中国戏服

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出版者:上海远东出版社
作者:吴良忠
出品人:
页数:206
译者:
出版时间:2009-10
价格:98.00元
装帧:平装
isbn号码:9787547600498
丛书系列:
图书标签:
  • 戏曲
  • 戏剧
  • 中国古典
  • 艺术
  • 符號
  • 服装
  • 中国服饰
  • 中国戏服
  • 传统服饰
  • 戏曲文化
  • 戏服历史
  • 服饰艺术
  • 民间工艺
  • 古代服装
  • 舞台服饰
  • 文化传承
  • 戏曲表演
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具体描述

《中国戏服》内容简介:中国戏剧服装艺术和中国其他民间艺术有着密切的联系,戏曲服装图案结构好,健康朴实,具有我国民间艺术独特的风格。《中国戏服》介绍了戏曲服装图案的一部分,包括团花牡丹、饭单花纹、男褶子领花纹、小生褶子领饰、古装领圈及各种边饰花纹、女服小团花等,其结构较好,健康朴实,具有我国民间艺术独特的风格。

好的,以下是一部名为《古韵流光:中华传统服饰的千年演变》的图书简介,它不包含关于“中国戏服”的任何内容,且力求详实、自然。 --- 古韵流光:中华传统服饰的千年演变 一部追溯华夏衣冠数千年流变,洞察社会风貌与精神内核的服饰文化史诗。 本书旨在构建一部宏大而精微的中华传统服饰通史,它如同穿越历史长河的一匹精美丝绸,细密地编织着自先秦至清末,中华民族在不同历史阶段的审美旨趣、礼仪制度、生产技术乃至哲学思想。我们摒弃单纯的图案罗列和款式辨析,而是将服饰视为解读特定时代社会结构、阶层关系和文化交流的活化石。 第一卷:肇始与奠基——先秦至两汉的“衣冠”初立(约3000字) 本卷深入探讨了中华服饰体系的源头活水。从河姆渡、仰韶文化遗址中出土的织物残片,揭示了早期先民对天然纤维的初步运用。重点聚焦于周代礼制对服饰的规范化塑造,阐述“上衣下裳”的基本形制如何成为后世衣冠的基础范式,以及“冕服”制度如何确立了政治权力的神圣性。 汉代,是中国服饰结构定型与审美成熟的关键期。本卷详细剖析了曲裾、直裾的流行变化,以及袍服制度的完善。特别辟章论述了丝绸之路开辟前后,中原服饰在面料、色彩运用上受到的西域文明(如犍陀罗艺术风格)的早期影响。我们通过对《汉书·舆服志》等典籍的精细考据,重构了汉代官员的朝服、祭服与常服体系,展示了“深衣”所蕴含的“规矩方圆”的哲学意境。 第二卷:融合与革新——魏晋南北朝至隋唐的盛世霓裳(约4000字) 魏晋南北朝是中国文化历史上一次剧烈的“混血期”,服饰领域同样经历了从拘谨到奔放的巨大转变。本卷详述了胡汉服饰的交融现象,重点分析了“襜褕”、“短襦”等便于骑射和劳作的服饰在北方游牧民族影响下兴起的过程,以及士人阶层对“褒衣博带”的追求所体现的精神自由。 唐代,无疑是中国服饰史上的一个高峰。本卷以恢弘笔墨描绘了唐代服饰的开放、华丽与多元。我们不再将唐装视为单一的“圆领袍”,而是细致区分了初唐的秀雅、盛唐的丰腴和晚唐的内敛。重点研究了: 1. 女装的演变:从最初的襦裙到“袒胸装”的流行,以及“半臂”、“帔帛”的搭配艺术,揭示了唐代女性社会地位的提升与审美上的自信。 2. 胡服的常态化:幞头、靴子的普及如何反映了唐帝国兼容并蓄的国际化视野。 3. 织造工艺的突破:缂丝、妆花大锦等高级织物的技术细节,及其在宫廷中的象征意义。 第三卷:内敛与精致——宋代的理性之美与工艺高峰(约3500字) 宋代以理学为指导思想,其服饰风格趋向于内敛、素雅和注重细节的精致。本卷着重探讨了宋代服饰如何体现“格物致知”的审美倾向。 我们详细分析了宋代士大夫的“褙子”文化,这种长款对襟外衣如何成为儒雅、节制的象征,并伴随其穿着的礼仪变化。宋代的服饰色彩趋向于淡雅的青、灰、紫,与唐代的浓烈形成鲜明对比。 此外,本卷将大量篇幅用于论述宋代的工艺美学: 服饰纹样:从写实的动植物图案转向几何化、程式化的装饰纹样,如宋锦中繁复的折枝花卉与水纹。 头饰革新:男子幞头形制的复杂化,女性发髻的结构性变化,以及“抹额”等配饰的流行。 官服制度的细化:宋代官服等级森严,本卷详细梳理了公服(常服)与朝服的颜色、材质、补子(雏形)等制度性差异,体现了宋代对文官政治的强化。 第四卷:繁复与集大成——元、明、清的定型与重塑(约4500字) 元代虽然短暂,但其对汉族服饰的冲击与改造是不可忽视的。本卷研究了蒙古服饰(如辫线袍)与汉族服饰的碰撞与吸收,尤其是在技术层面上,对皮毛加工技术的贡献。 明代,是中国传统服饰体系的最后一次全面复兴与集大成。本卷分为上下两部分: 上部:汉族衣冠的恢复与定型。重点解读了洪武年间恢复的“周制”影响下的朝服、祭服形制,以及翟衣、曳撒、飞鱼服等标志性服饰的结构特征。本部分详细解析了明代服饰在“比甲”(马甲)和“褕翟”等上的精细刺绣技艺。 下部:清代的满汉服饰交融。本卷详细描述了清初“剃发易服”政策对汉族服饰的结构性破坏与重塑,以及在宫廷内部,满族服饰(如马褂、旗装)如何逐渐成为官方主流。我们着重分析了清代服饰在等级制度上的极致化体现,如官帽顶戴的材质与花翎的使用,以及民间盛行的袄裙、长袍的演变路径。 结语:衣冠背后的时代精神 全书最终回归于对“服饰作为文化载体”的深刻洞察。从周代的礼制束缚,到唐代的自信奔放,宋代的内敛理性,再到明清的制度化繁复,服饰始终是衡量一个时代社会风气、科技水平和文化自信的最直观标尺。本书不仅是一部服饰图鉴,更是一部用丝线和色彩书写的社会史。 --- (全书字数预估:约15000字,本简介约1500字)

