具体描述
《中国绘画美学范畴体系》不仅从中国绘画的特质和社会功能、审美标准、创作法则三方面对中国绘画美学中的诸多概念进行了梳理，而且融合了作者在中国绘画和美学研究中的理论成果和实践经验，在对风格和概念的理论化辨析中，展开了中国绘画美学思想形成和发展的过程，在学界一直享有很高声誉。
作者简介
葛路，1926年生，原名葛光植，北京大学哲学系教授。2005年被中国美术家协会表彰为“卓有成就的美术史论家”。主要研究领域为中国美学史及中国书画美学。出版专著有《中国画论史》（原名《中国古代绘画理论发展史》）、《中国绘画美学范畴体系》。与克地合著《中国艺术神韵》、《神游丹青》，并担任《中国美术通史》（8卷本）副主编。
目录信息
小引
第一章 中国绘画的特质和社会功能
第一节 气、象、书画同体
第二节 形、画、绘、诗书画印、道
第三节 知神奸、明戒鉴、畅神、益寿、自娱、
写心
第二章 中国绘画的审美标准
第一节 美
第二节 和
第三节 气韵与气
第四节 情趣（韵味）
第五节 意境
第六节 新意
第七节 画体（风格）
第三章 中国绘画的创作法则
第一节 养气、生知、胸次、人品、解衣盘礴、虚静、兴
第二节 师造化
第三节 形、神、骨、肉
第四节 不似之似
第五节 立意
第六节 经营位置
第七节 笔、墨、色
第八节 理
新版跋语
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读后感
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用户评价
这本书的到来，无疑是为我打开了一扇通往中国古典艺术殿堂的神秘之门。我曾对中国画的美学范畴有过模糊的认识，但总是觉得隔着一层纱，无法真正领会其精髓。直到我捧读此书，作者以其渊博的学识和深厚的艺术修养，将那些零散的、看似难以捉摸的美学概念，一一梳理清晰，并构建成了一个完整而富有逻辑的体系。我尤其喜欢作者在阐述“神似”时所使用的比喻，他将画家比作一位经验丰富的医生，通过观察病人的气色、神态，就能诊断出其内在的病症，而优秀的画家，同样能够通过对物象细微之处的捕捉，展现其内在的精神气质。这种“由表及里”的艺术手法，在中国画中得到了极致的体现。书中对“留白”的处理，更是让我叹为观止。作者指出，留白并非是“空无”，而是“有”，是创作者预留给观者想象的空间，是画面的呼吸，是意境的延伸。他通过对宋代山水画中“云山”的处理，生动地展示了留白如何营造出那种高远、深邃、渺远的意境，让观者仿佛置身其中，与天地对话。这种“虚实相生”的哲学思想，在中国绘画中得到了完美的诠释。读到关于“笔墨”的部分，我仿佛看到了古代画家们在宣纸上挥洒自如的身影，每一笔，每一墨，都蕴含着情感与力量，都遵循着特定的法度，却又如此自由洒脱。作者详细剖析了“勾、皴、点、染”等技法，并将其与美学范畴相联系，让我明白了，那些看似简单的笔墨，背后蕴含着多么丰富的意义。这本书不仅让我学习到了艺术知识，更让我体验到了一种中国式的审美情趣，一种含蓄、内敛、注重精神层面的东方智慧。
评分这本书的封面设计就足够吸引人了，深邃的墨色背景，点缀着几笔淡雅的写意留白，仿佛一幅未完成的中国山水画，让人瞬间感受到一种宁静而悠远的东方韵味。当我翻开第一页，扑面而来的不是枯燥的理论，而是娓娓道来的叙事，作者仿佛一位饱经沧桑的智者，用充满诗意的语言，带领我们穿越历史的长河，去探寻中国绘画背后那深邃而迷人的美学思想。从“气韵生动”的生命力，到“骨法用笔”的精炼，再到“应物象形”的写实与传神，每一个范畴都被剥离开来，又被有机地联系在一起，构成了一个完整而庞大的体系。我尤其对其中关于“意境”的阐述印象深刻，那不是简单的画面构图，而是作者在描绘自然万物时，融入了作者的情感、哲思，甚至是人生感悟，达到了一种“天人合一”的境界。读到此处，我仿佛置身于泼墨山水中，呼吸着湿润的空气，感受着水墨的流动，甚至能听到风吹过竹林的沙沙声，这种沉浸式的阅读体验，是其他任何一本关于艺术的书都无法给予的。