侯宝林自传．上 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:黑龙江人民出版社

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页数:113

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出版时间:1982

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好的，为您撰写一本不包含《侯宝林自传·上》内容的图书简介。 --- 《梨园风云录：近代相声艺术的兴衰与传承》 卷首语：风起云涌的都市之声 本书并非对某位艺术家的个人生平进行详尽描摹，而是将目光投向一个更宏大、更具时代纵深的领域——近代中国相声艺术的完整生态、其在社会变迁中的角色扮演，以及无数幕后与台前的身影共同谱写的兴衰沉浮史。 我们追溯的，是从清末民初到二十世纪中叶，相声这一“说学逗唱”的民间艺术，如何挣扎着从烟雾缭绕的茶馆、棚棚，逐渐登上光鲜的剧场，乃至成为国家级舞台上的重要文化符号。这不是一个人的传记，而是一部属于“相声这个行当”的群像史诗。 第一部：草莽与萌芽——都市的底层叙事 本部分将深度剖析相声艺术的“野蛮生长”阶段。我们聚焦于相声诞生的地理坐标——天津与北京的特定街区，探讨其艺术形态如何受到码头文化、市井俚语和地域风情的影响而定型。 重点探讨内容： 1. “撂地”的生存哲学： 详细描绘相声艺人在户外撂地演出时的生存困境、行规约束，以及他们如何利用有限的道具和极强的语言功底，在严酷的竞争中求得生存。对比不同地域（如天津的“快板”根基与北京的“贯口”精炼）的早期流派差异。 2. 班社与票号的早期组织形态： 相声行当内部的学徒制、门户之见，以及早期票号（如广和成、谦祥益等）如何扮演了艺术孵化器和商业经纪人的双重角色。研究早期文人阶层与相声艺术的互动，例如部分名士如何参与到相声段子的修改与润色中。 3. 素材的采集与创新： 相声的生命力在于对时事的快速反应。本章收集了大量民国时期关于政治讽刺、社会百态的段子雏形，分析其题材的演变路径，以及艺术家们在“说新段子”与“吃老本”之间的权衡与挣扎。 第二部：剧场时代的转型——从民间到舞台的跨越 进入民国中后期，随着剧场业的发展和城市化的加速，相声艺术迎来了第一次重大的形式革命。这种转变并非一帆风顺，充满了对传统形式的扬弃与坚守。 重点探讨内容： 1. “拼盘”与“专场”的博弈： 探讨相声在传统曲艺班子中与其他艺术（如京剧、大鼓）同台时的地位变化。研究那些致力于将相声独立化、专业化的先驱者，他们如何争取演出时长和更高的报酬。 2. “贯口”与“说学逗唱”的结构完善： 深入分析相声基本功（如贯口、柳活、说学）在剧场环境下如何被系统化、理论化。本章将对比分析几位不同风格的相声艺术家在处理“学”的部分时，对传统戏曲、曲艺的取舍和创新，展示其艺术体系的成熟过程。 3. 南下与北上的文化碰撞： 梳理相声艺术在上海、南京等南方城市的短暂尝试与水土不服。分析地域文化差异如何影响了相声的语速、韵律和笑点设计，以及这种碰撞对相声“全国化”进程的启示。 第三部：时代的风云与艺术的重塑——战乱与变革中的坚守 抗日战争和随后的内战对所有民间艺术都造成了巨大的冲击。相声艺人面临着生计的断绝、思想的转变以及创作方向的抉择。 重点探讨内容： 1. “卖艺求生”的艰难时刻： 记录在战乱年代，艺术家们流离失所的经历，以及他们如何通过“应景”段子来迎合特定时期的宣传需求，同时也探讨了这种迎合背后的无奈与妥协。 2. “新相声”的探索与分流： 探讨解放前后，相声创作开始转向“歌颂”与“教育”主题时，艺术内部产生的张力。一部分艺术家试图在保持幽默感的同时融入新的时代精神，而另一部分人则坚持传统段子的精雕细琢。分析两者在艺术质量与时代适应性上的差异。 3. “柳活儿”的复兴与改良： 研究在新的文化政策导向下，相声中的“学唱”部分如何从单纯的模仿，逐渐演变为对地方戏曲、民歌的精选、改编与提升。几位重要“学唱”大家如何在这个过程中确立了各自的流派特色。 终章：薪火相传的艺术基因 本书的终结篇并非对艺术的盖棺定论，而是对贯穿始终的“相声精神”的总结。我们探讨了相声艺术赖以生存的几个核心基因：对“真”的捕捉、对“矛盾”的放大，以及对“节奏”的精准把控。 我们通过多位未被单独立传的“中坚力量”的案例，勾勒出相声行当整体的艺术图谱，展现了前辈们在传承与创新中付出的巨大心血。这本书是对那个黄金时代下，无数说书人、捧哏人、作者、以及默默无闻的琴师鼓师的集体致敬。 本书特色： 史料翔实，注重社会背景分析： 拒绝空泛的赞美，聚焦于艺术生态与社会经济的相互作用。 多角度审视： 涵盖天津、北京两大中心的艺术差异，以及幕后团队（如撰稿人、伴奏者）的贡献。 避免个人英雄主义叙事： 将焦点放在“相声这一艺术形式”的演变路径上，而非聚焦于单一的明星。 适合人群： 曲艺爱好者、中国近现代社会史研究者、民间口头文学研究学者。 ---