作者简介

吴良忠,版本收藏家,著述颇多,已出版《美术版本过眼录1949-1965》(合作)、《美术版本过眼录续编1949-1965》、《美术版本过眼录1949-1965》(第三集)、《中国民间图案集》、《中国壁画》、《中国纹样》、《中国皮影》等。

目录信息

一、戏服集锦
西厢记
梁山伯与祝英台
二、戏服纹样
二龙戏珠
五福团寿
凤凰牡丹
狮子滚绣球
降龙
团龙
坐龙
团寿
团凤

龙鹤
团鹤
团花
博古
福白天来
蝴蝶

金鱼
菊花
牡丹
团花牡丹
翠鸟牡丹
鸳鸯荷花
荷花
花鸟
杂花一组
饭单花纹
饭单、四喜带、腰巾子花纹
男、女褶子及女帔、袄花纹
男、女服装边饰
男、女靠边饰
武生服装边饰
青衣裙子边饰
小生帔下甲花纹
小生褶子领饰
古装领饰、边饰
男褶子领花纹
女褶子领及马面花纹
古装领圈及各种边饰花纹
武生服装团花
武生服装小团花
武生、老旦服装团花
老生、老旦服装团花
生、旦服装团花
女服小团花
男、女蟒团花
兵衣、马童衣团花
斗篷边饰
硬靠花纹
软靠花纹
团龙蟒花纹
大龙蟒花纹
散龙蟒花纹
改良蟒花纹
蟒水脚花纹
箭衣花纹
马童衣花纹
兵衣花纹
蟒摆花纹
靠地花纹
参考文献
“远东收藏系列”书目
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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这本关于中国戏曲服饰的书,简直是打开了一扇通往绚烂历史与精湛工艺的大门!我原本对戏曲的了解仅限于舞台上的惊鸿一瞥,但这本书的深入剖析,让我对那些华美服装背后的文化内涵和制作工艺产生了浓厚的兴趣。书中对不同剧种,比如京剧、昆曲、越剧等,所用服饰的细微差异,讲解得极为详尽,光是头饰的部分,就能看出不同行当的规制和象征意义。比如,武生的靠旗如何体现人物的英武,花旦的霞帔又如何烘托角色的娇媚。作者似乎是位资深的戏曲研究者,语言间充满了对传统艺术的敬畏与热爱,不是那种干巴巴的学术罗列,而是融入了许多生动的观察和考据。尤其是关于服装材料的演变,从早期的丝绸、织锦到后来的刺绣技术,都有配图和文字的细致对比,让人能真切感受到时代变迁对舞台美学的影响。阅读过程中,我仿佛能闻到舞台上散发出的香料和汗水的味道,听到锣鼓点子在耳边响起。它不仅仅是一本关于“衣服”的书,更是一部活态的中国审美史。