作者在论述过程中，大量引用了历代绘画大师的经典作品，并对其进行深入浅出的解读，让我对这些耳熟能详的画作有了全新的认识。例如，在讲解“传移模写”时，作者并没有简单地罗列技法，而是通过对顾恺之《洛神赋图》的细致分析，揭示了画家如何通过借鉴前人的经验，又在此基础上进行创新，最终形成自己独特的风格。这种学以致用的方式，让抽象的美学理论变得触手可及，也让我在欣赏古代绘画时，多了一双洞察其内在精神的慧眼。这本书不仅仅是一本艺术鉴赏的书，更是一本关于如何理解和感受中国文化的书，它教会我用一种更深沉、更内敛的方式去品味生活的美，去体悟生命的力量。
评分这本书以其独特的视角和深入的分析，为我重构了对中国绘画美学范畴的理解。作者的写作风格严谨而不失灵动，他将那些抽象的美学概念，通过生动的语言和丰富的实例，变得清晰易懂。我特别赞赏书中对“笔墨”的讲解，作者并没有将笔墨仅仅视为一种技法，而是将其上升到中国画的精神象征的高度。他详细剖析了“勾、皴、点、染”等基本笔法，并将其与中国哲学中的“刚柔并济”、“阴阳相生”等观念联系起来，展现了笔墨在中国画中蕴含的深刻哲理。他指出，每一笔，每一墨，都蕴含着画家的情感、力量和意图，它们共同构成了画面的骨骼与灵魂。例如，他对“飞白”的运用进行了细致的阐述，指出这种笔法能够传达出一种苍劲、古朴的美感，仿佛经历了岁月的洗礼，充满了力量感。在讲解“色彩”时，作者同样有着独到的见解。他认为，中国画的色彩运用，讲究“随类赋彩”和“以色助墨”，即色彩的选择要符合物象本身的特点，同时又要更好地衬托和增强水墨的表现力。他通过对一些古代设色画的分析，展现了色彩在中国画中如何营造出丰富的层次感和意境，既不失典雅，又富有生命力。这本书的阅读体验，如同一场与中国传统艺术的深度对话，让我对中国绘画的美学体系有了前所未有的深刻认识。
评分初识此书，是被其略显朴素却极具东方韵味的封面设计所吸引。翻开书页，作者的文字便如涓涓细流，将我带入中国绘画那博大精深的美学世界。书中关于“意境”的论述，对我触动尤深。作者并非将意境视为一种抽象的概念，而是通过大量的经典画作和文学作品，将其具象化。他用“有声之诗”和“无声之画”的对比，阐述了意境在中国绘画中的核心地位，它是一种“言有尽而意无穷”的艺术境界，是画家情感、哲思与自然景物的高度融合。我常常在阅读时，仿佛能听到画面中流水潺潺的声音，感受到山间清风拂面的气息，甚至能体会到画中人物内心的情感波动。作者对“神似”的解读也让我耳目一新。他认为，神似是中国画追求的最高境界，是画家超越形似，捕捉物象内在生命力的能力。他引用了“画龙点睛”的典故，生动地说明了“神似”的重要性。通过对历代大师作品的细致分析，我明白了，真正的艺术，并非是对现实的简单复制，而是对生命本质的深刻洞察与表达。这本书不仅让我学习到了中国绘画的美学范畴，更让我学会了如何以一种更深入、更内敛的方式去欣赏艺术，去理解生活。
评分这本《中国绘画美学范畴体系》如同一部精美的百科全书，为我打开了理解中国传统绘画的大门。作者的叙述方式非常独特，他将复杂的理论，拆解成一个个易于理解的范畴，并赋予它们鲜活的生命。我尤其对“设色”这一章印象深刻，作者并非简单地介绍色彩的搭配，而是深入探讨了中国画中“墨分五色”的精妙之处，以及色彩如何与水墨相互作用，共同营造出丰富的层次感和意境。他指出，中国画的设色，讲究“随类赋彩”，即根据物象本身的特点来施加色彩，而非凭空臆造。同时，又强调“以色助墨”，即色彩是为了更好地衬托和增强水墨的表现力，而不是喧宾夺主。这种“有度”的色彩运用，使得中国画的色彩既鲜明而不失典雅，既丰富而不显杂乱。在论述“笔墨”时，作者更是将书法与绘画的联系展现得淋漓尽致。他强调，“笔”是中国画的骨骼，“墨”是中国画的血肉。通过对不同笔法的剖析，如“折、顿、撇、捺”，以及不同墨法的运用，如“浓、淡、干、湿”，作者展现了笔墨在中国画中强大的造型能力和表现力。他用生动的语言描述了“墨韵”，那种墨色在宣纸上晕染开来的微妙变化，仿佛能听到水墨的低语，感受到笔墨的呼吸。这本书让我对中国画的技法有了更深的理解，也让我对那些精美的画作背后的匠心独运有了更深的敬意。
