Berklee Jazz Piano BK/CD (Berklee Guide) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Berklee College

作者:Santisi

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:1996-11-01

价格:USD 19.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780876390504

丛书系列:

图书标签:

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《经典爵士钢琴：理论与实践》 一部深入探究现代爵士钢琴演奏精髓的权威指南 本书旨在为所有致力于掌握爵士钢琴艺术的演奏者提供一套全面、系统且极具实操性的学习路径。 无论您是刚刚接触爵士乐的初学者，还是寻求深化技巧和理论知识的进阶乐手，本书都将成为您不可或缺的伴侣。我们摒弃了对特定流派或单一风格的狭隘定义，转而聚焦于爵士钢琴家赖以构建其音乐语言的核心要素：和声的理解、节奏的律动、即兴的思维，以及对经典曲目的解析。 第一部分：爵士和声的基石 爵士乐的和声语言是其最具辨识度的特征之一。本书的第一部分将从最基础的音阶与和弦构建开始，逐步带领读者进入复杂而迷人的爵士和声世界。 1. 爵士音阶的精细化应用： 我们将详细剖析超越传统大、小调音阶的工具——调式音阶（Modes）、布鲁斯音阶（Blues Scale）以及五声音阶（Pentatonic Scales）。重点在于理解如何在不同的和弦背景下，精确选择和运用这些音阶，以创造出具有张力和色彩的旋律线条。每一组音阶都配有实际的指法示例和在标准爵士和弦进行（如 II-V-I）中的应用示范。 2. 和弦的扩展与色彩化： 爵士钢琴家很少只停留在三和弦或七和弦。本章深入探讨九和弦（9th）、十一和弦（11th）和十三和弦（13th）的构成、转位以及最实用的指型。我们将重点解析和弦音的替代（Substitutions），包括使用增六和弦（Augmented Chords）、降五音和弦（Altered Chords）来增强和声的驱动力和色彩变化。我们提供了一系列图表，直观展示如何在键盘上最有效地配置这些复杂和弦，尤其关注左手伴奏声部（Comping）的构建。 3. 和声进行（Chord Progressions）的逻辑： 理解和弦如何相互连接是即兴创作的关键。本书详尽分析了爵士乐中最常见的进行，例如： II-V-I 结构的深度解析： 不仅涵盖大小调，还包括调式 II-V-I。 “Rhythm Changes”的骨架： 拆解并重构布吉伍吉（Rhythm Changes）的复杂结构。 三全音替代（Tritone Substitution）： 学习如何运用这一革命性的技巧来平滑过渡或制造惊喜。 第二部分：节奏与律动的掌握 爵士乐的灵魂在于其独特的摇摆感（Swing Feel）。本部分着重于将理论知识转化为有生命力的演奏。 1. 摇摆感的精确训练： 我们将定义“三连音的八分音符摇摆”这一核心概念，并提供大量的练习来校准听觉和指法。这包括慢速至快速的节奏练习，重点训练手指的独立性和均匀性，确保“后两拍”的切分感得到准确体现。 2. 左手伴奏技法（Comping）： 左手是爵士钢琴家的“节奏引擎”。本书系统地介绍了不同时期的伴奏风格： 早期风格： 步行低音（Walking Bass Line）与和弦块的结合。 中后期风格： 强调切分、稀疏化处理以及对节奏重心的灵活移动。我们提供了大量“稀疏化”练习，帮助演奏者学会“少即是多”，避免和弦的堆砌，从而为即兴旋律留出呼吸空间。 3. 节奏模式的激活： 介绍如何将特定的节奏型态（Rhythmic Motifs）融入即兴旋律中，使独奏听起来更具“爵士味”和叙事性，而非仅仅是音阶的堆砌。 第三部分：即兴思维与技巧发展 即兴创作是爵士钢琴家的终极表达。本部分致力于构建一个清晰的即兴创作框架。 1. 从旋律到动机（Motif Development）： 我们强调即兴并非随机演奏音符，而是围绕核心旋律动机（Melodic Ideas）进行发展、变形和再现。书中详细演示了如何将一个简单的四音动机，通过节奏变化、音程扩展和和声替换，发展成一段完整的独奏段落。 2. 琶音与音型库的建立： 我们提供了一套针对常用爵士和弦的琶音练习集，但强调这些琶音必须与和声功能紧密结合。重点是“目标音”（Guide Tones，即三音和七音）的准确锁定，以及如何在目标音之间使用经过音（Passing Tones）来连接。 3. 独奏的结构与叙事： 成功的独奏需要起承转合。本书指导读者如何规划一段独奏的结构：如何开始（引入动机）、如何发展（增加张力和密度）、如何达到高潮，以及如何优雅地收尾并引向下一个演奏者。我们分析了大师们（如比尔·埃文斯、奥斯卡·彼得森）在构建段落时的结构策略。 4. 蓝调与爵士的融合： 深入探讨蓝调结构（如十二小节蓝调）在爵士语境下的变化和重新诠释，包括如何应用复杂的和弦替换来“提升”蓝调进行。 第四部分：经典曲目的实践与风格解析 理论必须在真实的音乐语境中得到检验。本部分选取了几首爵士标准曲（Standards）作为案例进行深度剖析。 1. 曲目拆解分析： 我们不只是给出和弦谱，而是对选定曲目（例如“All The Things You Are”、“Autumn Leaves”等）进行全面的“手术式”解构： 和声骨架分析： 识别关键的和弦连接点和潜在的替代机会。 旋律分析： 探讨原旋律是如何与和声完美契合的，以及即兴时如何“绕开”或“强调”这些关键音。 风格化处理： 针对同一首曲目，演示如何用略带波萨诺瓦（Bossa Nova）的节奏来处理，或如何用更硬核（Hard Bop）的和声色彩来演奏。 2. 演奏的连贯性与对话： 爵士乐是即时的对话。本章指导如何在与贝斯手和鼓手合作时，保持音乐上的“倾听”与“回应”。学习如何利用动态变化（Dynamics）和触键力度（Articulation）来增强音乐的感染力。 结论：走向成熟的演奏家 本书的最终目标是培养具有独立思考能力的爵士钢琴家。我们提供工具，但演奏者必须通过大量的实践、聆听和内化，最终找到属于自己的声音。学习爵士乐是一场无止境的旅程，而本书提供的理论框架和实践方法，将确保您的每一步都建立在坚实而充满创造力的基础上。 （本书附赠的配套音频资源包含所有示范练习、和弦进行示例以及伴奏音轨，以便学习者进行实时的即兴练习。）

