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出版者:立谊出版社

作者:彭万雄

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页数:128

译者:

出版时间:2001

价格:NT200

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音乐的另一面：一部关于实验电子乐与城市声景的考察 引言：在噪音与旋律的交界处 本书并非对既有音乐流派的梳理，而是深入探究二十世纪末至二十一世纪初，一种在全球都市脉络中悄然兴起的音乐现象——实验电子乐（Experimental Electronic Music）及其与城市环境声景（Urban Soundscape）的复杂交织。我们拒绝将音乐简单地视为娱乐的载体，而是将其视为对现代性、技术异化以及人类感知边界的深刻哲学反思。这本书旨在描绘出那些常常被主流音乐工业边缘化，却在声音艺术、空间感知和文化批判领域扮演关键角色的声音实践。 第一章：从录音室到街道：技术的双重身份 本章首先回顾了电子音乐的早期发展，但重点并非放在合成器的发明史，而是关注技术本身如何成为一种具有能动性的“表演者”。我们探讨了早期磁带音乐实验（Musique concrète）如何将日常噪音提升至艺术本体的地位，以及模块化合成器（Modular Synthesis）如何从工具演变为一种自我生成、不可预测的声学生态系统。 一个核心议题是“异化”与“重构”的关系。在后工业时代，城市充斥着机械的、重复的、无意识的噪音（交通、工厂、信息流）。实验电子乐的作用，在于截取、扭曲这些被视为“污染”的声音元素，并通过复杂的信号处理（如颗粒合成、频谱重塑），将其还原为可供聆听和反思的结构。我们分析了例如阿尔文·卢西埃（Alvin Lucier）的作品中，声音的物理特性如何直接作用于空间和听众的生理感知，而非仅仅是音乐的听觉愉悦。这不是关于“好不好听”，而是关于“听到了什么”。 第二章：寂静的建筑学：城市声景作为作曲材料 城市空间不再是沉默的背景，而是充满了细微变化的“声场”。本章将重点放在了“声景”（Soundscape）理论的应用，特别是对城市中“非音乐性”声音的系统性记录与解构。 我们考察了几组关键的城市声音元素：地下交通的低频震动、高架桥下的回音模式、办公楼宇中空调系统的白噪音，以及监控系统中持续存在的电子嗡鸣。这些声音构成了现代生活下意识的听觉基础。作曲家们不再仅仅在录音棚内工作，他们将麦克风放置在特定的地理位置，进行现场录音，或利用定制的传感器网络实时捕捉环境数据。 本书特别关注了“地理声学”的实践——声音的意义如何与其发生地点的物理属性（建筑材料、人口密度、气候）绑定。例如，在柏林的旧工业区与东京高密度的娱乐街区，即使是使用相同的合成器音色，其所承载的文化重量和听觉体验也截然不同。我们剖析了这些作品如何挑战了听众对“室内”与“室外”、“私密”与“公共”的传统界限。 第三章：网络、延迟与全球性的断裂 随着互联网和数字通信技术的普及，实验电子乐的创作和传播模式也发生了深刻变化。本章探讨了“网络延迟”（Latency）和“数据损坏”（Data Corruption）如何从技术故障转变为一种审美风格。 早期的电子音乐依赖于物理介质的精确控制，而现代的实践则拥抱了数字传输中的不确定性。我们研究了那些故意引入数据压缩伪影、网络抖动（Jitter）和数据包丢失来构建音乐结构的艺术家。这反映了一种对全球化信息流的批判：即便是最精准的数字信息，也充满了内在的失真和断裂感。 此外，我们讨论了“远程协作”如何重塑了创作过程。音乐家们通过低带宽连接进行实时互动，其音乐的“即时性”被拉伸、扭曲，创造出一种既存在于当下又被时间延迟所标记的怪异听觉体验。这不再是传统意义上的“合奏”，而是一种跨越物理距离的、充满噪音干预的“共振”。 第四章：身体、感知与颠覆性体验 实验电子乐很少旨在提供舒适的听觉体验。本章聚焦于作品如何直接作用于听者的身体，挑战其对“正常听觉”的预设。 我们考察了低频声波（Infrasound）的使用。许多艺术家利用次声波来制造环境中的“物理压力感”，这是一种超越纯粹听觉的感官体验，它触及了恐惧、不安或沉浸的边缘。这与早期的声波武器研究形成了微妙的对照，但其意图在于唤醒身体对自身存在的感知，而非控制。 另一个重要维度是“重复与饱和”。通过极度密集的、非节奏性的重复（而非传统音乐中的循环），作品旨在使听众的感官进入一种近乎催眠或超载的状态。在这种状态下，听觉分辨力降低，听众开始关注声音的纹理、微小变化和自身在声音场中的位置，从而实现一种对常规感知模式的暂时性“重启”。 结论：未竟的声学前沿 本书最终认为，实验电子乐是当代社会对技术加速和信息过载的一种必要的、有时是痛苦的回应。它提供了一个听觉的“反乌托邦”空间，迫使我们去倾听那些我们习惯性屏蔽掉的声音——无论是街道的轰鸣、数据流的瑕疵，还是纯粹物理震动所携带的信息。它不是提供答案，而是提出更尖锐的关于“我们如何听见世界”的问题。这部音乐的实践，仍在不断地拓展声音的物理、哲学和空间边界，其意义远超音乐厅或唱片销量所能衡量的范围。

