声乐表演基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧

作者:中央戏剧学院表演系声乐教研室 编

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2011-6

价格:56.00元

装帧:

isbn号码:9787104031475

丛书系列:

图书标签:

• 音乐学-声乐学
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《音乐理论精要：从入门到精通》 内容提要 本书旨在为音乐学习者、爱好者以及从事相关领域工作的人士，提供一套全面、系统且深入的音乐理论知识体系。我们深知，扎实的理论基础是理解、欣赏和创造音乐的基石。不同于侧重于特定演奏技巧的教程，本书专注于解析音乐的内在结构、逻辑以及表现手法，为读者构建一个坚实的知识框架。 全书共分为六大部分，共计二十章，内容覆盖了从基础乐理到高级和声分析的各个层面，力求做到既有严谨的学术深度，又兼顾学习的实践性和趣味性。 第一部分：音乐的基石——基础乐理 本部分是构建一切音乐知识大厦的起点。我们首先从最基本的元素入手，详细阐述音高、节奏和节拍的原理。 音高系统与记谱法：深入解析十二平均律的构成，以及不同音律的历史演变。我们不仅仅是简单介绍五线谱，而是会细致讲解不同记谱法（如简谱、六线谱等）的转换与适用场景。重点阐述高音谱号、低音谱号以及中音谱号在不同乐器和声部中的实际应用，确保读者能够准确阅读任何形式的乐谱。 节奏与节拍的精微之处：超越简单的拍子划分，本章探讨复拍子、混合拍子的内部结构和演奏要点。我们还会分析节奏型在不同音乐风格中的演变，例如爵士乐中“摇摆”节奏的内在律动感是如何通过节奏的细微处理来实现的。 第二部分：旋律的线条与形态 旋律是音乐的灵魂，本部分将引导读者剖析旋律的构成要素和逻辑。 音程的感知与应用：详细分类和辨识各类音程，并讲解旋律进行中音程的导向性。我们还会讨论听觉训练中如何快速准确地识别复杂的复合音程。 调式与调性：从古老的五声音阶、七声音阶出发，系统梳理大小调体系的建立。重点解析自然大调、和声小调与旋律小调之间的内在联系和功能差异。此外，我们将探讨调式音阶在民族音乐和现代流行音乐中的独特运用，拓宽读者的音乐视野。 第三部分：和声的织体与逻辑 和声是赋予音乐色彩和深度的核心技术。本书在此部分投入了大量的篇幅进行详尽的讲解。 三和弦的构建与功能：详尽分析大三和弦、小三和弦、增三和弦与减三和弦的结构与听感。我们将系统阐述协和与不协和的对比，以及和弦在终止式、连接处的具体功能（主、属、下属）。 七和弦的拓展与色彩：七和弦是丰富音乐表情的关键。本书详细区分了属七和弦、大七和弦、小七和弦的特点，并着重讲解导七和弦（减七和弦）在转调和制造紧张感时的重要作用。 和声进行与语汇：本章超越基础的和弦连缀，深入探讨功能和声的演变。重点解析序进、代理和弦、副属和弦等高级和声技巧，指导读者如何分析巴洛克、古典主义时期复杂乐段的和声布局。 第四部分：曲式结构与音乐形式 理解音乐是如何被组织起来的，是欣赏复杂作品的关键。 小型曲式分析：详细剖析二部曲式、三部曲式的内部结构和平衡关系。我们将以具体的古典小品为例，演示如何识别乐段的划分、主题的再现与对比。 大型曲式概览：对奏鸣曲式、回旋曲式、复三部曲式进行结构性解构。在奏鸣曲式部分，我们会逐一分析呈示部、发展部和再现部的逻辑功能，阐明主题呈示、冲突与解决的戏剧性过程。 变奏与赋格基础：介绍主题与变奏的基本手法，以及赋格曲中模仿、对位等织体技巧的理论基础。 第五部分：配器法与织体分析 本部分将理论知识与实际的乐器组合联系起来，帮助读者理解“声音是如何被组合”的。 常用乐器的音域与音色：系统介绍管弦乐队中主要乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音域特点、演奏技法及其在不同力度下的音色变化。 织体的种类与效果：清晰区分主调音乐、复调音乐（对位）和音乐的层次感。通过实例分析，讲解单音音乐、主音音乐（Homophony）与复音音乐（Polyphony）在听觉上的根本区别。 第六部分：二十世纪及以后的音乐理论前沿 为使读者不脱离时代，本书最后一部分将目光投向现代音乐理论的发展。 无调性与十二音体系：介绍勋伯格的十二音序列写作原理，解析其如何打破传统调性的束缚，构建新的组织逻辑。 新的调性概念：探讨全音音阶、八度音列等非传统调式在印象派及后浪漫主义音乐中的应用。 本书的编写风格严谨又不失启发性，通过大量清晰的乐例（不涉及声乐技巧的练习曲），配合深入的逻辑推导，旨在帮助读者建立起一个完整、可操作的音乐理论知识体系，为更深层次的音乐学习和创作打下坚实的基础。

