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☆☆☆☆☆

出版者:人民邮电

作者:David Lewis Yewdall

出品人:

页数:598页

译者:

出版时间:2011-8

价格:128.00元

装帧:

isbn号码:9787115253675

丛书系列:音频技术与录音艺术译丛

图书标签:

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声音
录音
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影视艺术
声音表达
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具体描述

《电影声音实用艺术(第3版)》全面检验电影声音这门学科，重点放在实际操作中经常遇到的问题和解决方法上。《电影声音实用艺术(第3版)》还向你展示了怎样在低预算、缺少设备、录音条件差的情况下获得最好的声轨。基于作者和其他顶尖级声音制作者的经验以及扎实的实用技巧，书中提供了大量的真实案例和相关的技术数据，并对有技巧的创建听觉体验过程给予了正确的评价。作者是电影声音行业中一位举足轻重的关键性人物，《电影声音实用艺术(第3版)》就是从他的视点对声音部门作了全面的剖析，不仅涉及了当代的实践操作，还提供了实用性很强的建议，指导读者怎样避开各种陷阱。同时本书第3版完成了全面的更新，在声音修复和非线性剪辑方面增加了很多新内容，还增加了“低预算策略”一整章内容。

《电影声音实用艺术(第3版)》附带的互动DVD光盘，内含一个供ADR配音/循环配音训练的工程文件，雷·哈里豪森的采访视频和1000多张照片及图表。

《电影声音实用艺术(第3版)》作者David Lewis Yewdall，M.P.S.E. (美国电影声音剪辑师工会会员)，在他30年的职业生涯中，制作了145部电影，其中包括《纽约大逃亡》(Escape from NewYork)，约翰·卡朋特的《怪形》(The Thing)、《克里斯丁》(Christine)、《阴阳魔界》(Twilight Zone: The Movie)、《错误行动》(One False Move)、《从前有一座森林》(Once Upon a Forest)、《天崩地裂》(Dante’s Peak)、《第五元素》(The Fifth Element)、《连锁反应》(Chain Reaction)、《星河舰队》(Starship Troopers)等。他是美国电影艺术与科学学院声音委员会的成员，也是美国电影声音剪辑师工会(Motion Picture Sound Editors Society)会员。

