玉轮轩曲论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中华书局

作者:王季思

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页数:299

译者:

出版时间:1980初版印

价格:1.10

装帧:平

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好的，这是一部关于中国古代音乐理论的著作的简介，它不包含您提到的《玉轮轩曲论》的内容。 书名：《泠泉雅韵：宋代词乐制度与审美变迁探析》 作者： 张鸿飞 出版社： 华夏文韵出版社 出版年份： 2024年 字数： 约60万字 定价： 188.00元 --- 内容简介： 《泠泉雅韵：宋代词乐制度与审美变迁探析》是一部深度聚焦于宋代（960年—1279年）音乐制度、词乐合奏实践及其背后审美思潮演变的学术专著。本书旨在通过对大量传世文献、出土乐器实物及相关图像资料的细致梳理与跨学科整合分析，重构宋代词乐在宫廷、士大夫阶层及民间社会中的复杂生态图景。 本书的研究立足于宋代词学与音乐学相辅相成的历史情境，探讨了宋代词体如何从晚唐五代的“艳科”走向成熟，并最终成为与燕乐体系紧密结合的典范。作者张鸿飞教授，作为国内知名的宋代乐律学专家，以其严谨的考据精神和开阔的史学视野，为读者描摹出一部兼具深度与广度的宋代音乐文化史。 全书共分为六个主要部分，层层递进，构建起一个完整的宋代词乐研究框架： 第一部分：宋代乐律体制的承袭与革新 本部分首先考察了宋代宫廷雅乐（如太常雅乐）的制度基础，并着重分析了燕乐（宴享之乐）在宋代的地位提升。作者详细论述了宋代对于唐代燕乐“慢曲”和“曲子”的继承与发展，特别是对“大曲”结构中“入破”与“慢曲”的精细划分与定型过程的考证。通过对《宋史·乐志》及相关朝廷礼仪文献的细读，本书揭示了宋代官方音乐制度在维护礼乐秩序与适应社会审美需求之间的微妙平衡。 第二部分：词牌与曲牌的互动关系研究 这是本书的核心论点之一。作者认为，宋词的成熟是建立在对既有“曲牌”的精确把握之上的。本书系统梳理了宋代流行的主要曲牌，如《望海潮》、《雨霖铃》、《寿阳引》等，并结合词谱文献（如《词谱》早期的记录）分析了特定词牌在格律、句读和配乐方式上的固定化趋势。不同于仅仅探讨词的文学性，本书强调词体本身的“音乐蓝本”——曲牌——对词人创作的制约与激发，探讨了词牌的地域性与流传性对词乐风格差异的影响。 第三部分：宋代文人词的合奏实践与“声”的构建 本书深入探讨了士大夫阶层如何在私人宴饮、园林雅集中使用词乐。通过分析苏轼、柳永、周邦彦等大家的作品，作者辨析了他们对传统燕乐声腔的改造和创新。例如，柳永的“凡俗之声”如何挑战了雅部规范，以及周邦彦“集曲之大成”的实践对后世词乐的影响。作者特别关注了词乐中的“合奏”现象，即人声、管乐（笛、箫、笙）与弹拨乐器（琵琶、筝）如何共同构建起宋人特有的听觉体验。 第四部分：词谱与抄本中的音乐符号解读 本章侧重于文献学和音乐符号学的交叉研究。作者对现存的稀疏的宋代词谱（如关于“换头”和“过腔”的记录）进行了深入的解读，试图还原这些符号所代表的实际唱法和配器法。书中引入了对敦煌、四川等地发现的早期乐谱的对比分析，以推测宋代词乐在“拟古”与“变新”之间的张力。虽然直接的宋代词乐谱极为罕见，但作者通过旁证和类比，力图构建一个相对可靠的宋代音乐“想象空间”。 第五部分：词乐与市民文化：瓦舍勾栏中的变异 宋代市民阶层的兴起为词乐的发展开辟了新的天地。本书详尽考察了瓦舍、勾栏等娱乐场所中词乐的世俗化和商业化过程。在这些场所，词作不再是文人的私语，而是被用于“说唱”或“杂剧”的组成部分。作者分析了如“唱赚”、“诸宫调”等新型声腔对传统词乐格律的冲击与融合，展现了词乐从雅致走向通俗的社会动力学。 第六部分：审美变迁：从“清”到“繁”的听觉转向 最后一部分总结了宋代词乐审美观念的整体演变。宋初的审美倾向于含蓄、清雅，偏爱婉约派的声调；而到了南宋，随着社会情绪的复杂化和音乐技巧的成熟，词乐展现出更为繁复、细腻甚至带有感伤色彩的特征。这种审美转向不仅体现在词作的主题上，更深刻地反映在对音乐节奏、旋律线条的偏好变化中。 学术价值与特色： 《泠泉雅韵》的显著特色在于其对“音乐性”的执着还原。它不仅将词视为诗歌的延伸，更将其置于具体的声学和制度环境中考察。本书对大量鲜为人知的史料进行了爬梳，特别是对反映民间乐工和乐器配置的记载进行了细致考证，为理解宋代文化的全貌提供了重要的音乐学视角。对于研究中国音乐史、宋代文化史以及词学史的学者和爱好者而言，本书是不可多得的严谨之作。其行文稳健，考证扎实，学术论述环环相扣，展现了深厚的功底。