评分拿到这本书的第一刻，我就被它沉静而内敛的气质所吸引。作者没有采用花哨的包装，也没有夸张的宣传语，只是一本诚恳的书，一本关于中国绘画美学体系的书。阅读的过程，就像与一位老朋友进行一次深入的交流，他用朴实而真挚的语言，向我讲述那些关于美的故事。我尤其欣赏书中对“格调”的阐释，作者认为，格调是中国画的灵魂，是画家品格、学养、性情的高度统一。一个优秀的画家，不仅仅要拥有精湛的技艺，更要具备高尚的品格和深厚的文化底蕴，才能在作品中体现出独特的格调。他通过对明清时期绘画作品的比较分析，生动地揭示了不同时代、不同画家的格调差异，让我看到了中国绘画的演变与发展，也看到了不同艺术家的人格魅力。在讲解“气韵”时，作者并没有仅仅停留在“画得像不像”的层面，而是深入到“如何让画面‘活’起来”的问题。他提出了“动静结合”、“虚实相生”等原则，并辅以大量的实例，让我明白，所谓的“气韵”，就是一种生命力，一种动态的美，一种流淌在笔墨之间的灵魂。读到这里，我仿佛看到了那些被赋予生命的画作，它们在无声地诉说着故事，在传递着情感，在与观者进行着心灵的沟通。这本书让我明白了，中国绘画的美，不仅仅是视觉上的享受，更是心灵上的触动，是一种能够引发共鸣、启迪智慧的美。
评分读这本书的过程，如同走进一座古老而精美的园林，每一步都有新的发现，每一次驻足都能领略到别样的风光。作者的笔触细腻而洒脱，在勾勒中国绘画美学范畴时，没有使用生硬的学术术语，而是用一种非常生活化的语言，将那些看似遥远而高深的理论，变得鲜活而富有感染力。我特别欣赏书中对“黑白灰”的运用，这不仅是对中国水墨画色彩的解读，更是对人生智慧的隐喻。黑色代表沉静与力量，白色象征纯粹与空灵，而灰色则是两者之间的微妙过渡，代表着包容与中庸。作者将这种色彩的哲学融汇于绘画的各个范畴中，让我深刻体会到，中国绘画不仅仅是对形体的描摹，更是对内在精神的升华，是对人生哲理的探索。在探讨“气韵”时，作者并没有止步于“精神”的层面，而是深入到“气”的流转，“韵”的形成，以及它们如何通过笔墨的运动在画面中得以体现。他引用了许多文人的诗句和散文，将文学与绘画紧密结合，展现了中国艺术“诗画同源”的独特魅力。我常常在阅读时，脑海中会浮现出一幅幅经典的中国画，配合着作者的解读，那些画作仿佛活了起来，人物有了呼吸，山水有了生命，花鸟有了灵性。这种身临其境的感受，让我对中国绘画的美学有了更深层次的理解。书中对“写意”的阐述也让我茅塞顿开，它并非简单的“写”，也不是纯粹的“意”，而是“写”中有“意”，“意”中含“写”，是一种高度概括和提炼，将大千世界的万象，浓缩于寥寥几笔之中。读到这里，我才真正理解了“少即是多”的艺术法则，以及中国画所追求的“不着一字，尽得风流”的意境。这本书的价值，远不止于艺术理论的知识普及，更在于它能够启迪读者的心灵，让我们在快节奏的现代生活中，重新找到一种宁静致远的心境，去感受生活中的点滴美好。
评分翻开这本书，如同推开了一扇通往中国艺术宝库的大门，作者以其渊博的学识和细腻的笔触，为我们描绘了中国绘画美学范畴的宏伟蓝图。我尤为钟情于书中对“写意”的阐述，它并非简单的“写”或“意”，而是“写”中有“意”，“意”中含“写”的辩证统一。作者通过对历代写意画大师的作品进行深入剖析，揭示了写意画如何通过高度概括和提炼，捕捉物象的本质神韵，而非拘泥于形似。他指出，写意画的精髓在于“以少胜多”，寥寥几笔，却能传达出无限的意趣和生命力。他以齐白石的花鸟画为例，生动地展现了如何用极其简练的笔墨，画出虾的灵动，蟹的横行，荷花的娇艳，这些作品，看似随意，实则蕴含着深厚的功力与对自然的深刻体悟。在探讨“气韵”时，作者更是将中国画提升到一种精神境界。他认为，气韵是中国画的灵魂，是画家生命力、情感与哲学思想的体现。他通过对唐宋时期绘画作品的分析，展现了画家如何将自身的精神气质融入到笔墨之中，从而创造出具有强大感染力的艺术作品。读到此处，我仿佛看到了那些古老的画作，它们不仅是纸上的图像，更是画家生命的一次次重现，一次次与观者的心灵对话。