电影声音实用艺术一、历史溯源与媒介演变：从无声到多维声场本书旨在全面梳理电影声音技术和艺术的发展脉络，深入探讨声音元素在电影叙事中所扮演的关键角色。我们将追溯电影有声化的历史节点，分析从早期的对白同步、声效拟真到如今沉浸式空间音频技术的演进历程。第一部分将聚焦于声音的“前世今生”。我们将考察默片时代电影配乐师和现场音效师的创造性劳动，以及有声电影诞生初期，录音技术如何受到同期声设备的限制，进而塑造了特定的叙事风格（例如，早期对白录音的室内化倾向）。随后，我们将深入剖析立体声技术（如杜比立体声、影院环绕声系统）的引入如何彻底改变了观众的听觉体验，使得声音不再仅仅是画面的补充，而是成为构建虚拟空间、引导情感流向的核心工具。重点内容包括：早期有声电影的声音设计哲学、立体声的声场构建原理、以及数字音频技术（如杜比全景声、DTS:X）对当代电影制作流程的颠覆性影响。本书不会回避技术细节，但将始终强调技术选择背后的艺术考量。二、声音的构成要素：解析声学语言的底层逻辑电影声音并非单一的元素，而是由对话、音乐和音效三大支柱交织而成的复杂系统。本章将对这些要素进行精确的解剖和分析。对话（Dialogue）：深入探讨如何区分环境对白、焦点对白和画外音（Voiceover）。我们将分析录音棚对白（ADR/对白替换）的精细处理技术，以及在特定语境下，如何通过音色、语速和音高变化来暗示人物的心理状态和背景信息。此外，我们还将讨论如何有效处理外景地的噪音和环境声，确保叙事重点清晰。音乐（Music）：音乐是电影情感的催化剂。本章将区分电影配乐（Score）与插曲（Song）的不同功能。我们会研究管弦乐、电子音乐、世界音乐等不同流派在电影中的应用范例。通过对经典电影配乐片段的细致分析，探讨配乐如何制造悬念、强化主题、或形成反讽效果。如何把握配乐的“入”与“出”的节奏感，避免情绪的过度渲染，是本章的重点探讨方向。音效（Sound Effects）：音效是构建真实感和想象空间的关键。我们将详尽分类：环境音（Ambiences）、拟音（Foley）、特殊音效（SFX/Hard Effects）。拟音艺术的创作过程将被详细记录，揭示如何通过细微的材质摩擦、脚步声或物体碰撞，来建立一个可信的听觉世界。对于爆炸、交通工具、魔法效果等大型特殊音效，我们将探讨其设计理念和后期合成的复杂流程。三、声音的叙事功能：构建隐形剧本声音在电影叙事中承担着超越画面的重要职能，它能提供信息、设定基调、管理时间与空间。空间构建与透视：声音是建立空间感最直接的手段。我们将分析如何通过声像定位、混响和衰减率（Reverb and Decay）来模拟室内或室外的声学特性，从而让观众“听见”物体的远近、材质的硬软。如何运用“声音的缺失”来制造压迫感或空旷感，也是讨论的范畴。时间处理与节奏控制：声音如何影响我们对时间流逝的感知？通过声音的堆叠（Layering）、快速剪辑（Cutting）或长时拉伸（Stretching），可以有效地压缩或延展银幕时间。闪回（Flashback）场景中，如何利用特定的声音签名（Sonic Signature）来完成时间跳跃的平滑过渡。潜台词与心理描绘：声音设计是进入角色内心世界的秘密通道。我们将考察导演和设计师如何使用主观音效（Subjective Sound），例如，通过放大内心的呼吸声、心跳声，或扭曲环境声，来表达角色的恐惧、狂喜或精神错乱。声音的“画外之音”往往比“画内之音”更具指向性。四、电影声音的制作流程：从现场到混音室本书将详细描绘电影声音制作的工业化流程，强调跨部门协作的重要性。前期与现场录音：现场录音（Production Sound）的质量决定了后期工作的基础。我们将讨论现场录音师的选择标准、收音设备（麦克风类型、指向性）的运用，以及如何与导演、摄影师在复杂的现场环境中进行有效的沟通，以最大程度地保护对话质量。后期制作的精细化管理：后期工作涉及多个环节的无缝对接。我们将介绍声音剪辑师、拟音师、音效设计师和混音师的具体工作内容和工具使用。探讨声音素材库的建立与管理，以及如何确保音效素材与画面运动的精确同步。混音艺术（The Art of Mixing）：混音是声音最终呈现的艺术性环节。本章将聚焦于混音台（Console）的操作逻辑，以及动态处理（压缩、限制）、均衡（EQ）、声像定位（Panning）和电平（Level）的平衡艺术。我们会对比不同混音风格（例如，强调对话的清晰度还是强调沉浸式的声场感），以及如何针对不同的放映环境（影院、家庭影院、移动设备）进行最终的母带处理（Mastering）。五、声音设计的新疆界：沉浸式体验与未来趋势电影声音技术从未停止发展，沉浸式音频和空间化技术正在重塑观影体验。本书将探讨基于对象（Object-based）的音频格式（如杜比全景声）如何突破传统声道的限制，允许声音设计师将声像精确地放置在三维空间中的任何一点，包括头顶之上。我们将分析这种技术如何为动作片、科幻片和恐怖片带来革命性的叙事潜力。最后，本书将展望声音在虚拟现实（VR）、增强现实（AR）内容中的应用前景，探讨交互式声音设计（Interactive Sound Design）的挑战与机遇，以及人工智能在声音修复和自动生成方面的潜在影响。通过对这些前沿领域的探讨，为未来的电影制作人员提供前瞻性的视角。