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这本书的排版和装帧风格非常复古，仿佛是从某个欧洲的独立书店淘来的二手珍本。它的阅读体验是一种反主流的、有点“叛逆”的感觉。我注意到，书中几乎没有插入任何人物照片，这很耐人寻味。作者似乎极力想避免将音乐家的形象固定化，而是希望读者完全依靠声音去构建对他们的想象。这种做法带来的后果是，阅读过程需要极强的想象力配合。当作者描述一位中音萨克斯手在即兴段落中如何“用尽全力将每一个音符都推向破裂的边缘，却又在最后一刻优雅地收回”，我的脑海中必须自动生成那个画面，那个场景，甚至是那种舞台上的温度和湿度。这种高度依赖读者主观能动性的叙事，让阅读本身变成了一种积极的、创造性的行为，而不是被动地接收信息。它不像其他音乐传记那样充满戏剧化的冲突和八卦，更多的是对“创作瞬间”的纯粹迷恋，这种沉浸式的、近乎冥想的阅读体验，是我近几年阅读非虚构类书籍中少有的。

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整本书散发着一种时间沉淀后的宁静感，像是在一个喧嚣的时代里，特意为你保留了一块可以静下心来思考“何为美学”的角落。作者的笔调极其克制，很少出现过于激动人心的溢美之词，即便赞美，也是基于对音乐逻辑的精准把握。他用一种近乎人类学研究的冷静视角，观察和记录爵士乐在不同地域、不同社会背景下的变异和适应。例如，他对六十年代欧洲自由爵士乐场景的描述，没有采用常见的“反叛”标签，而是细腻地分析了他们如何利用有限的资源，创造出与美国主流爵士截然不同的“空间感”和“疏离感”。这种将音乐置于更宏大文化语境下去审视的广阔视野，极大地拓宽了我对爵士乐的认知边界。读完它，我不是记住了多少个日期或名字，而是获得了一种看待声音的全新“透镜”，一种能够穿透表面旋律，直达其内在结构和时代精神的深度观察力，这无疑是一次精神上的丰厚之旅。

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坦白说，这本书的某些章节读起来颇具挑战性，它更像是一部关于“声音的纹理”的深度研究报告，而不是轻松的闲书。我发现，作者在讨论不同年代录音技术对音乐风格的影响时，所使用的语言极其晦涩和专业。他会详细分析某张专辑中低音提琴的混响时间，或者某位钢琴家踏板使用的微妙差异是如何影响了和弦的延展性。对于非专业人士来说，理解这些技术细节无疑是一道门槛，我不得不经常停下来，查阅一些关于录音工程的基础知识，才能跟上作者的思路。然而，正是这种“深挖到底”的偏执，让这本书拥有了无可替代的价值。它不是在讲述爵士乐“是什么”，而是在探讨爵士乐“是如何成为它所是”的那个复杂而精妙的工程过程。它揭示了音乐家们在录音室这个“密室”中，与技术、时间以及自身局限性所进行的无声搏斗，让读者对成品音乐背后的艰辛和智慧有了更深层次的敬意。

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读完第一部分后，我最大的感受是，这绝非一本给新手的入门指南，它更像是某种“黑话”的交流手册。作者似乎默认读者已经对爵士乐的几个主要流派了如指掌，甚至能听出不同录音棚的混音风格差异。他毫不客气地跳过了大家耳熟能详的大师名字，转而将笔墨集中在那些二线乐手——那些为伟大独奏者铺设坚实地基的鼓手、钢琴手和定音鼓手身上。我尤其喜欢他对“节奏的哲学”那一章的探讨，他用近乎诗意的语言描述了鼓手如何通过对“空隙”的处理来构建张力，那种“不在那里，却又无处不在”的律动感，在文字中被剖析得淋漓尽致。对我来说，这像是一次高强度的听力训练，迫使我必须放下手边的事情，全神贯注地去“听”那些文字描述的节奏。书中的某些段落，甚至像是一篇篇专业的乐评，充满了复杂的术语和对乐理结构的深入分析，让人在阅读的同时，忍不住打开播放器，反复比对作者所描绘的那些细微的音高变化和即兴的逻辑走向，体验那种从文字到声音，再到心领神会的完整过程，收获的不仅仅是知识，更是一种对音乐结构的全新理解视角。

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这本厚厚的精装书摆在我的案头，封面设计简约却透着一股老派的优雅，那种带着微微泛黄的米白色纸张，总让人联想到深夜里昏暗的灯光和烟雾缭绕的乐房。我原本以为这会是一本专注于爵士乐发展史的教科书，毕竟书名听起来就带着一股学院派的严谨和致敬的意味。然而，翻开内页才发现，它更像是一位资深乐迷的私人札记，记录着他无数个追随音符的夜晚。作者似乎并不热衷于罗列那些里程碑式的事件，反而沉迷于挖掘那些“被遗忘的片段”——比如某个在五六十年代录音棚里，某个不知名贝斯手在一次即兴演奏中不经意间创造出的、只有真正懂行的人才能捕捉到的微妙和弦转换。文字里充满了对乐手演奏细节的极致描摹，那句“萨克斯风的颤音如同午夜时分，被雨水打湿的霓虹灯招牌，既迷离又带着一丝不易察觉的哽咽”，读来让人仿佛能闻到空气中弥漫的威士忌和陈旧木地板的味道。全书的叙事节奏如同一次慵懒的蓝调行走，时而急促如比波普的Solo，时而舒缓得像一首慢速的圆舞曲，让人在不知不觉中，心神完全被拉进了那个只属于黑胶唱片和老式麦克风的时代，感叹那些转瞬即逝的灵感是如何被永恒地捕捉下来。

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