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出版者:湖南人民

作者:梅映雪

出品人:

页数:92

译者:

出版时间:2009-8

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787543859425

丛书系列:

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• 建筑模型
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• 建筑模型制作

雕塑的几何：从泥土到永恒的形态探索 图书简介 本书旨在带领读者深入探索雕塑艺术的本源、技法与精神内核，超越对“模型制作”这一具体手艺的狭隘理解，将其置于更广阔的艺术史与哲学语境中进行审视。我们关注的，是人类如何通过对物质的掌控，将内在的想象转化为可感知的、具有空间存在感的实体——雕塑。 第一部分：物质的意志与形式的诞生 本部分聚焦于雕塑创作的物质基础及其与人类文明的深层关联。雕塑并非仅仅是复制或装饰，而是一种与大地、与材料进行对话的本体论实践。 第一章：原始的触感——材料的“性格”与人类的起源 泥土的记忆： 探讨陶土、黏土作为人类最早的塑形媒介，如何承载了早期社会对生命、繁衍和神性的原始崇拜。分析史前洞穴壁画中浮雕的雏形，以及早期文明（如美索不达米亚、印度河流域）中泥板和陶俑的象征意义。 石头的重量： 深入研究从采石、切割到打磨的全过程，阐释硬质材料（如大理石、花岗岩、玄武岩）如何要求创作者具备一种近乎建筑的结构思维。重点分析古埃及方尖碑的尺度感、古希腊神庙雕塑的“湿衣褶”技法对体积感的突破，以及米开朗基罗如何“释放”被困于石块中的形体。 木材的生命周期： 考察木材的干燥、收缩与抗性，以及木雕（尤其在非洲、大洋洲及中国传统宗教造像中）所体现的有机性与时间性。探讨木材的“温和”与“易逝”如何影响了作品的叙事倾向。 第二章：从平面到三维的认知革命 雕塑是对“存在”的重新定义。本章着重于理解立体空间对观众感知的操控。 视点与视差： 分析雕塑如何打破绘画的单点透视限制，强迫观众进行绕行和移动。研究古希腊雕塑从早期的“正面性”向古典时期的“多视角性”的演变，特别是《掷铁饼者》中动态平衡的捕捉。 负形（Negative Space）的构建： 强调空隙和被材料包围的“无”并非不存在，而是构成作品张力的重要部分。考察亨利·摩尔的穿孔结构以及芭芭拉·赫普沃斯的内部空间处理，如何使作品“呼吸”。 尺度与尺度感： 区分绝对尺度（客观尺寸）与相对尺度（与人体、环境的比例关系）。探讨纪念碑性雕塑（如自由女神像、罗丹的《地狱之门》）如何通过夸张或缩减尺度来影响公众的情感体验和权力关系。 第二部分：技艺的传承与创新的辩证 本部分将创作技法视为一种知识体系，研究其演变如何服务于艺术家的表达目的。 第三章：塑型与铸造的炼金术 泥塑（Modeling）的即时性： 深入解析泥土在湿润状态下的可塑性与记忆性。探讨如何使用骨架（Armature）来支撑复杂结构，以及如何通过手指、刮刀等工具实现肌理的细微变化，为后续的翻模做准备。 铸造（Casting）的永恒性： 详细阐述失蜡法（Lost-Wax Casting）的复杂流程，从模具的制作、蜡型的雕刻、浇筑层的涂覆，到最终的青铜浇注与后期修整。分析青铜这一媒介如何赋予作品耐久性和光泽感，以及其在工业化生产中的地位变化。 模具的逻辑： 探讨石膏、硅胶等辅助材料在复制和分件中的作用。分析模具制作中对“分型线”的控制，这本质上是对作品结构边界的精确界定。 第四章：结构、张力与平衡的物理学 雕塑是一门关于力学和重力的艺术。本章探讨形式背后的支撑逻辑。 内在支撑与外在平衡： 分析大型户外雕塑（如查理·德姆的抽象作品）中隐藏的钢筋、焊接点或内部支撑结构。探讨如何通过重心计算，使作品在视觉上保持稳定，同时在材料上实现轻盈感。 动态的静止： 研究如何使用扭转、倾斜或悬臂结构来暗示运动中的力量。这需要对材料的抗拉伸、抗压强度有深刻的理解，是“形似”之外的“神似”。 组合与拼装的现代性： 考察二十世纪后半叶兴起的组合雕塑（Assemblage）。分析杜尚、约翰·张伯伦等艺术家如何利用现成品（Readymades）和工业材料，通过焊接、铆接、捆绑等方式，创造出充满偶然性和批判性的新形态。 第三部分：雕塑的语境：从纪念碑到装置艺术 雕塑的意义与其所处的环境和时代背景密不可分。 第五章：纪念碑的衰落与公共艺术的转型 权力的投射： 分析传统纪念碑（Monument）在政治宣传和历史叙事中的功能。探讨其扁平化、程式化的造型语言如何服务于单一的意识形态。 反纪念碑的尝试： 考察后现代主义对宏大叙事的解构。研究如克里斯蒂安·波尔坦斯基等艺术家，如何使用脆弱、临时性的材料来重建或质疑集体记忆。 场所特定性（Site-Specificity）： 探讨雕塑不再是独立作品，而是与特定环境产生对话的艺术形式。分析理查德·塞拉的巨型钢板如何通过其重量和锈蚀来强调场地的地质学和历史感。 第六章：触觉的终结与观念的胜利 雕塑的概念边界在当代被极大地拓宽，不再局限于物质的实体。 身体与边界： 探讨行为艺术和身体雕塑，艺术家本身成为可被塑形的媒介。分析伊夫·克莱因的“人体拓印”与玛丽娜·阿布拉莫维奇的作品如何挑战“艺术品必须是永恒的”这一假设。 光线、时间与环境： 引入光雕塑（Light Sculpture）和动态雕塑（Kinetic Art）的概念。研究亚历山大·考尔德的动态装置如何通过空气的流动来不断改变其形态，使作品成为一个持续发生的过程而非固定的结果。 超越“制作”的思考： 总结雕塑艺术如何从一种高度依赖手工技艺的领域，演变为一种高度依赖概念和语境的实践。最终，创作的“制作”过程，无论多么精湛，都必须服务于艺术家试图传达的、关于存在、空间、时间或社会关系的深刻洞察。 结语：未完成的形态 雕塑艺术的魅力在于其永恒的物质性与不断演变的观念性之间的张力。本书提供的不是一套制作手册，而是一个思考框架，引导读者去阅读、去感知那些被赋予了形态与重量的思想。每一件雕塑都是一个关于如何在有限的物质世界中，去表达无限内在宇宙的尝试。

