中国古典小说六大名著 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:线装书局

作者:吴承恩

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2014-3-1

价格:CNY 4900.00

装帧:精装

isbn号码:9787512008571

丛书系列:

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• （线装）
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《中华戏曲瑰宝：从唐传奇到昆曲的流变》 书籍简介 《中华戏曲瑰宝：从唐传奇到昆曲的流变》并非一部专注于叙述章回体长篇小说历史的著作，它将目光投向了与小说并行不悖、同样承载着中华民族深厚文化底蕴的另一艺术门类——戏曲。本书旨在系统梳理中国戏曲自萌芽期至成熟期的漫长发展脉络，深入剖析不同历史阶段的剧种特色、艺术成就及其背后的社会文化意涵。 本书的叙事主线将紧密围绕“文学性”与“舞台性”的交织展开，探讨文学叙事如何被转化为舞台表演的生动场景，以及戏曲艺术在不同历史时期所展现出的独特审美风貌。我们不会触及《三国演义》、《水浒传》、《西游记》、《红楼梦》等古典章回小说的具体情节或文学评价，而是聚焦于那些在舞台上焕发生命力的剧本和表演形式。 第一部分：萌芽与雏形——文学的舞台化倾向 本部分将追溯中国舞台艺术的源头，重点考察魏晋南北朝至唐代的早期形态。 唐传奇的叙事遗产： 唐传奇以其精炼的笔法和丰富的情节，为后世的叙事艺术奠定了基础。我们将分析唐传奇中那些具有戏剧冲突和人物典型性的篇章，探讨它们是如何在民间说唱和“参军戏”中被初步改编和表演的。重点关注如白居易《长恨歌》的歌舞剧雏形，探讨叙事诗向舞台剧转化的早期探索。 唐代乐舞与“参军戏”： “参军戏”被视为中国戏曲的滥觞。本章将详细考证其结构——正末、副净（参军）、和场人（滑稽角色）的设置，分析其主要功能是讽刺和娱乐，以及它对后世角色行当设置的潜在影响。通过对敦煌壁画和史料记载的梳理，重构这些早期民间表演的场景与风貌。 第二部分：宋元戏曲的勃兴与成熟 宋代是中国戏曲艺术实现质的飞跃的关键时期，标志着成熟的戏曲形式——杂剧的诞生。 宋代“瓦舍勾栏”的繁荣： 详细描绘宋代城市中瓦舍、勾栏等专业演出场所的生态。这一时期，“诸宫调”和“鼓子词”等说唱形式的成熟，为元杂剧的唱腔结构提供了音乐基础。本书将剖析宋杂剧的篇目结构（如《潘楼踏道据话本》等现存残本），探究其对民间故事的取材倾向。 元杂剧的巅峰： 元杂剧是中国戏曲史上的第一个高峰。本部分将重点分析“一折一曲”的结构特点，以及关目、宾白、科范的规范化。我们不会讨论任何长篇小说中的人物，而是聚焦于元杂剧独有的剧作家群体及其代表作： 关汉卿的批判精神： 分析其剧作如何通过高度凝练的舞台语言，表达对社会不公的愤慨，例如对官僚腐败的讽刺，而非对宏大历史叙事的重述。 白朴与马致远的唯美意境： 探讨《梧桐雨》、《汉宫秋》等剧作，如何以高度抒情的唱词和象征性的舞台调度，表现离愁别绪与亡国之痛，重点分析其意境的营造而非叙事铺陈。 郑光祖的女性视角： 探讨其剧作对女性情感世界的细致刻画，分析这些作品如何利用舞台化的语言和程式，完成对个体命运的抒发。 本书将强调元杂剧的“文辞化”倾向，即剧作者如何追求唱词的文学性和音乐性，使其成为独立的文学典范。 第三部分：南戏的兴盛与地方声腔的竞争 元代后期，南戏在江南地区持续发展，并与北方的元杂剧形成“南文北曲”的格局。 南戏的生命力与地域特色： 对比南戏（温州戏）的结构（多折、多套曲）与元杂剧的差异。我们将关注南戏如何更贴近民间生活，其音乐板式更为灵活，并大量吸收了江南民歌的元素。重点考察宋元南戏的流传文献，如《琵琶记》的早期形态，分析其叙事结构如何适应舞台表演节奏。 声腔的融合与变异： 探讨雅部与民间曲调的互相渗透，为明清声腔体系的建立打下基础。本章将分析弋阳腔等地方声腔的兴起，这些声腔的蓬勃发展预示着未来戏曲艺术将更加地方化、多元化。 第四部分：明清的转型——从传奇到昆曲的艺术极致 明中叶以后，传奇剧（特别是水磨腔昆山腔）的成熟，标志着中国戏曲艺术达到了古典美学的巅峰。 明代传奇的体制确立： 详细解析传奇剧“一腔一词”的规范，以及“起承转合”的剧作程式。我们将分析这一时期文人剧作家如何将古典文学中的意象和典故，转化为精妙的舞台调度和唱腔设计。 汤显祖与“临川四梦”的内向探索： 重点分析汤显祖作品中对“情”的极致挖掘。不同于宏大的历史叙事，汤显祖的剧作专注于个体情感的幻化与挣扎，如《牡丹亭》中对梦境与生死的哲学探讨，其艺术价值在于其对人情幽微之处的捕捉，以及对昆曲唱腔的完美驾驭，而非其叙事题材的广博。 昆曲的“雅化”与程式的定型： 本章将详述昆曲（以水磨腔为代表）如何通过细腻的唱腔、精湛的做功和舞蹈化的表演，成为清代至民国时期文人士大夫阶层推崇的“雅部”。分析其在表演体系（如“手眼身法步”）上的高度程式化，这种程式化是对故事的提炼和象征化处理，而非对复杂社会事件的描摹。 地方戏的崛起与昆曲的式微： 简述清代地方声腔（如徽班进京）的兴起，这些地方声腔因其贴近生活、音乐更具冲击力，逐渐取代了昆曲在民间和宫廷中的主导地位，为京剧等新剧种的诞生奠定了基础。本书的叙述在此告一段落，着重于探讨戏曲艺术在不同历史阶段如何通过文学与音乐的结合，不断自我革新。 本书旨在为读者提供一个清晰的框架，理解中国戏曲艺术如何从民间说唱发展成为高度成熟的综合性舞台艺术，重点突出其在文学、音乐、表演层面的艺术成就，与叙事小说关注的焦点领域保持明确分野。