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我最近在研究室内乐的配器法，偶然间翻阅了这本关于管弦乐队配器的专著，感受颇深。这本书的厉害之处在于，它将每一种乐器（从低音提琴到长笛）的音色特点、演奏范围、以及它们在不同组合下产生的化学反应，都进行了详尽的、近乎“仪器说明书”级别的描述。我尤其喜欢作者用“色彩盘”来比喻不同声部的组合，通过大量的范例曲目分析，清楚地展示了如何通过对乐器进行叠加、分离、或使用特殊的演奏技巧（比如弱音器、泛音等）来达到特定的情感效果。比如，作者对小提琴组高音区与单簧管中音区的交织处理，给出了非常具体的建议。这本书的实用性极强，我马上将书中的一些配器原则应用到了我正在创作的一部小交响曲中，效果立竿见影，音乐的层次感和立体感都得到了显著提升。如果说有什么可以改进的地方，那就是希望作者能增加更多关于电子合成器音色融合进传统管弦乐队的现代案例分析。

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坦白讲，我原本以为这是一本很严肃、很学术的乐理教材，但读完之后发现，它更像是一本兼具深度和趣味性的“音乐思维导图”。这本书的视角非常独特，它不拘泥于某一特定乐器或风格，而是聚焦于“音乐结构”本身。作者大胆地将数学逻辑（如斐波那契数列在旋律构建中的应用）和心理学原理（如期待与解决在和声进行中的作用）引入音乐分析，提供了一种非常宏观和抽象的理解框架。读起来像是在解一个精妙的谜题，让人欲罢不能。对于那些总感觉自己“会弹奏但不懂音乐内在逻辑”的人来说，这本书简直是醍醐灌顶。它教会我如何“聆听”结构，而不仅仅是“听见”旋律。不过，书中大量的图表和抽象概念需要读者保持高度的专注力，偶尔需要停下来反复咀嚼，否则很容易跟不上作者的思路。这绝对不是一本可以轻松翻阅的“休闲读物”，它要求你全身心地投入思考。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，拿在手里就有一种沉甸甸的质感，封面采用的哑光处理和烫金字体，透露着一种低调的奢华感。内容上，我主要被它对和声学理论的梳理方式所吸引。作者没有采用那种枯燥的公式堆砌，而是用一种“历史演进”的叙事方式，娓娓道来西方和声是如何一步步发展到我们今天所接触到的体系的。读完后，我对三和弦、七和弦乃至九和弦的内在逻辑关系有了全新的认识，不再是死记硬背规则，而是真正理解了“为什么”要这样解决。书中穿插的诸多音乐片段分析，选材非常考究，从巴赫的对位练习到德彪西的色彩和声，覆盖面极广，为我的作曲实践提供了源源不断的灵感。唯一的不足可能在于，对于完全没有音乐基础的读者来说，第一章的乐理基础部分可能略显跳跃，可能需要配合其他入门书籍辅助理解。但对于已经有一定基础，想进一步精进的人来说，这本书无疑是拓宽视野、深化理解的利器。

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这本关于音乐史的著作，完全颠覆了我以往对时间线索的认知。它最大的亮点在于，作者摒弃了传统按年代划分的僵硬结构，而是选择了以“主题动机”为线索进行贯穿叙事，例如“英雄主义的表达”、“对自然的模仿”、“对人声的崇拜”等，然后追溯这些主题如何在不同历史时期被不同的作曲家以截然不同的音乐语言呈现出来。这种叙事方式极大地增强了音乐的连贯性和可读性，让我看到了不同时代音乐风格之间的内在传承与张力。读到对巴洛克时期清唱剧与浪漫主义歌剧对比分析的部分，我感受到了近三百年来人类情感表达的微妙变化。书中收录的插图和乐谱选段都非常清晰，且注释详尽，确保了读者即使不直接去查阅原谱也能理解作者的论点。如果能增加一个关于全球非西方音乐传统对欧洲音乐影响的章节，那就更具包容性和全面性了。总体来说，这是一本能够引领你进行深度思考、而不是简单记忆事实的优秀音乐读物。

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最近刚看完一本关于钢琴演奏技巧的书，真是受益匪浅！这本书的讲解方式非常深入浅出，把一些原本看起来很复杂的指法和乐理知识，通过生动的比喻和清晰的图示，变得易于理解和掌握。我特别欣赏作者在讲述不同时期作曲家作品风格差异时的细腻笔触，不仅停留在技术层面，更深入挖掘了作品背后的文化背景和情感表达。比如，在解析肖邦夜曲的处理上，作者提出的关于呼吸感和踏板运用的建议，对我目前的练习瓶颈起到了关键性的指导作用。书里还附带了一个在线资源库的链接，里面有针对书中难点片段的示范音频和慢速练习版本，这一点对于自学者来说简直是福音，极大地提升了学习效率和准确性。不过，如果能再增加一些关于即兴伴奏技巧的探讨，那就更完美了，毕竟现代音乐对这方面的要求也越来越高。总的来说，对于想要系统提升钢琴演奏水平，尤其是在古典曲目诠释上寻求突破的爱好者或专业学生来说，这本书绝对是案头必备的宝典，它的价值远远超出了书本本身的定价。

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