第一章，作者便以一种近乎侦探小说般的笔触，抽丝剥茧地分析了后现代主义思潮的兴起。我印象最深的是关于“解构”的讨论，它不仅仅是一个理论术语，而是渗透在艺术家的创作思维中，体现在作品的形式、观念甚至是展览方式上。书中列举了许多具体的案例，比如那些对经典艺术形象进行挪用、戏仿，甚至颠覆的作品。我曾经对一些看起来“随意”或“奇怪”的艺术作品感到困惑，不明白它们为何能被视为艺术，但通过这本书的解读，我开始理解到，这种“看似随意”背后，往往蕴含着对既有权力结构、社会规范的深刻质疑。艺术家们不再满足于单一的叙事，而是鼓励观众从多角度、多层次去解读作品，去发现那些被隐藏的意义。这种开放性和包容性，正是“后现代主义之后”艺术最显著的特征之一。我开始重新审视那些曾经让我感到疏远的艺术作品，试图从中挖掘出新的含义。

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我一直对艺术的市场运作和展览机制感到好奇，而本书中关于“艺术市场与策展实践”的讨论，恰恰满足了我的求知欲。书中不仅介绍了当代艺术市场的运作模式，还探讨了策展人在当代艺术生态中的重要作用。我了解到，策展人并非仅仅是展览的组织者，他们更是艺术的发现者、解读人和传播者。他们通过对艺术作品的梳理、选择和呈现，影响着公众对艺术的认知。这种关于艺术产业链的介绍，让我对艺术家、画廊、策展人、收藏家等各个环节之间的关系有了更清晰的认识，也让我明白，一件艺术品从创作到被公众所知，背后有着复杂的运作机制。

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在阅读到关于“艺术的未来趋势”的章节时，我感到既兴奋又略带一丝不安。作者对未来艺术发展的预测，让我看到了科技、人工智能、生物技术等前沿领域与艺术的进一步融合。虚拟现实、增强现实、脑机接口等技术，将为艺术创作和观众体验带来颠覆性的变革。同时，书中也探讨了艺术在应对气候变化、人工智能伦理等全球性挑战中可能扮演的角色。这种对未来的展望，既充满了无限的想象空间，也引发了我对于艺术在快速变化的社会中如何保持其独特价值的思考。

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作为一名对艺术史有着浓厚兴趣的普通读者，我一直在寻找一本能够系统梳理20世纪末至今艺术发展脉络的读物。最近，我购入了《现代主义之后的艺术》，这本书的名字本身就充满了吸引力，它承诺了对那个承接了光辉灿烂现代主义，又走向未知新境地的艺术时代的探索。拿到书的那一刻，厚重而又不失设计感的封面就让我对接下来的阅读充满了期待。我并非专业人士，对晦涩的理论术语有时会感到望而却步，但这本书的导读部分，通过一些生动形象的比喻和清晰易懂的语言，成功地消除了我的疑虑。它没有直接跳入作品分析，而是先为我们构建了一个宏观的框架，让我们理解为什么“现代主义之后”这个概念如此重要，以及它在历史长河中扮演的角色。作者并没有将现代主义视为一个已经结束的辉煌时期，而是将其视为一个仍在产生影响、并在新形式中不断演变的根基。这一点让我觉得非常新颖，因为很多时候，我们总是习惯于将艺术史割裂开来，仿佛一个时代结束后，便彻底尘封。但这本书却强调了历史的连续性和演变性，这为我理解后续的艺术现象打下了良好的基础。

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在接下来对观念艺术的阐述中，我发现自己对艺术的认知被颠覆了。一直以来，我脑海中对“艺术”的定义，更多地与精湛的技艺、优美的形式挂钩。然而，书中大量关于观念艺术的讨论，让我意识到“想法”本身，或者说艺术家想要传达的“概念”，才是艺术的核心。一些作品甚至可能只是一些文字、一个指示，或者是一个简单的行为，但其背后的思考却极为深邃。我特别被其中关于“身体作为媒介”的章节所吸引，艺术家们将自己的身体作为创作的载体，通过行为、表演来挑战身体的界限，表达社会、政治、性别等议题。这种直接而震撼的表达方式，与传统的架上绘画或雕塑形成了鲜明的对比，也让我体会到了艺术所能达到的最原始、最直接的力量。