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说实话，我最看重的是书籍所带来的后续思考和情感共鸣。这些经典之所以成为经典，绝非偶然，它们是民族精神的浓缩。阅读这套书的过程中，我时常会产生一种强烈的历史代入感，仿佛自己就站在那个特定的历史节点上，去感受那些英雄人物的豪迈与悲怆，去体味普通人在时代洪流中的无力和坚韧。这本书成功地唤醒了我对传统文化中那种“人定胜天”又带着宿命感的复杂情怀的共鸣。特别是那些关于忠诚、背叛、爱情与责任的描写，即便放在今天来看，依然能直击人心最柔软的部分。我合上书本的时候，心里留下的不是一堆情节的碎片，而是一种沉甸甸的、关于人生本质的感慨。它像一面古老的镜子，照见的不仅是历史，更有我们自身的影子。这种久久不能平复的思考余韵，才是真正让我感到这笔投入物超所值的关键所在。

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我不得不承认，我抱着一种略带审视的目光开始阅读这本书的导读部分，毕竟市面上的“名著精选”版本太多，导读常常沦为敷衍了事的套话堆砌。然而，这本书的导读部分却给了我一个惊喜。它没有用空泛的赞美词汇来简单概括作品的伟大，而是深入到了每部作品的时代背景和思想内核，进行了极具洞察力的梳理。特别是对于其中几部作品中涉及的社会伦理和哲学思辨的阐述，角度新颖，切口精准，让我这个自诩读过原著的人，也仿佛被点亮了某些思维的盲区。作者的文笔老练而富有激情，读起来丝毫没有学术著作的枯燥感，更像是一位博学的长者在向你娓娓道来那些尘封的智慧。书中对不同篇章的结构分析也做到了逻辑清晰，层次分明，这对于初次接触这些宏大叙事的读者来说，无疑是一张非常实用的导航图。总而言之，这导读部分远超出了我的预期，它成功地搭建了一座理解古典文学深邃殿堂的坚实桥梁，让人对接下来的阅读充满了信心与期待。

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当我真正沉浸到正文之中时，最让我震撼的是那语言的张力与生命力。这些文字仿佛具有穿透时空的力量，尽管字句结构与现代白话大相径庭，但其中蕴含的人性挣扎、命运无常，却是亘古不变的。我特别留意了译注的质量，在这方面，这本书的处理可谓是匠心独运。它不是简单地在生僻字词旁标注现代汉语解释，而是结合了当时的语境和文化习惯进行细致的注释，使得那些晦涩难懂的典故和俚语都变得鲜活起来。我甚至发现，有些地方的注释提供了多重解读的可能性，这极大地激发了我独立思考和探究的欲望，而不是被单一的解释所框定。这种尊重读者的处理方式，让我感觉自己不是被动接受知识，而是在与古人的思想进行一场深入的、多维度的对话。每读完一个段落，我都会停下来，细细回味那份经过时间沉淀后的文字味道，那份韵律感和节奏感，是现代小说难以企及的深厚底蕴。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，那种沉甸甸的纸质感，配合着烫金的书名，立刻就让人联想到历史的厚重与文学的庄严。我特意选了一个晴朗的午后，在靠窗的位置，翻开扉页。首先映入眼帘的是那几幅精美的插图，线条流畅，意境深远，仿佛能透过墨色的晕染，窥见古代士大夫的雅集，或是市井间的喧嚣。这本书的字体选择也颇为考究，既保留了古籍的韵味，又不至于让现代读者阅读起来感到费力，这是一个非常巧妙的平衡点。装帧的细节处理，比如书脊的缝合工艺，都透露出出版方对“名著”二字的敬畏。每一次将它捧在手中，都像是在进行一场与过去的郑重对话。它不仅仅是知识的载体，更是一件值得收藏的艺术品，那种触感和视觉上的愉悦，极大地提升了阅读的仪式感。坦白说，光是看着它安静地躺在书架上，就已经觉得整个书房的文化气息都上升了好几个档次，对于追求阅读体验的同好来说，这套书的物理呈现本身就是一种极大的享受和价值所在。

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这次阅读体验，最让我感到满足的，是它在“可读性”与“原貌保留”之间找到了一种近乎完美的平衡。我过去阅读某些经典时，常遇到两个极端：要么是过度现代化的翻译，读起来流畅但失却了古韵；要么是过于忠于原文，导致阅读门槛高得吓人。而这本书似乎找到了一个黄金分割点。它在保持原著那种恢弘的气势和独特的叙事节奏上做到了最大限度的克制和还原，但同时，编者在关键的转折处，对那些可能导致读者迷失的复杂情节线索进行了巧妙的梳理和提示。这种“润物细无声”的引导，使得阅读过程极其顺畅，情绪的起伏也跟着故事的发展自然推进，没有被生硬的注释打断。我发觉自己不再是费力地去“啃”这些文字，而是完全被故事中的人物命运和跌宕起伏所牵引，几个夜晚，都是不知不觉中就读到了深夜，这种全身心的投入感，才是衡量一本好书的最高标准。

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