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出版者:人民邮电出版社

作者:[美] 布鲁斯·巴特利特

出品人:

页数:290

译者:冯汉英

出版时间:2011-3

价格:80.00元

装帧:平装

isbn号码:9787115245090

丛书系列:音频技术与录音艺术译丛

图书标签:

• 音乐
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跨越时空的音符：现代音乐制作与声音艺术的深度探索 本书并非聚焦于音乐现场录音的特定技术或设备操作，而是将视角投向更广阔的音乐制作领域，深入剖析现代音乐工业中声音的生成、塑形、呈现与商业化实践。 本书旨在为音乐爱好者、声音设计师以及希望理解当代音乐制作全貌的专业人士提供一份详尽的指南，涵盖从概念萌芽到最终成品发布的每一个关键环节。 第一部分：音乐的起源与概念构建 本部分将从音乐创作的本质出发，探讨灵感的捕获与概念的系统化。我们不会讨论如何精确捕捉一个舞台上的瞬时回响，而是着重于： 前制作阶段的艺术思维： 如何将抽象的音乐理念转化为可执行的制作蓝图？这包括风格定位、情感基调的确定，以及对目标听众的深刻理解。我们将详细分析不同音乐流派（如电子乐、独立摇滚、管弦乐）在初期概念化上的差异性需求。 作曲与编曲的结构逻辑： 深入剖析歌曲结构、和声进行在现代音乐语境下的演变。重点讨论如何利用非传统乐器和声音采样来构建独特的音乐纹理，而非仅仅记录既有的现场表演。 数字音频工作站（DAW）的哲学选择： 比较主流DAW软件在工作流程设计、插件兼容性及资源管理方面的优劣。这部分将侧重于软件作为创作工具的角色定位，而非其录音输入端口的性能比较。 第二部分：声音的合成与塑形：从零到一的构建 本部分将完全脱离“现场环境”的限制，聚焦于声音元素如何在虚拟空间中被创造、编辑和重塑。 合成器技术深度解析： 详尽介绍模拟合成、波表合成、频率调制（FM）以及颗粒合成等核心技术原理。探讨如何通过这些技术，从无到有地创造出独一无二的音色，这些音色在任何现场环境中都无法被自然获取。 采样与循环的艺术： 探讨合法且富有创意的采样策略，包括对现有素材的解构与重组。分析高级切片、时间拉伸、音高偏移等技术，如何将既有声音转化为全新的节奏和旋律元素。 效果链的设计与序列化： 深入讲解滤波器、调制效果（如镶边、颤音）、空间效果（如混响、延迟）在声音设计中的应用逻辑。讨论如何设计一个层级分明的效果链，以实现声音的深度和动态变化。我们着重于“设计”一个声音，而不是“捕捉”一个声音。 第三部分：混音的精细雕琢：空间感的虚拟构建 混音阶段是音乐制作的核心战场，本书将侧重于如何通过技术手段在立体声或多声道环境中构建听觉上的真实感和冲击力，完全不涉及麦克风摆位或现场声学处理。 电平平衡与动态管理： 详细阐述压缩器、限制器在塑造乐器层次感上的细微差别运用。探讨瞬态塑形工具如何影响鼓组的“冲击力”和人声的“存在感”。 频率频谱的分配与净空： 阐述均衡器在不同乐器间进行“频率卡位”的策略。例如，如何通过精细的EQ调整，确保贝斯和底鼓在低频区域既能相互支持，又不产生浑浊感。 虚拟空间构建： 深入解析卷积混响与算法混响的区别，以及它们如何用于模拟特定空间（如小型录音室、大型厅堂）的声学特性。重点在于利用这些工具创造出超越物理限制的深度和距离感。 第四部分：母带处理与最终呈现：适应全球播放标准 母带处理是确保音乐作品在不同播放介质上都能保持一致音质与响度的最后一步。 响度战争与响度标准化（LUFS）： 详细解读行业内对响度标准的最新要求，以及如何利用母带EQ和多段压缩器在不牺牲动态的前提下，达到目标响度值。 立体声宽度与相位校正： 探讨如何使用中/侧处理技术（Mid/Side Processing）来优化立体声声场的宽度和深度，确保作品在单声道系统（如蓝牙音箱、手机扬声器）播放时依然保持清晰和平衡。 数字化发行格式的考量： 分析 WAV, FLAC, MP3 等不同文件格式的特性，以及针对流媒体平台（如Spotify, Apple Music）优化母带的特定策略，确保音质的最高保真度。 结论：面向未来的声音景观 本书最后将探讨沉浸式音频（如杜比全景声、双耳渲染）对未来音乐制作工作流带来的变革，展望声音艺术在虚拟现实和互动媒体中的新应用，引导读者跳脱出传统录音的框架，拥抱声音创造的无限可能性。 总而言之，本书是一本关于“如何从无到有地创造和完善音乐作品声音”的系统性专著，它关注的是声音的设计、构建、平衡与最终的商业化呈现，而非对现有现场声音的忠实记录。