作者简介

目录信息

目　录
第1章　声音的权力　1
第2章　业余爱好者的开始　6
2.1　早期实践　8
2.2　访问布鲁斯·坎贝尔(Bruce Campbell)　10
2.3　用眼睛、耳朵观察世界　15
2.4　保护你最珍贵的财富　16
第3章　正在消失的传统和即将到来的时代　17
3.1　正在消失的传统　17
3.2　评审流程的改革　19
3.3　怎样才能走到获奖这一步　21
第4章　成功还是失败——取决于影片开机之前　22
4.1　认识声音的艺术形式　26
4.2　无处不在的危险　27
4.3　丢西瓜捡芝麻　29
4.4　具备草根常识　30
4.5　临时混录(Temp Dub)　32
4.6　仔细阅读合同　34
4.7　你说过更便宜的！　35
4.8　预算基础知识　36
4.9　消失了的声音指导(Sound Director)　50
第5章　充满挑战的同期拍摄现场　51
5.1　同期录音部门(The Production Recording Team)　52
5.2　模拟还是数字　56
5.3　备份磁带　57
5.4　基准电平信号(Line-Up Tone)　58
5.5　声音场记单　60
5.6　话筒及其指向性　64
5.7　话筒杆操作技巧　75
5.8　无线话筒的使用　77
5.9　房间环境声(Room Tones)和补录　79
5.10　用分离的方式录制画内声源　80
5.11　现场录音监听的幻觉　83
5.12　多声道录音　84
5.13　电话对话的录制　85
5.14　雪地中录音的危险性　86
5.15　硬盘录音　88
5.16　最终目标和挑战　106
第6章　从拍摄现场到洗印厂　107
6.1　转录工艺流程　107
6.2　数据是金　118
6.3　35mm胶片的种类　119
6.4　基准电平信号(Line-Up Tones)　120
6.5　时间码(Time Code)：招人讨厌的电子蛐蛐　124
第7章　画面剪辑　131
7.1　绝对原则　131
7.2　从洗印厂到剪辑室　131
7.3　首、尾牵引片　134
7.4　建立剪辑日志　137
7.5　浪漫传说的危险　140
7.6　备选镜头的力量　140
7.7　林德·塞尔斯(Leander Sales)　141
7.8　马克·戈德布拉特(Mark Goldblatt)，美国电影剪辑工会(A.C.E.)　142
7.9　节约成本和损失惨重的失策　143
7.10　米莉·摩尔(Millie Moore)，美国电影剪辑工会(A.C.E.)　144
7.11　非线性处理问题　146
7.12　声音和画面剪辑师　147
7.13　霍华德·史密斯(Howard Smith)，美国电影剪辑工会(A.C.E.)　150
7.14　一系列的转机　153
7.15　触摸它——给它生命　155
7.16　寻找剪辑生涯的突破口　156
7.17　更多的有色人种技师　158
第8章　临时混录和试映：来自客观的批评　159
8.1　试映(Test Screening)　159
8.2　临时混录(Temp Dubs)　161
第9章　拉片：为了声音和音乐　164
9.1　评估同期声轨　165
9.2　优先去掉临时音乐和临时音效　166
9.3　“拉片”之后　166
9.4　精确的笔录：一份具有法律效应的纸质物证　167
9.5　总监们的圣经　167
9.6　拉片讨论会的敏感因素　169
9.7　可能会有什么新发现　170
第10章　音效采录：充满趣味和冒险的过程　172
10.1　音效采录(Custom Recording)的冒险性　176
10.2　为什么要用专业的音效采录师　178
10.3　声音剪辑师采录自己需要的音效素材　181
10.4　分析剧本的重要性　200
10.5　使用5.1方式进行现场录音　202
10.6　为成功的录音做好准备　204
第11章　声音资料库：声音王国的管理者　206
11.1　“搜索”的革命　206
11.2　从光学声迹到磁片　207
11.3　组织一套快速搜索素材的系统　210
11.4　安全保存　211
11.5　音频文件的基本“清理”(Cleaning Up)　216
11.6　复杂的信号处理过程　217
11.7　音频文件协议　224
11.8　多轨处理技术　225
11.9　多媒介同步混合处理　226
11.10　音效目录数据库　229
11.11　传统的目录数据库　234
11.12　将我们的声音资料库升级到96kHz/24bit　236
第12章　声音设计：神话与现实　237
12.1　“大声音”(The Big Sound)　239
12.2　美国式声音设计　240
12.3　你也在制作特殊音效吗　241
12.4　有关声音设计的错误信息　242