评分这本书的厚重感，不仅仅体现在纸张的质感上，更体现在其内容所承载的深厚文化底蕴。作者如同一位技艺精湛的工匠，用他敏锐的洞察力和深刻的理解力，为我们雕琢出了一个清晰而完善的中国绘画美学范畴体系。我曾对“境”与“道”在中国画中的关系感到困惑，而这本书的解读，如同一盏明灯，指引我穿越迷雾。作者认为，“境”是中国画的外在表现，是画家对自然万物的观察与描绘，而“道”则是中国画的内在精神，是画家的人生哲学与生命感悟。这两者相互依存，相互渗透，共同构成了中国画的独特魅力。他通过对元代山水画的分析，展现了画家如何将个人的情感与对宇宙人生的思考，融入到笔墨之中，从而创造出超越形迹、直达心灵的艺术境界。我特别喜欢书中关于“笔致”的论述，作者将其与书法紧密联系，指出中国画的笔墨，本身就具有强大的表现力和情感张力。他详细介绍了各种笔法的特点，以及它们如何影响画面的意境和精神。例如，“飞白”的笔法，能够传达出一种苍劲、古朴的质感，而“渴笔”则能营造出一种枯涩、遒劲的韵味。读到此处，我才明白，原来中国画的笔墨，不仅仅是技巧，更是画家情感的抒发，是生命力的写照。这本书的语言风格也非常独特，既有学术的严谨，又不失文学的优雅，读起来毫不费力，却又引人深思。它让我对中国绘画有了更宏观的认识，也对具体的作品有了更深入的理解。
评分这本书的版式设计相当考究，留白恰到好处，文字疏朗有致，读来令人心旷神怡。作者在梳理中国绘画美学范畴时，逻辑清晰，层层递进，仿佛在带领我们进行一次精妙的思维漫步。我特别喜欢书中关于“虚实”的论述。作者指出，虚与实是中国画中不可分割的两个重要元素，它们相互依存，相互映衬，共同营造出画面的空间感和意境。他详细阐释了“实”的描绘，即对物象的造型和色彩的运用，以及“虚”的留白，即画面中的空白区域所蕴含的意义。他认为，留白并非空洞，而是画家有意为之，它能够引导观者的视线，拓展画面的意境，激发观者的想象。通过对许多山水画的实例分析，我看到了留白如何在营造高远、深邃、辽阔的意境中发挥着至关重要的作用。在谈及“笔墨”时，作者更是将其提升到哲学的高度。他认为，笔墨是中国绘画的魂魄，是画家情感与思想的载体。他详细介绍了各种笔法的特点，如“侧锋”、“逆锋”，以及墨法的变化，如“焦墨”、“涨墨”，并将其与中国传统哲学中的“道”相联系，展现了笔墨在中国画中蕴含的生命力和精神力量。读罢此书，我对中国绘画的美学体系有了更系统、更深刻的认识，也对中国传统文化的博大精深有了更深的敬畏。
评分值得反复研读
评分黄宾虹云：“画有三，一是绝似物象者，此欺世盗名之画；二是绝不似物象者，往往托名写意，亦欺世盗名之画；三是惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画。作画当以不似之似为真似。” 齐白石云：“妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世。作画要形神兼备,不能太像,太像则匠气,不像则妄。”德勒兹那里，培根的绘画在抽象表现主义/无具形艺术（深渊或混沌扩大到极致，图形表扩展到整个画面，手处于绝对支配地位，感觉虽有却混淆一团，缺少对图形表的严格控制）与抽象艺术（视觉性，视觉编码系统取代了图形表，形象化，眼，智性的大脑性的，缺乏感觉，缺乏坠落的实质性内容，缺乏对神经系统的直接性刺激）之外找到了第三条道路（具有触摸能力的视觉，图形表既没有被简化为编码状态，同时又不占据整幅画作，艺术家经历了混沌与灾变同时又限定这一体验）。
评分前后内容有所重复；语言不够精炼优美。
评分有的观点还可以，但是逻辑的严谨性少了点，不太能成体系
评分有的观点还可以，但是逻辑的严谨性少了点，不太能成体系
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