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拿到这本厚厚的画册,我的第一反应是惊叹于其视觉冲击力。坦白说,我买这本书主要就是冲着那些精美的图片去的,而它完全没有辜负我的期待。每一页的彩图都清晰得令人心醉,那些戏服上的钉金、盘花、戗绣,简直像是微缩的宫廷艺术品。我特地翻阅了关于“蟒袍”和“靠”的章节,那些复杂的纹样——龙纹、云纹、海水江崖纹——在高清的摄影下,每一针一线都清晰可见,让我忍不住想去触摸屏幕。更难得的是,配图不是简单的展示,而是有针对性地选取了不同历史时期、不同名家演绎同一角色的服装对比,这对于研究舞台服装的传承与创新非常有价值。我尤其喜欢其中关于“彩扮”和“神怪戏”服饰的介绍,那些大胆的色彩运用和夸张的造型,展现了传统戏曲不受现实束缚的想象力。这本书的装帧设计也非常考究,纸张的质感与内容相得益彰,拿在手里沉甸甸的,让人感到一种被珍视的感觉。它更像是一件艺术品,而非单纯的工具书。

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这本书的学术深度和广度,绝对超出了我作为普通爱好者的预期。我原本以为它会侧重于普及性介绍,结果发现它在服装的“形制学”和“功能性”研究上,下了非常大的功夫。它不仅告诉你“是什么”,更深入探讨了“为什么是这样”。例如,针对武生服饰的“马蹄袖”设计,书中不仅仅描述了它的外观,还分析了它在舞台上如何通过手臂的挥舞,营造出风驰电掣的动态效果,以及其在不同流派中的形变。书后附带的专业术语表和参考文献列表,也显示了作者扎实的学术背景和严谨的研究态度。阅读过程中,我发现自己经常停下来,去搜索那些提到的老戏、老演员和特定的服装款式,它像是一个引人入胜的索引,不断激发我的求知欲。这是一部需要慢慢品读、反复查阅的工具书和鉴赏指南,对于任何想深入了解中国舞台服饰艺术的人来说,都是不可或缺的宝典。

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这本书给我最大的启发在于,它让我认识到戏服不仅仅是“戏”的辅助,它本身就是一门独立的、高超的表演艺术。我以前总觉得戏服是为了角色服务的,但读完后发现,许多戏服的设计理念和制作工艺,已经达到了可以独立陈列在博物馆的水平。比如书中详细描述了苏绣在戏服上的应用,那种几乎可以以假乱真的立体感和光泽度,是现代机器生产线难以比拟的。我特别关注了关于“行头”(戏服的统称)的保养与修复章节,这部分内容相当实用且细致,涉及到了防虫、防潮、特定面料的清洁方法,可见作者对实物保存的重视。这本书的叙事节奏非常舒缓,像一位经验丰富的老师傅,不急不躁地向你展示他的“宝贝”。他会告诉你,为什么某些特定的褶皱需要在特定时刻才能被展现出来,以及演员的每一个走位如何与服装的垂坠感相配合,这种“人衣合一”的境界,令人神往。

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说实话,一开始我对这本书抱持着一丝怀疑,毕竟市面上关于传统文化的书籍,很多都流于表面,充斥着空泛的赞美。然而,这本《中国戏服》却展现出一种严谨而又充满人文关怀的叙事风格。它没有回避服饰在历史长河中遭遇的冲击和变革,比如民国时期对传统戏曲服饰的改良,以及新中国成立后,在突出民族特色和适应现代舞台技术之间所做的取舍。作者在论述中穿插了一些老一辈戏曲服装设计师的访谈片段,这些一手资料极大地增强了说服力和可读性。我特别欣赏它对“符号学”的解读,比如在某些戏里,一个简单的颜色或配饰的增减,如何瞬间改变观众对角色的认知和情感投射。这本书的结构安排非常合理,从宏观的历史脉络,到微观的针法考究,再到具体剧目中的应用,层层递进,逻辑性极强,让你不得不佩服作者的功力。读完后,我对戏曲的理解不再停留在故事层面,而是深入到了“视觉语言”的层面。

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真好看,博大精深的艺术哇。可是书太贵买不动TOT

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只有图片,没有文字说明,前半部分是彩页,后半部分黑白。贵了。

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