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坦白说，这本书的阅读体验有点像在听一张精心制作的黑胶唱片，需要你静下心来，用耳朵去“阅读”，用心去“聆听”文字背后的韵律。我读到后面才意识到，作者似乎并不热衷于探讨那些最新的数字音频接口或者杜比全景声的实现细节。相反，它深入挖掘了声音在物理空间中传播的特性，以及不同场地结构对声音反射和吸收的微妙影响。有几章关于麦克风摆位和拾音模式的讨论，虽然没有给出标准的“最佳实践”，但却提供了一套非常实用的、基于环境判断的思维框架。我尝试着将书中的一些理念应用到我最近一次小型演出中，效果出奇地好，原本感觉混浊的中频部分，竟然清晰了不少。这本书的价值在于，它教会你如何“听懂”空间，而不是被设备参数所奴役。它是一种对声音本真的回归，读完之后，我对于那些所谓的“高保真”有了更深层次的批判性思考。

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这本书的结构安排颇具匠心，它不像传统技术书籍那样层层递进，而是更像一部非线性的纪录片，由若干个精彩的“片段”串联而成。我特别欣赏作者在穿插历史轶事和个人经验方面的功力。例如，书中对八十年代大型体育场馆扩声系统的演变描述，竟然能写得如此引人入胜，仿佛我亲眼目睹了那些巨型音箱阵列是如何一步步改变现场音乐体验的。这种叙事手法使得即便是对于不太熟悉技术史的读者，也能轻松跟进。不过，也有个小小的遗憾，书中对一些新兴的软件建模工具着墨不多，可能作者更偏爱那种“硬核”的物理声学处理。但换个角度想，正是这种取舍，使得全书保持了一种高度一致的美学追求——即强调现场声音的不可复制性和即时性。它更像是一份献给现场声音工程师的“圣经”，记录了那些在后台默默奉献者的心路历程。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种复古的胶片质感和强烈的舞台光影对比，让人瞬间仿佛置身于一个喧嚣的音乐现场。我一开始是被这个视觉冲击力吸引的，毕竟现在很多技术类的书籍封面都过于平淡了。打开书本后，我发现内容叙述的节奏感非常强，作者似乎很擅长用散文诗般的笔触来描绘那些稍纵即逝的瞬间。它没有那种枯燥的公式推导或者设备参数罗列，反而更像是一部关于“捕捉声音的艺术”的心灵独白。文字间流淌着对音乐最纯粹的热爱，那种为了追求完美音质，不惜一切代价去捕捉舞台上每一个微小振动的执着，让人读起来热血沸腾。我尤其喜欢其中对于现场混音师工作状态的描绘，那种在噪音与音乐的夹缝中寻求平衡的挣扎与满足，读来令人感同身受。这本书更像是提供了一种看待声音的哲学视角，而不是一本操作手册，它引导你去思考，在数字化的浪潮下，我们到底丢失了什么，又该如何守护那些原始的、有温度的声波。

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读完这本书，我最大的感受是，它彻底颠覆了我对“录音”这个词的固有印象。原以为会是一本关于如何设置录音棚设备、如何进行后期混音的教科书，结果完全出乎意料。它似乎在强调一个核心观点：真正的“同期录音”不仅仅是机械地记录声音，更是一场与时间、空间、以及不可预测的观众情绪之间的赛跑。作者对于“临场感”的捕捉有着近乎偏执的追求，他用大量笔墨探讨了如何通过细微的电平调整和动态处理，来还原观众的呼吸声、舞台上的脚步声，以及乐器之间那种微妙的空气流动感。这种关注点已经超出了单纯的技术范畴，上升到了艺术表达的层面。我读到作者描述某次户外音乐节，如何应对突然降临的阵雨对反射声的影响，那种临危不乱的决策过程，简直就是一场精彩的智力对决。

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这本书的语言风格非常成熟且富有洞察力，它避免了学院派的空泛说教，也避开了行业内的过度行话，找到了一种非常平衡的表达方式，让技术人员能找到共鸣，非专业人士也能领会其精髓。其中关于“动态范围的艺术性控制”那一章节尤其精彩，作者没有简单地推荐某个压缩器的阈值设置，而是深入剖析了不同音乐类型（比如古典乐的宏大与爵士乐的细腻）对动态处理的不同要求，以及如何通过饱和度和瞬态响应来塑造听众的情绪走向。我注意到，书中对一些细节的坚持达到了令人惊叹的程度，比如对线材的排列方式如何影响抗干扰能力，虽然听起来有点玄学，但作者的论证过程严密且基于长期的实践积累。这本书更像是一份经验的结晶，它传授的不是具体的“菜谱”，而是如何成为一名优秀的“大厨”的底层逻辑和直觉培养。

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很早就有有个录音梦。闲下来大概浏览了一下，把主要录音方式给完整地理了一遍，感觉多少满足了一点。

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因为在市图书馆没找到《实用录音技术》所以就拿了这本，讲的比较浅，更多的是属于“术”的层面。

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因为在市图书馆没找到《实用录音技术》所以就拿了这本，讲的比较浅，更多的是属于“术”的层面。

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因为在市图书馆没找到《实用录音技术》所以就拿了这本，讲的比较浅，更多的是属于“术”的层面。

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因为在市图书馆没找到《实用录音技术》所以就拿了这本，讲的比较浅，更多的是属于“术”的层面。