静物:陈丹青画册写生1998-2014

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出版者:中信出版社
作者:陈丹青
出品人:
页数:160
译者:
出版时间:2014-10
价格:160.00
装帧:精装
isbn号码:9787508648453
丛书系列:
图书标签:
  • 陈丹青
  • 画册
  • 绘画
  • 艺术
  • 书画
  • 陳丹青
  • *北京·中信出版社*
  • 绘画
  • 艺术
  • 静物
  • 写生
  • 陈丹青
  • 艺术画册
  • 绘画技法
  • 艺术史
  • 中国美术
  • 艺术作品
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具体描述

本书以2014年苏州博物馆陈丹青画展展出作品为内容,收录了陈丹青1998年至2014年对画册写生系列的精选作品,以及陈丹青绘画小感。书中作品以时间为序,展现出艺术家“静物”系列诞生、成熟的过程,记录了艺术家17年间的绘画实验,并以杂文形式向读者阐述绘画时的所思所想,行云流水,一气呵成。

作者简介

目录信息

总起来,我管这些玩意儿叫做“静物”。法文的“ nature morte”、意大利文的“natura morta”,直译“死去的自然”。画册,机器复制品,不是“自然”,从未“活”过,便无所谓“死去”,是故我的画无法比附拉丁语系的“静物”,勉强接近者,是德文的“Stillleben”与英文的“still life”,中译“恬静的生命”。画册,确乎一声不响,但它是“生命”么?我愿意是,因我是靠画册哄骗而哺育的一代。当初不由分说自命“静物”,是因开手画画册之前,我刚画完尺寸最大的十联并置,画中全是摊在地上的世界著名装置作品,题曰《静物》—倘若算不得名词,便谓之为形容词吧,总之,“死去的自然”也好,“恬静的生命”也罢,但凡眼前搁着一动不动的物事而能使我想要画它,不断画它,我便说:这是“静物”。
—陈丹青《恬静的模特》
机械复制时代的画册制作史,已逾百年,直到十多年前,才有这样一个画家,直接画画册。他公然把古人作品与自己混同、合一,使临摹、写生、创作这三者,发生对位式的错位,重叠式的分离,组构式的解构。这一行为,撤除了写生、临摹与创作的三重差异,同时享受写生、临摹与创作的三重愉悦,这是观看经典的愉悦,也是制造歧义与悖论的游戏。
—韦羲《悖论与时差:读陈丹青印刷品写生系列》
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读后感

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用户评价

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这本书的封面设计乍一看,就透着一股沉静又内敛的气息,那种老派画册特有的厚重感扑面而来。我是在一个偶然的机会在一家独立书店里翻到它的,当时主要被那种油墨的质感吸引住了。陈丹青先生的画作,尤其是他对于日常物品的捕捉,总有一种令人屏息的力量。虽然我还没深入研究到每一幅作品的细节,但光是从目录和一些预览图上就能感受到一种跨越时间的对话感。他笔下的静物,绝非简单的物件堆砌,而是通过光影、肌理和构图,将时间凝固在了画布之上。我尤其期待看到那些早期作品是如何奠定他后来的艺术基调的,那种从学院派的扎实训练中,如何逐渐蜕变成一种既深沉又充满个人哲思的视觉表达。这本书的装帧和印刷质量,从初步的接触来看,似乎也体现了出版方对作品应有的尊重,这对于收藏者来说是至关重要的考量。

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这本书给予我的感受,更像是一场关于“观看”的哲学探讨。陈丹青先生的静物,从来都不是主角的喧宾夺主,而是邀请观者进入一种慢节奏的凝视状态。他似乎在用画笔告诉我们:生活中的寻常之物,一旦被艺术家的目光选中并记录下来,便获得了永恒的庄严。我很好奇,在那个特定的年代背景下,选择描绘这些日常的、甚至有些“沉闷”的物件,是否也是一种对外界喧嚣的回避或抵抗?画册中那些近乎于特写尺度的作品,让我能够近距离地感受到材料的肌理,那种颜料的厚度,仿佛能触摸到时间的纹理。这本书与其说是一本画集,不如说是一份跨越十多年的“在场证明”,记录了艺术家如何以一种近乎苦修的方式,对待每一次提笔落笔。

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翻开内页,那种扑面而来的笔触的力度和松弛感,真的让人感慨万千。陈丹青先生对于“物”的观察,已经超越了单纯的写实,他似乎在探究每一个物体背后的生命脉络。比如那些关于水果、陶罐或者简单布料的描绘,你甚至能“听”到颜料在画布上堆叠摩擦的声音。这套画册横跨了十多年的时间维度,从1998年到2014年,这中间无疑记录了他艺术心路上的诸多转变和沉淀。我个人对艺术家在不同阶段对于“光”的理解非常感兴趣,光线如何塑造形体,如何暗示情绪,这往往是区分大师和平庸画家的关键。这本书的选编,显然是经过了精心考量的,它不像流水账式的记录,更像是一部有机的编年史,记录了艺术家在特定时间段内,对周围环境最私密、最直观的回应。这种深度的文本介入,非常有助于观者进入他的创作语境。

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阅读这本画册的体验是极其私密的,它要求读者放下急躁,真正沉下心来。陈丹青先生在这些静物中所倾注的情感,是克制而深沉的,没有戏剧性的冲突,却有令人回味无穷的韵味。我尤其欣赏他对于光影的哲学性处理——光线不是用来照亮物件,而是用来揭示物件的“本质”与“缺憾”。从90年代末到2014年,艺术思潮在不断更迭,但这些静物却仿佛置身于时间的洪流之外,保持着一种恒定的、近乎冥想般的美感。这本书的装帧,那种哑光纸张的触感,恰到好处地衬托了画作中那种不张扬的、内敛的力量。总而言之,这是一份关于“认真对待生活细节”的视觉教科书,它教人如何去“看”,而不是仅仅去“扫视”。

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作为一个业余的艺术爱好者,我更倾向于从技术的角度去解构这些作品。陈丹青先生的素描功底是毋庸置疑的,即便是运用色彩,他的线条感也依然清晰可见,这使得他的油画作品,在厚重的色彩层之下,依然保持着极高的结构性。这本画册的印刷质量,对于呈现油画的微妙层次感至关重要。我观察到其中一些作品,色彩的饱和度与灰调的控制达到了一个近乎完美的平衡,这在很多同类画集中是很难达到的水准。从1998年到2014年,这十六年的时间跨度,足以让人看到他在材料运用上的细微调整,也许是画布的选择,也许是调色刀的使用方式,这些非语言的细节,往往是艺术史研究中宝贵的线索。这本书的排版设计也值得称赞,它懂得留白,懂得让作品自己呼吸,不会因为过度的信息量而让人感到疲倦。

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总起来,我管这些玩意儿叫做“静物”。法文的“ nature morte”、意大利文的“natura morta”,直译“死去的自然”。画册,机器复制品,不是“自然”,从未“活”过,便无所谓“死去”,是故我的画无法比附拉丁语系的“静物”,勉强接近者,是德文的“Stillleben”与英文的“still life”,中译“恬静的生命”。

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东方与西方的艺术经典在画册、临摹、创作之间穿越……

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画展非常好。反反复复看丧乱帖

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东方与西方的艺术经典在画册、临摹、创作之间穿越……

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初看觉得没意思,可没意思正是它的意思:“绘画在此终结”

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