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本书在探讨“身份认同与社会议题”这一部分，给我带来了极大的触动。我发现，当代艺术家们越来越关注社会现实，他们的作品不再是脱离现实的象牙塔，而是积极回应社会问题，探讨性别、种族、阶级、环境等议题。我尤其被书中关于女性主义艺术的讨论所吸引，艺术家们通过各种形式，挑战父权制社会对女性的刻板印象，揭露性别不平等，并重新定义女性在社会中的角色。这种将艺术与社会责任相结合的创作方式，让我对艺术的价值有了更深的理解。它不仅仅是审美上的享受，更是一种对社会的反思和改变的力量。

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在阅读到关于“公共艺术与社区参与”的内容时，我眼前一亮。一直以来，我习惯于将艺术视为在美术馆或画廊中才能欣赏到的事物，但这本书拓展了我的视野。它介绍了很多融入城市空间、社区环境中的公共艺术项目，这些作品不仅仅是装饰，更是成为连接人与人、人与环境的媒介。艺术家们与社区居民共同创作，将艺术带入日常生活，让艺术变得更加亲民和具有参与性。我曾经在一些城市中看到过一些大型的雕塑或壁画，但如果不知道其背后的创作理念和互动方式，很容易就将其视为简单的景观。这本书让我理解到，好的公共艺术能够唤起人们对生活环境的关注，激发社区的活力，甚至成为一种社会变革的催化剂。

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总的来说，《现代主义之后的艺术》这本书，不仅仅是一本关于艺术史的读物，更是一次关于思想的旅行。它带领我穿越了现代主义的余晖，深入探索了形形色色的当代艺术现象。我不再仅仅以一种被动的观赏者姿态去面对艺术，而是开始以一种更加积极、更加批判性的眼光去审视它们。这本书让我明白，艺术并非遥不可及，它就在我们身边，反映着我们的生活，质疑着我们的认知，也激发着我们对未来的想象。我真心推荐这本书给所有对当代艺术感兴趣的读者，它会为你打开一扇全新的艺术之门，让你看到一个更加丰富、更加多元、也更加令人兴奋的艺术世界。

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书中的一部分内容，详细介绍了装置艺术和多媒体艺术的发展。我一直对那些占满整个空间，让观众沉浸其中的艺术装置感到着迷。这本书并没有仅仅停留在描述这些作品的视觉效果，而是深入探讨了艺术家是如何利用空间、光线、声音、甚至气味来构建一种完整的感官体验。并且，它还分析了数字技术如何深刻地影响了当代艺术的创作和呈现方式。我以前总觉得科技与艺术是两个独立的领域，但这本书让我看到了它们之间错综复杂的联系。从数字绘画、虚拟现实艺术，到利用算法生成艺术，艺术家们正以前所未有的方式拥抱科技，并将其转化为新的艺术语言。这种跨界的融合，为艺术带来了无限的可能性，也让观众的体验更加丰富和多元。

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我特别喜欢书中关于“全球化语境下的艺术”的章节。在全球化的浪潮下，艺术不再局限于西方中心，而是呈现出更加多元和交融的景象。艺术家们开始关注本土文化、历史记忆，并将这些元素融入到他们的创作中，同时又与国际艺术潮流对话。书中列举了来自亚洲、非洲、拉丁美洲等地的艺术家及其作品，让我看到了一个更加广阔和包容的艺术世界。我曾经对一些非西方艺术感到陌生，不了解其文化背景和艺术价值，但通过这本书的介绍，我逐渐认识到，每一个地区都有其独特的艺术表达方式，都值得我们去尊重和理解。这种对多元文化的尊重，不仅体现在艺术本身，也反映了当下社会对不同文明交流互鉴的呼唤。

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好书。寒假刚接触时还读得十分艰涩，但做了些笔记，印象很深。搁下了些时日，等到这学期学了些现代主义和后现代主义的理论后，概念逐渐被打通，整体都明晰起来。艺术评论大约是当代学界最云里雾里的领域之一了，而这本书的综述性不错，对于了解该领域有不少帮助【然而有什么用呢

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读了几天，读不下去，实在翻译的惨不忍睹，束之高阁，本以为北大出版社的书都应该不错。

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学术性过浓，需要相当深的艺术哲学和社科基础积累才能流畅阅读，不太适合非艺术专业的普通艺术爱好者。

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原著1984年出版，它描述的1980s后现代转向实际从20世纪60年代就开始了，而2012年这本书的中文翻译才得以出版。这隐喻十分形象。艺术、艺术批评和中国艺术批评就是这样，隔着20年、又20年。

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