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出版者:Prentice Hall

作者:Earl Henry

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-03-19

价格:GBP 42.80

装帧:Hardcover

isbn号码:9780130619044

丛书系列:

图书标签:

• 音乐基础
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乐理的基石：通往音乐世界的结构性指南 本书旨在为所有对音乐怀有好奇心，无论是初学者还是希望系统梳理现有知识的演奏者和爱好者，提供一个严谨、全面且易于理解的音乐理论入门框架。我们深知，要真正理解音乐的魅力和复杂性，必须掌握其背后的结构与逻辑。《乐理的基石》并非仅仅罗列枯燥的规则，而是致力于揭示这些规则是如何在历史长河中形成，并如何支撑起我们今天所听到的一切音乐。 本书的叙事结构经过精心设计，力求引导读者循序渐进，从最基础的元素稳步迈向复杂的概念。 第一部分：声音的物理与感知 在深入探讨音符和旋律之前，我们首先需要理解“声音”本身是什么。本部分将聚焦于音乐的物理基础及其与人类听觉感知的交汇点。 1. 声音的本质：频率、振幅与音色 我们将从声波的产生与传播开始，详细解释频率如何决定音高（Pitch），振幅如何影响响度（Loudness）。特别地，我们会用清晰的图示来解释泛音列（Harmonic Series）的结构，这是理解音程和音质（Timbre）的先决条件。通过对不同乐器发声方式的分析，读者将能体会到为什么小提琴和长笛演奏同一个音符听起来会有本质的区别——这完全归功于泛音结构的差异。 2. 听觉心理学入门 音乐理论并非纯粹的数学，它深深植根于人类的听觉经验。我们将探讨感知的相对性，例如对齐（Consonance）与不协和（Dissonance）的历史演变和文化差异。我们会介绍基于科学的听觉感知理论，解释大脑如何组织和解释接收到的声波信息，为后续讨论调式和和声的效用打下心理学基础。 第二部分：音高、组织与调性系统 一旦理解了声音的物理属性，下一步便是探索人类如何将这些连续的物理现象切割、组织成可识别的“音高”系统。 3. 音高的精确度量：半音与十二平均律 本章将详尽解析西方音乐赖以生存的十二平均律（Equal Temperament）系统。我们会追溯其历史起源，对比纯律（Just Intonation）的优势与局限，并解释为什么平均律最终胜出，成为现代键盘乐器和大多数西方音乐的基础。半音、全音的精确关系，以及八度的划分将被清晰阐述。 4. 构筑音乐的骨架：音阶（Scales）与调式（Modes） 我们将系统地介绍不同类型的音阶，从最基本的自然音阶（大调与小调）出发，深入探讨其音级排列结构。随后，我们将进入对七声音阶（Diatonic Scales）的深度探索，重点剖析古代教会调式（如多利亚、弗里吉亚等）的独特色彩。通过对比大小调的结构，读者将领悟到调性色彩的细微差别是如何赋予旋律以特定的情感基调。 5. 记谱法：视觉化的音乐语言 本部分会提供关于标准五线谱记谱法（Staff Notation）的详尽指南。