12.5　设计与混浊之间的区别　247
12.6　是什么让爆炸听上去更猛烈　256
12.7　细微之处见功夫　257
12.8　真实性与娱乐性　257
12.9　“临场化”(Worldizing)的声音　260
12.10　沃尔特·默奇和临场化　261
12.11　音效　261
12.12　《神秘人》(Mystery Men)　262
12.13　展望　263
12.14　《龙出生天》(Daylight)中的临场化　264
12.15　最后的建议　265
第13章　声音剪辑：同步-同步，切碎-切碎　266
13.1　声音剪辑团队的构成　268
13.2　战略制定　274
13.3　使用哪种工作方式做准备工作　281
第14章　声音剪辑：超低预算的对策　305
14.1　你要遭受“你并不知道有什么东西你不知道”的苦　306
14.2　声音方面的建议　307
14.3　同期录音对策　308
14.4　声音剪辑对策　314
14.5　剪辑师与混录师角色融合的演变　318
14.6　想法要伟大——剪辑要谨慎　322
14.7　保持谨慎——保持节俭　323
14.8　重新思考创意的连续性　325
14.9　别忘了国际声轨　328
14.10　案例：解决超低预算影片中的声音制作问题　328
14.11　总结　331
第15章　对白剪辑师：被好莱坞忽视的英雄们　332
15.1　后期制作前的质量控制　333
15.2　对白剪辑策略　333
15.3　对白镜头单和EDL表(剪辑表)　334
15.4　自动组合：OMF或逐段匹配同步　337
15.5　把原始素材的对白重新翻录到磁片上　339
15.6　对白声轨的摆放策略　341
第16章　ADR配音与循环配音：让口形保持同步　351
16.1　ADR配音　353
16.2　谨慎恰当地使用语言　360
16.3　提示配音台词　363
16.4　ADR录音棚：工作团队　373
16.5　循环配音技术的回归　378
16.6　ADR剪辑技巧　385
第17章　拟音：脚步、小道具和衣服摩擦的声音艺术　387
17.1　杰克·弗雷(Jack Foley)　387
17.2　现代拟音　390
17.3　非常实用的凹坑　393
17.4　电视打破了声音的藩篱　406
17.5　观察工作中的拟音棚　408
17.6　拟音提示单　410
17.7　拟音剪辑　417
17.8　该来的都会来　424
第18章　非线性数字工作站　425
18.1　实践中的原则　426
18.2　非线性剪辑的各种软件　427
18.3　井井有条的计算机桌面　430
18.4　硬盘管理　430
第19章　作曲家：是声音的合作者还是声音的破坏者　444
19.1　电影作曲的挑战　445
19.2　提前确定好作曲家　447
19.3　基本技巧　448
19.4　巴索·伯里多斯(Basil Poledouris)　449
19.5　作曲中的哲学　452
19.6　音乐剪辑　455
19.7　敏锐的观察力　457
19.8　影响创作效率的类似问题　457
19.9　与海外销售相关的因素　458
第20章　混录棚——预混与终混　460
20.1　混录(Re-Recording)　461
20.2　设备机柜　463
20.3　混录师(The Mixers)　466
20.4　预混的流程　469
20.5　调音台前的新指挥官　472
20.6　谁才是混录的真正操控者　474
20.7　应该遵守的礼节和规章制度　475
20.8　混录母带(Print Mastering)　476
第21章　新兴的技术：声音修复以及上色　483
21.1　从5.1到6.1以及更高　483
21.2　质量控制游戏　486
21.3　全浸式体验所带来的机遇　487
21.4　音频修复　489
21.5　上色：一个来自内部的有偏见的观点(这一节的内容全部由传奇电影公司的巴里·B·桑德鲁博士提供)　495
21.6　决定在你手中　508
第22章　传统的Nagra IV-S开盘录音机(模拟)　509
22.1　实用的Nagra专业录音机　509
22.2　电池供电　511
22.3　主要组成部分　513
22.4　音频技术检修　535
第23章　数字硬盘录音机——Nagra V　537
23.1　Nagra V录音机　537
23.2　硬盘录音(Direct-to-Disk Recording)　538
23.3　输出和输入　541
23.4　时码接口(Time Code Connector)　542
23.5　前置面板　544
23.6　走带控制系统　548
23.7　菜单面板　549
术语表　552
关于能够互动的DVD光盘　566
中英文词汇对照表　571
译者后记　597
· · · · · · (收起)

