具体描述
通过多年造型基础教学、设计基础教学、专业设计的教学，由编者主讲的《设计素描》课程获选山东省普通高校的“精品课程”。现在，我们将积累的许多经验与有益的尝试，按照教学的规律在本书中一步一步地予以展现出来，从而使之具有以下几个主要的特色：第一，阶段性明确，严格按照艺术设计教学的规律，从最基本的基础理论开始，使同学们首先从观念上、方法上进行梳理和再认识，然后从同学们最熟悉的真实、客观的素描开始，一步一步，由浅入深，循序渐进，逐渐转变观念，剥离外在的表象，转化到深层的结构形态的表现，最后，进入到超越现实物象的主观形态的训练，在潜移默化的各种训练间，最终引导到目的点上来；第二，均衡兼顾传统素描、线性素描与创意素描等各部分内容，完整、具体；第三，图文并茂，所阐述的理论点与训练都有相应的范画、作业，予以详尽的阐释与说明，使同学们能够得到直观的认识；第四，叙述简明、扼要、直接、有效，可操作性强，并强化了与专业设计的结合。
博物馆馆藏精品赏析：西方雕塑的演变与大师之作 图书简介 本书并非一本关于绘画技巧或视觉艺术基础的入门指南，而是一部深度聚焦于西方雕塑艺术史的学术性导览。它以时间为轴，系统梳理了自古希腊文明起源至二十世纪现代主义思潮兴起期间，西方世界雕塑艺术在材质、主题、风格和文化功能上的深刻变革与发展脉络。 本书旨在为艺术史爱好者、专业研究人员以及对西方文明精神史感兴趣的读者，提供一个清晰、详尽且充满洞察力的视角，去理解那些矗立于博物馆和公共空间中的三维形体，是如何映照和塑造了人类的信仰、权力结构与审美理想。 第一部分：起源与古典的辉煌——从神性到人性的凝视 本部分将从文明的摇篮——古埃及与美索不达米亚的纪念性雕塑入手，探讨早期雕塑在宗教仪式和法老权威维护中的功能。重点将放在古希腊雕塑的飞跃上，详细剖析从古风时期的“库洛斯”与“科蕾”到古典盛期（如菲狄亚斯、波留克列托斯）的“理想化人体”的追求，以及如何通过“对立平衡”（Contrapposto）确立了西方艺术对人体结构精确性与精神完美性的永恒标准。对希腊化时期雕塑，如《米洛的维纳斯》和《萨莫色雷斯的胜利女神》，我们将深入分析其动态感、情感表达的增强，以及对世俗主题的关注。 紧接着，本书将转向古罗马雕塑。不同于希腊的理想主义，罗马雕塑的特点在于其写实主义、肖像学的巨大成就，以及作为政治宣传工具的强大效用。我们会对比分析罗马的皇帝雕像、元老肖像群像以及纪念性浮雕（如图拉真纪功柱），阐释雕塑如何成为帝国历史记录和意识形态构建的核心载体。 第二部分：信仰的形塑——中世纪的象征与精神的具象化 进入中世纪，雕塑的中心功能彻底转向基督教信仰的传达。本书将细致考察从早期基督教墓葬浮雕到罗马式艺术（Romanesque）的演变。在罗马式阶段，雕塑艺术主要依附于教堂建筑的门楣、柱头和壁龛，此时的形象往往是高度符号化、程式化，服务于教义的普及和对信徒的教化。 核心内容将集中在哥特式雕塑（Gothic Sculpture）的“解放”。我们详细阐述巴黎圣母院、沙特尔大教堂等标志性建筑上，雕塑如何逐渐从建筑的桎梏中挣脱出来，人物形象开始拥有更自然的面容、柔和的衣褶和更富有人性的情感交流。这种从僵硬的象征到富有叙事性的表达，是中世纪艺术精神转化的关键标志。 第三部分：人文的复兴与形式的探索——文艺复兴与巴洛克的激情 文艺复兴时期，雕塑艺术迎来了一次彻底的“回归古老与发现自我”的运动。本书将深入分析多那太罗（Donatello）如何以其突破性的《大卫》雕像，重新确立了独立立体的裸体雕塑的地位，以及他作品中复杂的人文主义情怀。 紧接着，是米开朗基罗（Michelangelo）的巅峰贡献。我们不仅会细致解读《大卫》中蕴含的“潜能的释放”和“形体内的精神挣扎”，还会探讨他未完成的作品和晚期雕塑中，对肉体与灵魂二元性的深刻思考。本书将对比分析文艺复兴盛期雕塑的和谐、理性与古典美学，并考察北方文艺复兴对雕塑材料和细节的偏好。 巴洛克时期，雕塑艺术被赋予了强烈的戏剧性、动态感和感官冲击力。贝尔尼尼（Gian Lorenzo Bernini）是本章的绝对核心。我们将详尽分析他的代表作，如《圣特蕾莎的狂喜》和《阿波罗与达芙妮》，重点探讨他如何运用大理石的柔软质感，捕捉转瞬即逝的瞬间（Moment of Action），并将光线、空间和观众的感知融为一体，创造出一种近乎于舞台表演的艺术效果。 第四部分：理性的约束与现代的萌芽——新古典主义、浪漫主义与现实的挑战 本书的后半部分关注的是雕塑对古典标准的重新审视与突破。新古典主义雕塑（如康诺瓦）体现了对理性、秩序和清晰线条的回归，往往带有强烈的道德教化色彩。 然而，对绝对理想美的反思很快引发了浪漫主义的介入。我们考察了罗丹（Auguste Rodin）的革命性地位。罗丹的作品，如《地狱之门》和《沉思者》，标志着雕塑开始关注内在心理的挣扎、未完成形式的张力，以及对雕塑表面的粗粝处理，为二十世纪的现代雕塑铺平了道路。我们分析了他如何利用光影变化而非清晰轮廓来表达复杂情绪，使雕塑不再仅仅是对完美的再现，而是对生命本质的质询。 总结与展望 本书的最终目的，是引导读者超越单纯的“形体欣赏”，进入对雕塑艺术所承载的哲学思考、权力运作和社会变迁的理解。通过对西方雕塑材质（大理石、青铜、木材）的演变、主题（神祇、英雄、凡人）的转移，以及空间处理方式的深入探讨，读者将能全面掌握雕塑艺术这一古老而持久的艺术门类，是如何在历史的洪流中不断自我革新与对话的。本书的附录部分，还将提供一个重要的雕塑家与作品对照表，以及重要的博物馆收藏指南。
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