从高音谱号、中音谱号到低音谱号的转换，到音符时值、休止符的精确表示，以及反复记号、速度标记等演奏指示的完整解读，确保读者能准确地“阅读”书面音乐。 第三部分：节奏、节拍与时间的组织 音乐不仅仅是音高，它更是时间的艺术。本部分将把焦点转向节奏的结构化处理。 6. 节拍的脉搏：拍号与小节的划分 我们将清晰界定拍号（Time Signature）的构成，区分强拍（Downbeat）与弱拍，并详细解释复合拍号（如6/8）与简单拍号（如4/4）在听感上的根本差异。重音的分布和预期的节奏模式是如何被节拍结构所预设的，这一点将通过大量实例进行说明。 7. 节奏的细分与组合 本章深入探讨时值的层级关系，从全音符到十六分音符，再到更复杂的附点音符和休止符。同时，我们将介绍切分音（Syncopation）——即故意将重音置于预期之外的拍子位置——如何为音乐注入活力和驱动力，这是爵士乐和许多现代音乐风格的关键要素。 第四部分：和声的逻辑与进行 和声是西方音乐的“语法”。本部分将构建一个逻辑严密的和声进行体系，从最简单的二度音程开始，直至复杂的七和弦。 8. 和弦的构建：三和弦的分析 本书将重点分析最基础的和弦单元：三和弦（Triads）。我们将系统地学习如何根据音级关系构建大三和弦、小三和弦、增三和弦和减三和弦，并理解它们各自的情感倾向。随后，我们将探讨在特定调性中，这些和弦是如何按照功能（主和弦Tonic、属和弦Dominant、下属和弦Subdominant）进行组织和分配的。 9. 和声的功能与导向性 理解和声的“功能”至关重要。我们将详细阐述导向性（Tendency）的概念，特别是属七和弦（Dominant Seventh Chord）如何通过其不协和性强烈地导向主和弦。此外，替代和弦、经过和弦以及功能性的转位（Inversions）将被引入，以展示和声连接的灵活性。 10. 调性的扩展与色彩变化 为了超越基础的大小调体系，本章将介绍增添色彩的复杂和弦，如九和弦、十一和弦和十三和弦。我们将讨论借用和弦（Borrowed Chords）和半音进行（Chromaticism）在拓展音乐情感范围中的作用，以及如何通过调性转换（Modulation）在作品中建立新的听觉中心。 第五部分：音乐形式与织体 最后，我们将把音高、节奏和和声这些碎片化的元素整合起来，观察它们是如何被组织成具有逻辑和美感的宏大结构。 11. 音乐的织体（Texture） 我们将区分单音音乐（Monophony）、主调音乐（Homophony，即旋律与伴奏）、复调音乐（Polyphony，如赋格）的结构特征。通过分析巴赫的作品作为复调典范，读者将学习如何追踪多条独立旋律线之间的互动与制衡。 12. 经典曲式结构 本部分将解剖和分析最常见的音乐形式，包括：二部曲式（Binary Form）、三部曲式（Ternary Form）、回旋曲式（Rondo Form）以及奏鸣曲快板曲式（Sonata-Allegro Form）的复杂内部结构。理解这些形式，如同获得了建筑蓝图，能帮助听众把握大型音乐作品的内在逻辑和高潮设置。 通过这样一套结构化、层层递进的学习路径，《乐理的基石》旨在培养读者不仅能“听到”音乐，更能“理解”音乐构造的能力，从而极大地深化他们对任何风格音乐的鉴赏水平。