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这本书的魅力，很大程度上源于它所展现的那个时代背景下的艺术生态。作为一个习惯了现代娱乐方式的读者，阅读关于旧时代相声艺人生活状态的描述，是一种强烈的时空穿梭感。作者笔下的那些前辈们，他们的生存状态、舞台上的“江湖规矩”，以及他们之间复杂的人际关系，都被刻画得栩栩如生。你几乎可以想象出，在那个灯光简陋、观众近在咫尺的剧场里，艺人们是如何靠着一口“利索”的活儿吃饭的。作者叙述的口吻是克制而内敛的，他很少去直接评判是非，而是通过详实的事件和人物对话，让读者自己去体会其中的酸甜苦辣。这种“留白”的叙事手法，反而给予了读者极大的想象空间。对于一个对中国传统文化感兴趣的人来说，这本自传简直是一部珍贵的口述史料，它记录下的不仅仅是一个人的成长，更是一个时代的艺术变迁轨迹。

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翻开此书，立刻被一种沉静而有力的文笔所吸引，它没有过多华丽的辞藻堆砌，却有着一种穿透人心的力量。作者在回顾童年和少年时代的经历时，那种对环境的细致描摹，展现出极高的文学素养。我尤其关注他描述的家庭环境对他的塑造作用，那些关于教养、规矩和对艺术的早期熏陶，是如何在潜移默化中，打下了他日后“相声大师”的底色。这本书的叙事结构非常精巧，它不是简单的时间线性推进，而是时不时地插入一些他对某个概念、某段经历的深度反思，使得整本书的厚度远超一本普通的传记。例如，对于“幽默的本质”的探讨，他并非空泛而谈，而是结合了具体的舞台事件和观众反应来阐释，这种“理论联系实际”的写法，让读者在阅读过程中，不断地进行思考和印证。对我来说，这更像是一部关于“如何做一个有格调的创作者”的入门指南，字里行间透露出对艺术的敬畏和对人生的洞察。

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初读这本厚厚的自传，我原本期待的是那些舞台上的辉煌瞬间，但很快我就发现，作者的笔触更侧重于“幕后”的打磨与煎熬。他对于自己早期表演生涯中那些“不成功”的经历，描述得毫不避讳，甚至带着一种近乎自嘲的坦诚。正是这种不加粉饰的真实，让人物形象瞬间立体丰满起来。我特别喜欢其中穿插的一些小故事，它们看似与核心的相声艺术关系不大，却深刻地揭示了人性的复杂面——关于嫉妒、关于提携、关于误解。这些侧写，让这位艺术巨匠的人性光辉与局限性一同展现在读者面前，使得阅读体验变得异常丰富和立体。它打破了人们对“大师”的刻板印象，展现了一个有血有肉、需要不断学习和适应的鲜活个体。这种深入骨髓的真诚，是任何精心包装的宣传材料都无法企及的。

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这本书的语言风格，在我看来，是极其讲究“韵味”的，这或许是长期浸润在曲艺环境中的熏陶。它读起来有一种内在的抑扬顿挫，即使是描述平实的事件，也仿佛带着一种舞台上的节奏感。特别是对于他早年在不同地域穿梭时，对地方语言、生活习俗的观察和记录，展现了他卓越的“采风”能力。这种观察力的敏锐性，是他日后艺术创作源源不绝的基础。书中对不同艺术流派和风格的接触与比较，尤其值得细细品味，作者并没有急于站队或批判，而是以一种开放的心态去吸收和融合。他对于艺术的“求真”态度，贯穿了整本书的始终。读完后，我感觉自己不仅是读完了一本书，更像是上了一堂深入浅出的艺术研修课，它教会我如何去欣赏艺术作品背后那些深层次的结构和匠心。

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这本《侯宝林自传・上》的文字，读起来就像是和一位老朋友坐在暖炉边，听他娓娓道来那些尘封已久的往事。我特别欣赏作者叙述的节奏感，他似乎很懂得在平淡的日常叙述中，不动声色地埋下那些日后成就的伏笔。比如，关于他早年学艺的那些片段，描述得细致入微，那份初入行时的懵懂、对舞台的敬畏，以及在各个剧团里辗转的艰辛，都让人感同身受。我仿佛能闻到旧剧场里特有的那种木头和汗水的混合气味。更难能可贵的是，他对于传统相声艺术的理解和坚持，在那个时代背景下，这种对“活儿”的纯粹追求是何等不易。书里对于如何观察生活、如何提炼包袱的那些侧写，与其说是自述，不如说是一本生动的“曲艺心法”。特别是描写他如何从模仿到形成自己风格的转折点，那种内心的挣扎与突破，写得极其真挚，绝非那种套路化的“成功学”叙事可以比拟。读完这上半卷，我感觉自己不仅了解了一位艺术家的成长史，更窥见了那个时代曲艺界鲜为人知的一角风景。

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永远出不了的下册

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看到不了少老民俗，前两年还在藕芽胡同住过。发现好多东西没有变啊:取灯啊，水舀子这些词也是常说的，有意思。留有余地，恰到好处，不要过头，宁可不足

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补標，居然是『孤本』只有上，没有下部【图书收藏】

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郭德纲一半相声知识的来源？那时候真苦啊，一天一顿饭，病了吃假药，凑凑活活就对付过去了，大浪淘沙，耐折腾的活了下来。关于“捡烂纸”和卖小报，倒是有意思的史料。侯宝林搞相声雅化也有他自己的逻辑，郭德纲把“文明”和“说教”、“低俗”和“好笑”焊起来，只能说是一种策略性的反动，未必完全合于事实。

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下册没有出版，但是收录在《一户侯说》中了。