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的结构和节奏感到非常满意，它完美地平衡了理论的严谨性与实践的可操作性。如果你是正在尝试自己剪辑短片的新手，这本书提供的“工具箱”绝对是无价之宝。它没有空泛地谈论“好的声音是什么”，而是直接告诉你“如何做出好的声音”。例如，它针对不同场景——从嘈杂的城市追逐到幽静的室内对话——给出了具体的录制和处理技巧清单。我尝试着按照书中的步骤，对一个我以前的作品进行了声音的重新混音，效果立竿见影，那种声音的清晰度和空间感瞬间提升了一个档次。最贴心的是，书中还配有大量的图表和流程图，将复杂的工作流程可视化了，这对于视觉学习者来说简直是福音。它不像某些教程那样，把所有东西一股脑塞给你，而是循序渐进，先打地基，再盖楼。阅读体验上，文字流畅自然，没有那种教科书式的僵硬感，让人读起来非常舒服，仿佛有一位经验丰富的前辈在你身边耐心指导。

评分☆☆☆☆☆

这部《电影声音实用艺术》简直是为我这种对电影幕后制作充满好奇的影迷量身定做的！我一直觉得电影的魅力不仅仅在于画面，声音更是灵魂所在。这本书的切入点非常新颖，它不像那些晦涩难懂的技术手册，而是用一种非常生活化、近乎于“讲故事”的方式，带我领略了声音设计的魔力。书中对不同类型电影（比如科幻片和文艺片）在声音处理上的差异进行了深入的剖析，我印象最深的是它对“环境声”的解读。作者用了大量的篇幅来阐述，为什么一个雨天的背景声，仅仅通过高频和低频的细微调整，就能让观众产生截然不同的情绪共振。我甚至开始反思自己过去看过的那些经典场景，原来那些震撼瞬间并非偶然，而是精心编排的听觉盛宴。它让我明白了，声音设计绝非简单的“配乐加音效”，而是一种与画面并驾齐驱的叙事语言。特别是关于“拟音”那一部分的描述，细节丰富到让我仿佛能闻到录音棚里那种特有的橡胶和皮革的味道，那种动手实践的乐趣跃然纸上。这本书的结构非常清晰，逻辑链条环环相扣，即便是像我这样非科班出身的爱好者，也能轻松跟上作者的思路，从中汲取到大量提升观影体验的“秘密武器”。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最大震撼是其对声音的“世界观”的构建。它不仅仅关注我们听到的“直接声音”，更深入地探讨了“空间感”和“声场构建”。作者对于如何利用回响（Reverb）和延迟（Delay）来定义一个场景的物理属性，进行了近乎偏执的细致描述。书中有一个章节专门分析了声学环境对情绪的影响，比如低频的过度充斥会带来压抑感，而高频的空洞则会让人感到疏离。这已经超越了单纯的技术层面，上升到了艺术表达的范畴。阅读过程中，我多次暂停下来，戴上耳机，去主动捕捉周围环境中的细微声响，试着用书中的理论去分析它们。这种“主动聆听”的习惯的养成，本身就是这本书最宝贵的馈赠。它让我意识到，我们生活的世界本身就是一个巨大的、未经雕琢的声场，而电影声音艺术家的工作，就是用技术手段去重新诠释和放大这个世界的听觉维度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的深度完全超出了我阅读一本“实用艺术”类书籍的预期。我原以为它会停留在基础的混音原理或者麦克风选择上打转，没想到它竟然能深入到声音的哲学层面。作者对“沉默”的探讨尤其令人拍案叫绝。在充斥着爆炸声和激烈对白的现代大片中，如何有效且富有冲击力地使用“无声”来制造张力，书中给出了非常多令人耳目一新的案例和分析。我感觉这更像是一本关于“听觉心理学”的入门读物，它引导我去思考，声音是如何直接绕过理性分析，直击我们内心深处的情感阀门的。书中列举了诸多声音设计师的访谈片段，这些一手资料展现了行业巨匠们在面对创作瓶颈时，是如何运用非传统的方法来解决问题的。那种“不拘一格”的创造精神，比任何理论都更具感染力。我特别欣赏作者在介绍专业术语时所采取的策略——总是先给出生活中的类比，再引出专业名词，这极大地降低了阅读门槛，同时保证了知识的准确性。这本书绝对是那种可以放在手边，随时翻阅，每次都能发现新亮点的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

要说这本书的独特之处，那一定是它对声音“文化背景”的考量。它没有将声音技术视为一个孤立的科学领域，而是将其置于全球电影史和不同文化语境下进行讨论。比如，在探讨动作片音效时，它对比了欧美和亚洲电影在处理“拳脚相交”时的听觉美学差异，非常具有启发性。这种跨文化的视野，让读者在学习技术的同时，也培养了更广阔的国际视野和更具包容性的艺术观。书中对声音“版权和素材库”的讨论也极其实用，对于独立电影制作者来说，如何合法、有效地获取高质量的音效资源，简直是雪中送炭。整体而言，这本书的行文非常自信且富有洞察力，它不卑不亢地展示了声音艺术的复杂性与迷人之处，是一部兼具学术深度和实战指导价值的重量级作品，强烈推荐给所有对电影媒介怀有敬畏之心的人。

评分☆☆☆☆☆

很好很实用

评分☆☆☆☆☆

很好很实用

评分☆☆☆☆☆

里面收藏了作者的很多经验，非常值得借鉴。

评分☆☆☆☆☆

比较口语化的介绍，还不错，考完再慢慢看一次实战经验

评分☆☆☆☆☆

相见恨晚呐