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这本书的排版和装帧设计实在有些过于“复古”了，大段的文字块占据了大部分页面，偶尔穿插的图表也显得有些陈旧，缺乏现代印刷品的视觉冲击力。我尤其希望在讲解复调音乐的复杂结构时，能有更直观的、彩色的声部交织图示，而不是仅仅依赖于文字的描述和传统的五线谱标注。坦白讲，在阅读关于对位法的章节时，我的理解速度明显变慢了。它要求读者具备高度的抽象思维能力和极强的专注力，稍有走神，就可能跟不上作者的思路，感觉自己像是迷失在了一个由音符和规则构成的复杂迷宫里。尽管如此，一旦我强迫自己静下心来，逐字逐句地去推敲作者对“约束与自由”在音乐创作中辩证关系的阐述，那种豁然开朗的感觉又是其他任何轻松读物无法给予的。这本书的阅读体验是需要“沉浸”而非“浏览”的，它像是一场智力上的马拉松，而不是轻松的短跑。

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我个人最欣赏的是作者在谈论“音乐美学”这一部分时的克制与深刻。许多探讨音乐哲学的书籍往往会陷入过度主观的赞美，或者流于空泛的形容词堆砌。但《音乐基础》的作者却保持了一种冷静的、分析性的视角，他没有直接宣称哪种音乐是“高级”的，而是从结构、功能和文化接受度的角度去解构“美”是如何被建构起来的。比如，书中对“和谐”的定义，不再仅仅停留在物理频率的比例上，而是扩展到了社会和心理学的层面，探讨了特定文化背景下听众对不协和音的心理预期和释放机制。这种跨学科的视野，使得这本书的讨论境界大大提升。它让我开始重新审视自己过去对“好听”的简单判断，意识到音乐的复杂性远超我们日常感官的捕捉范围。这种引导读者进行更高层次思考的能力，是这本书最宝贵的地方，也让我对后续的学习充满了期待。

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这本书的难度曲线分布得非常不均匀，前三章关于音高和节奏的介绍，即便对音乐初学者也算是友好的入门引导，语言流畅且例子恰当。然而，一旦进入到和声学的深入章节，难度便如同垂直上升的悬崖峭壁，特别是涉及到转调的复杂规则和离调和弦的运用时，我感觉自己像是在试图理解一套全新的、不具备任何直观参照的符号系统。我不得不频繁地查阅网络资源来补充视觉化的辅助材料，以帮助理解书中那些精妙但又极度依赖文字描述的逻辑推演。因此，这本书更适合已经具备至少一年正规乐理学习背景的进阶学生，或者对音乐理论有强烈自学动机的音乐专业人士。对于我这种想随便了解一下音乐是如何构成的普通爱好者来说，它提供的内容深度是过剩的，很多精髓部分由于背景知识的缺失，只能囫囵吞枣地略过，留下一种“知其然，而不知其所以然”的遗憾感。

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这本《音乐基础》的封面设计得相当朴素，那种沉静的深蓝色调，配上简洁的白色衬线字体，给人的第一印象是严谨、学术，甚至有点让人望而生畏。我原本以为它会是一本晦涩难懂的乐理教科书，毕竟我对音乐理论的了解仅限于能哼唱几首流行曲调的程度。然而，翻开第一页，我立刻被作者娓娓道来的叙述方式所吸引。它没有急于抛出复杂的和弦构成或调式转换，而是从最基础的“声音是什么”开始，用一种近乎哲学思辨的口吻，探讨了音乐的本质。阅读过程中，我发现作者对音高、节奏、音色这些核心概念的阐释，充满了洞察力，仿佛将那些抽象的理论实体化了，让我这个门外汉也能窥见一丝堂奥。尤其是关于节奏部分，作者引入了一些关于时间感和人类生理学交织的讨论，这完全超出了我对传统音乐教材的预期。它更像是一次对听觉世界的深度漫游，而不是枯燥的公式堆砌。这本书的深度在于，它不仅告诉你“是什么”，更尝试告诉你“为什么是这样”，极大地激发了我对音乐背后逻辑结构的好奇心。

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说实话，我入手这本《音乐基础》是抱着“试试看”的心态，因为我身边的朋友都在推崇一些强调实践操作和即兴创作的现代音乐书籍。这本书给我的感觉则截然不同，它更像是老派的、注重系统性构建的学术经典。它的结构安排极为精妙，章节间的过渡犹如严丝合缝的齿轮，逻辑链条一环扣一环，几乎没有跳跃感。比如，它在介绍完基础的五线谱记谱法后，紧接着就深入探讨了不同历史时期记谱法的演变，这种将理论与历史背景相结合的处理手法，让知识点不再是孤立的符号。不过，对于初学者而言，书中引用的大量古典音乐范例可能会构成一定的阅读障碍，如果对巴赫或莫扎特的某段作品没有初步的听感积累，光靠文字描述来理解作者的论证，确实需要多花一番心思和时间去查阅和聆听。这本书的价值在于其体系的完整性，它为你打下了一个坚实到几乎无法撼动的知识地基，尽管这个过程可能略显漫长和考验耐心。

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