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这本书在叙事方式上，我感觉作者采取了一种非常接地气的方式，好像在娓娓道来一个经验丰富的老师傅在传授独门秘籍。它没有一开始就抛出艰深晦涩的理论，而是从最基础、最容易理解的部分入手。我印象最深刻的是作者在讲解材料选择的那一部分，他没有简单地列出各种材料的名称和特性，而是通过对比不同的材料在实际制作中的表现，以及它们对模型最终效果的影响，来引导读者去思考。比如，在讲到木材的质感时，他会对比使用不同种类的木材，以及它们在切割、打磨、上色后的不同效果，甚至还提到了不同季节的木材特性对模型稳定性的影响，这种细节真是让人拍案叫绝。还有在讲述接合技术的时候，作者不仅仅是介绍了各种胶水的类型，更重要的是讲解了不同材料之间如何选择最合适的接合方式，以及一些非常规的、但却异常有效的“土办法”，这些都是从大量的实践经验中总结出来的，对于新手来说，无疑是宝贵的财富。我甚至能感受到作者在文字中传递出的那种“试错”和“精进”的精神，他鼓励读者大胆尝试，同时也提醒大家要细心观察，不断总结，才能做出越来越好的模型。这种循序渐进、深入浅出的讲解方式，让我觉得学习过程本身也充满乐趣，而不是枯燥的理论灌输。

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这本书在讲解的深度和广度上，我觉得做得非常到位，尤其是对于一些高阶的制作技巧，简直是打开了我之前从未想过的思路。在介绍某些复杂结构的模型时，作者并没有回避其制作难度，而是详细地拆解了整个制作过程，并提出了多种可能的解决方案。我尤其被其中关于“结构性支撑”的讲解所吸引，他不仅仅是讲如何搭建稳固的骨架，还深入探讨了如何通过隐藏的结构来保证模型的整体稳定性和抗形变能力，甚至还提到了在模型内部预留空间以便后续进行灯光或者其他内部装置的安装。这让我意识到，一个好的模型不仅仅是外表的精美，更在于其内在的结构和设计的智慧。书中还穿插了一些关于模型缩放比例的讨论，以及如何根据不同的项目需求来选择合适的比例，并对比例失调可能带来的问题进行了警示，这对于我这种有时候会忽略细节的人来说，非常及时。另外，作者还花了不少篇辞来讨论如何处理模型的“细节”，比如门窗的缝隙、墙面的肌理、甚至是微小的绿化元素，他提供了很多巧妙的方法来模拟这些细节，让模型更具生命力。读完这部分，我感觉自己对“细节”的理解上升到了一个新的层次。

