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出版者:Cambridge University Press

作者:Andrew Barker

出品人:

页数:328

译者:

出版时间:1984-07-19

价格:GBP 70.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780521235938

丛书系列:

图书标签:

• Greek music
• Ancient music
• Music history
• Classical music
• Musicology
• Ancient Greece
• Musical treatises
• Plato
• Aristotle
• Pythagoras

音乐的形态与历史：探寻西方音乐思想的根源 《音乐的形态与历史：探寻西方音乐思想的根源》 是一部深刻而详尽的著作，旨在梳理和分析西方音乐理论与实践自古典时代至近现代的发展脉络，重点关注那些定义了音乐本质、结构与美学观念的核心文本和思想流派。本书并非仅仅是对音乐史事件的简单罗列，而是深入剖析了音乐观念如何随着哲学、社会结构和技术进步而演变的过程。 本书的结构围绕几个关键的理论支柱展开，首先追溯了古希腊的音乐哲学基础，但侧重于对柏拉图、亚里士多德在《理想国》和《形而上学》中关于音高和谐、宇宙秩序（Musica Universalis）的论述的细致解读，而非仅仅提及毕达哥拉斯的音程发现。我们探讨了“摹仿论”（Mimesis）在早期美学中的地位，以及音乐如何被视为心灵的道德塑造工具，而非纯粹的感官愉悦。 进入中世纪，本书跳过了对格里高利圣咏的表面描述，转而聚焦于对记谱法、音高理论的早期文本，例如博厄修斯的《音乐要素》（De institutione musica）在传承古典思想中的关键作用，以及早期教会音乐学家如何试图在神学框架内固定旋律的规范。我们详细考察了“四音调系统”（Authentic and Plagal Modes）的理论构建过程，揭示了这些理论在实际音乐实践中如何被灵活运用和挑战。 文艺复兴时期是西方音乐理论经历重大转折的时代。本书详细审视了人本主义对音乐理论的影响，特别关注了对“比例”（Ratio）概念的重新诠释。重点分析了诸如福吉安诺（Fugiano）和赞诺维奥（Zanovi）等音乐家和理论家，他们如何试图将数学化的和谐理论与日益复杂的复调织体相结合，并探讨了“和声”（Harmony）这一术语的意义是如何从单纯的音高组合转向包含情感表达的复杂概念。对“新艺术”（Ars Nova）中节奏复杂性的理论辩护，占据了相当篇幅。 巴洛克时代是本书内容最为丰富的章节之一。我们没有将重点放在对巴赫或亨德尔作品的分析上，而是深入研究了“调性”系统的理论化过程。本书详尽考察了十七世纪早期，从弗雷斯科巴尔迪（Frescobaldi）到拉莫（Rameau）的过渡时期，如何建立起以功能和弦（Tonic-Dominant-Subdominant）为核心的等级结构理论。拉莫的《和声论》（Traité de l'Harmonie）被视为一个关键的理论断点，我们分析了他如何试图用单三和弦（Triad）的倍音序列来“科学地”论证调性的合理性，以及这一理论如何影响了后世的和声教学和作曲实践。此外，歌剧兴起背景下，对“旋律与伴奏”（Basso Continuo）的理论阐释，以及对“激情说”（Doctrine of the Affections）的文本基础进行了深入挖掘。 进入古典主义时期，本书探讨了音乐形式的理性化和结构化。我们审视了对奏鸣曲式（Sonata Form）的理论归纳过程，这并非是单方面的创作，而是理论家们对海顿和莫扎特作品进行总结和规范的结果。重点分析了对“清晰性”（Clarity）和“平衡”（Balance）美学原则的理论支撑，以及这些原则如何影响了配器和曲式的发展。 浪漫主义的探讨则着眼于个体情感的表达与理论的冲突。随着音乐的“主观化”，传统严格的和声语法开始受到挑战。本书分析了李斯特、瓦格纳等作曲家在实践中如何推展了和声的界限，以及理论界对此产生的反作用，例如对“不协和音”（Dissonance）处理方式的讨论。我们特别关注了十九世纪末，德国对音乐“表现力”（Ausdruck）的哲学争论，以及尼采在早期美学思想中对酒神与阿波罗精神在音乐中体现的探讨。 最后，本书以二十世纪初音乐语言的瓦解与重构收尾。我们详述了调性体系崩溃的理论背景，包括申伯格（Schoenberg）在十二音体系建立前对传统调性理论的深刻反思，以及对早期无调性实践的理论辩护。重点分析了音乐学（Musicology）作为一门学科的兴起，如何试图用更科学、更历史化的方法来系统地研究音乐，从而取代了以往基于美学评判的理论模式。 贯穿全书的线索是：音乐理论的演变是人类对自身听觉经验、宇宙秩序观念和社会结构变迁的持续回应。 本书力求提供一个复杂而有机的框架，展示西方音乐思想如何在实践与理论的张力中不断自我更新。它要求读者具备一定的音乐基础知识，但其核心价值在于提供深厚的理论洞察力，而非简单的史料堆砌。