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初读《玉轮轩曲论》，给我的感觉是它像一个技艺精湛的匠人精心打磨的艺术品，每一个章节的结构都如同榫卯般严丝合缝，逻辑推导清晰得令人佩服。这本书的行文风格是那种非常典雅、带着文人特有韵味的叙述方式，读起来有一种“慢工出细活”的享受。我尤其欣赏作者在阐述理论模型时所采用的类比手法，他似乎擅长将抽象的音乐理论与具体的舞台实践进行无缝对接，使得即便是初学者也能大致领会那些深奥的乐理概念。比如，书中对“科范”与“板式”之间张力关系的论述，简直是妙笔生花，一下子点亮了我对传统戏曲结构复杂性的理解。我注意到作者非常强调“意象”在曲词创作中的作用，认为脱离了特定情境的辞藻堆砌终究是空中楼阁。这种注重情境化、体验式解读的倾向，使得全书的论述不仅停留在“是什么”的层面，更能触及“为什么会这样”的深层原因。对于那些希望提升自身鉴赏水平的戏曲爱好者来说，这本书无疑提供了一个极佳的理论支架。我已经开始在脑海中构想，如何将书中的一些观点应用到我正在欣赏的某部冷门剧目的分析中去，那种感觉就像是突然拥有了一把能剖析复杂的工具。

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这本书给我最大的触动，是它打破了传统戏曲理论中那种僵硬的“流派划分”的窠臼。作者似乎非常警惕“标签化”对艺术研究的损害，转而在探讨不同艺术形式之间，尤其是在不同地域、不同历史时期音乐语汇的“渗透”与“重构”。书中有一段关于“板腔体”与“曲牌体”在清中叶以后相互借用和改造的讨论，分析得入木三分，揭示了当时民间艺术融合创新的强大生命力。阅读过程中，我常常会联想到现代的跨界合作，发现艺术的本质性发展规律在不同时代都是相通的。这本书的语言风格非常具有说服力，它不炫技，但句句都带着深思熟虑的重量，不像有些理论著作那样空洞地堆砌术语，而是将术语的使用都建立在坚实的文献依据之上。总而言之，这是一部能够引发深度思考的著作，它鼓励读者跳出既有的认知舒适区，去重新审视那些被我们视为理所当然的传统艺术现象。对于任何一位对中国传统声腔艺术抱有严肃探究之心的读者来说，这本书都算得上是一次不可多得的精神洗礼。

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我读这本书的时候，感觉自己仿佛是跟随一位博学的老师在古老的戏台边进行考察。它最吸引我的一点是，作者似乎并不急于给出一个宏大的、一统江湖的理论结论，而是更专注于对某一特定历史阶段或某一特定地域性声腔流派的微观剖析。比如，书中用了很大篇幅来对比徽班进京前后，其唱腔在节奏处理和韵白习惯上的微妙变化，这种庖丁解牛式的细致描摹，远比泛泛而谈“徽调的雄浑”要来得实在得多。书中对“板眼”的深入探讨，特别是对“散板”在不同表演情境下的功能界定，让我对戏曲的节奏控制有了全新的认识——原来看似随意的自由节奏背后，是严格的审美规范在支撑。这本书的行文节奏相对缓慢，更偏向于论述和考据的结合，对于追求快速阅读体验的读者来说，可能会感到有些枯燥，但对于真正沉浸其中的研究者而言，这种细致入微的梳理恰恰是其魅力所在。它教会我的，是如何带着敬畏之心去对待每一个历史留下的痕迹，如何在看似寻常的唱腔中，听出时代的叹息与文化的传承。

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这本《玉轮轩曲论》的书，说实话，入手的时候我是带着点好奇心的。我对古代戏曲理论研究一直抱有浓厚的兴趣，尤其是一些探讨乐律、腔调和表演美学的著作。这本书的装帧很有古风，纸张的质感也相当不错，拿在手里有一种沉甸甸的历史感。我翻阅了几页，发现作者在引言部分就展现出非常扎实的文献功底，对宋元南戏到明清传奇的发展脉络梳理得井井有条，让人对后续内容的深入探讨充满了期待。我特别留意了其中关于“曲牌”演变的部分，作者似乎试图构建一个新的理论框架来解释不同剧种在音乐形式上的继承与创新，这在现有的曲学研究中是比较少见的视角。书中对一些著名戏曲家的音乐思想的分析也相当细致，不仅仅停留在文本的罗列，而是结合当时的社会文化背景进行多维度解读。尽管我目前只看了前几章，但已经能感受到作者行文的严谨和思想的深刻。从阅读的初步体验来看，它似乎不是那种人云亦云的浅尝辄止之作，而是一部真正愿意沉下去、去挖掘传统艺术内核的学术力作。我打算接下来找一个周末，集中精力细细研读其中的核心章节，特别是关于“声腔融合”那几节，听说那才是全书的精华所在。

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坦率地说，这本书的阅读难度不低，它要求的不仅仅是阅读能力，更是一种对传统文化符号的敏锐捕捉力。《玉轮轩曲论》显然不是一本面向大众普及的读物，它更像是写给行家看的“秘籍”。作者在论证过程中大量引用了罕见的抄本、民间口述资料以及一些早期戏曲刊本的批注，这种考证的深度和广度令人叹服，但也意味着读者必须具备一定的古籍阅读基础。我记得有一章专门讨论了早期昆曲班社的组织结构和演出习惯，作者通过对档案材料的细致爬梳，还原了许多如今已失传的排练细节，这些细节对于理解早期戏曲的“活态”至关重要。这本书的语言风格非常凝练，有时甚至带着一种古籍特有的晦涩感，需要反复推敲才能完全领会其间的精妙之处。每一次读到作者提出一个颠覆性的观点时，我都会忍不住停下来，去翻阅手头相关的其他参考资料来交叉验证，这种“对抗式”的阅读过程虽然耗费精力，但收获的学术成就感也是巨大的。这本书的价值，在于它挑战了许多既定的、相对宽泛的理论认知，提供了一条更为精微、也更为坚实的治学路径。

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