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这本书给我的感觉是，它不仅仅是一本“how-to”的手册，更是一本关于“why”的思考录。作者在分享制作技巧的同时，非常注重引导读者去理解“为什么”要这样做，以及“这样做”的背后逻辑和意义。比如，在讲解如何制作“光影效果”时，他没有仅仅教你如何用灯光来模拟，而是深入分析了不同时间、不同角度的光线对建筑形态的影响，以及如何通过模型来“讲述”这种光影变化的故事。他还会探讨模型在设计过程中的作用，不仅仅是最终的成果展示，更重要的是作为一种思考工具，帮助设计师梳理思路，发现问题，并找到解决方案。我尤其喜欢书中关于“模型的情感表达”的讨论，作者认为好的模型不仅仅是精确的复制，更应该能够传递出一种情感、一种氛围，能够引发观者的共鸣。他通过举例说明，是如何通过材质的选择、颜色的运用、甚至是模型的“不完美”之处，来塑造出一种独特的艺术感染力。读完这本书，我感觉自己对模型制作的理解，从单纯的技术操作，升华到了一种对设计语言的探索，以及对艺术表达的追求。这让我对未来的模型制作充满了新的期待和动力。

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我注意到这本书的整体架构非常清晰，章节之间的逻辑性很强，就像一条顺畅的河流，引导读者一步步深入。它不仅仅是简单地罗列技巧，而是将制作过程进行了系统性的梳理。我喜欢它从“概念构思”开始，引导读者思考模型的功能性、表现力以及如何与项目本身的设计理念相契合。然后，作者会逐步过渡到“图纸解读”和“材料准备”，强调了准确理解设计图纸的重要性，以及根据图纸来选择合适的材料，这部分的内容对于避免后期返工非常有帮助。再往后，就是关于“搭建”和“组装”的详细讲解，这里面包含了各种连接方式、支撑结构的设计，以及如何处理不同材质的衔接。我特别欣赏作者在讲解“比例感”和“空间感”处理时所采用的方法，他通过一些具体的案例，展示了如何通过模型的尺寸、造型和色彩搭配来有效地传达设计意图。最后，他还触及了“后期处理”和“模型展示”等内容，比如如何进行精细的打磨、喷漆，以及如何为模型搭建合适的展示背景，如何利用灯光来烘托模型的氛围。这种全流程的讲解，让整个模型制作过程变得条理分明，让我在开始制作之前，就能对整个流程有一个清晰的认识，少走很多弯路。

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这本书的装帧设计真是太令人惊艳了！封面用了哑光纸，触感温润，搭配上烫金的标题，低调奢华中透露出专业感。翻开书页，纸张的厚实度和韧性都恰到好处，印刷色彩饱满，图像清晰锐利，即使是复杂的细节也能看得一清二楚。我特别喜欢其中收录的案例研究，每一个项目都配有大量的实景照片和精美的渲染图，让我仿佛身临其境，能够直观地感受到不同材质、光影和空间的关系。那些模型照片的光线处理和构图都非常有讲究，每一张都像艺术品一样，让人忍不住反复欣赏。作者在选取案例时，似乎也考虑到了风格的多样性，既有现代简约的风格，也有古典庄重的设计，还有一些充满创意和实验性的作品，这让我能够从不同的角度获得灵感。尤其是一些细节的处理，比如坡道、窗户、甚至是微小的家具摆设，都表现得淋漓尽致，这对于提升模型整体的质感和真实感至关重要。我甚至能想象出作者在拍摄这些模型时的用心，每一个角度都经过了仔细斟酌，力求将模型的精髓完美呈现。总的来说，这本书在视觉呈现上就足以让人心动，这绝对是一本值得摆在书架上，随时翻阅的精品。

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达尔雅瓦别墅制作

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