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这本书的价值，我发现更多地体现在其提供的辅助材料上，而非核心文本本身。我之所以这样说，是因为核心文本那古奥的学术语言和跨越世纪的典故引用，对于非专业人士来说简直是难以逾越的高墙。我尝试去理解作者是如何论证古代“摩诺迪”（Monody）与后期复调音乐之间的潜在联系的，但每次深入阅读到关键论点时，就会被要求参考附录中那个长达五十页的关于小亚细亚古代祭祀仪式的文献综述。这种“链式阅读”的结构，虽然保证了论证的严谨性，却极大地损害了阅读的流畅性。我最欣赏的是其中关于“音乐的数学基础”那几章，作者没有止步于毕达哥拉斯的比例游戏，而是深入探讨了这种比例关系如何被实际应用于建筑声学，比如古代剧场的选址和回音控制。如果这本书能附带一些现代的声学模拟图表来佐证其观点，而不是仅仅依赖于古老的文字描述，那其说服力将会大大增强。

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这本书的封面设计得相当吸引人，那种泛黄的纸张质感和古朴的字体排版，立刻把我带入了一种对古代文明的敬畏之中。我一开始是冲着它标题里暗示的那些晦涩难懂的理论符号去的，期待能从中挖掘出一些失落已久的音乐智慧。然而，翻开正文后，我发现内容远比我想象的要“实在”得多。它并非一本纯粹的乐理教科书，倒更像是一部详尽的田野调查报告集合，记录了从爱琴海诸岛到伯罗奔尼撒半岛上那些几乎被遗忘的民间歌谣的收集、整理和初步的语源分析。特别是关于“狄俄尼索斯崇拜”背景下，那些即兴吟唱结构的研究，分析得极为透彻，光是脚注部分就几乎可以独立成册了。作者对史料的考据达到了偏执的程度，引用的文献横跨了哲学、宗教史和诗歌，这使得阅读体验像是在走一条没有地图的迷宫，每一步都充满惊喜，但也偶尔让人感到疲惫。整体来说，它为研究古代地中海地区的声学实践提供了一个坚实的基础，但对于只想快速了解“古希腊人到底怎么写音符”的普通爱好者来说，可能需要极大的耐心和背景知识储备。

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坦白讲，这本书的学术价值毋庸置疑，但阅读体验却是一场严峻的考验。我从图书馆借来的这个版本，装帧虽然经典，但字体排版过于紧凑，行间距仿佛被压缩到了极限，这使得长篇大段的论述在视觉上造成了巨大的压迫感。我原以为会读到对古代悲剧中合唱部分音乐结构的重建尝试，毕竟这是该领域的热点。然而，作者似乎对“重建”这件事本身持有一种近乎批判的态度，全书都在强调所有现代重建工作的局限性和误导性。他花了大量篇幅去分析那些残存的碑文片段，试图证明我们对“曲调”的理解可能完全建立在错误的预设之上。这种颠覆性的观点很有趣，但它使得全书充满了大量的“但是”、“或许”、“除非”等转折语，构建起一个极其谨慎、缺乏明确结论的论证体系。我感觉自己像个侦探，跟着作者在古代的废墟中摸索，不断地被告知“证据不足，结论无效”，虽然这很诚实，却让渴望得到明确答案的读者感到非常沮丧。

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这本书的装帧质量实在是令人印象深刻，硬壳封面，内页纸张厚实，即便是这样一本高度学术性的著作，也显得分量十足。我最初购买的动机，是希望它能系统梳理出柏拉图和亚里士多德在《理想国》和《形而上学》中零星提及的音乐伦理学思想。我花了整整一个下午的时间，试图在其中找到一个明确的章节来专门讨论“和谐”（Harmonia）这一概念在古希腊思想体系中的地位演变。遗憾的是，这种期望落空了。这本书的重点似乎完全偏离了宏大的哲学思辨，而是聚焦于那些具体到不能再具体的乐器构造细节，比如羊皮卷轴上描绘的不同调音孔的精确尺寸，以及特定铜管乐器的合金配比是如何影响其共振频率的。书中插图的精度极高，那些机械蓝图般的描绘，让我对古希腊工匠的精细操作有了全新的认识。尽管哲学深度有所欠缺，但作为一本技术手册来看，它无疑是开创性的。阅读过程中，我不得不频繁对照附录中的希腊词汇表，才能勉强跟上作者对“调律系统”的复杂论述，这无疑极大地拖慢了我的阅读速度。

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我花了很长时间才读完这本书，最大的感受是它彻底改变了我对“古希腊音乐”这个概念的认知边界。我原以为它会关注那些著名的音乐家，比如萨福或阿里翁的故事，或者他们留下的旋律片段。但这本书完全没有涉猎这些“名家名篇”。它反而是深入到那些极其冷门、近乎于社会学田野调查的层面，比如记录了在特定宗教节日中，乐器演奏的重复频率是如何被用作一种群体催眠或强化集体认同的社会工具。书中对“噪音”的界定和分析尤其引人注目，作者花了巨大篇幅讨论在古希腊语境下，什么声音被视为“有组织的音乐”，而什么则被划归为“混乱的干扰”。这种视角非常新颖，它迫使读者跳出将古希腊音乐视为纯粹美学对象的框定，转而将其视为一种功能性的社会技术。虽然阅读过程需要不断地在不同历史时期和地理区域之间切换思维，稍有不慎就会迷失方向，但最终的收获是建立在一个远比传统音乐史教材要立体得多、也复杂得多的古代声音世界观之上的。

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