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**评价一：爵士乐学习者的福音！** 这本书的出现简直是为我这种努力想要深入爵士钢琴世界的学习者打开了一扇全新的大门。我之前尝试过好几本教材，总是觉得要么理论讲得过于晦涩，要么练习曲脱离实际，根本无法真正应用于即兴演奏中。但这本书完全不同，它非常系统地梳理了爵士乐的和声基础，从最基本的和弦结构到复杂的延伸音，讲解得深入浅出，逻辑性极强。最让我惊喜的是，它不仅仅停留在“是什么”，更注重“怎么做”。每当你学完一个和声概念，紧接着就会有一系列专门针对该概念设计的练习，这些练习并非枯燥的琶音或音阶重复，而是模拟了真实爵士乐中的和声进行和和弦替代，这对于建立我的“和声耳朵”至关重要。我特别喜欢它对“和弦色彩”的细致区分，比如如何区分一个大七和弦在不同语境下应有的情绪变化。CD的配合使用简直是神来之笔，提供的伴奏音轨质量极高，听起来就像是真正的爵士三重奏在为你伴奏，这让我在练习即兴旋律时，能够立刻感受到自己演奏的“爵士味”是否到位，而不是仅仅停留在技术层面。这本书的深度和实践性，让它成为了我案头必备的工具书，每一次翻阅都能发现新的理解和进步空间。

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**评价五：从“知道”到“做到”的桥梁，对即兴者意义非凡** 对于那些已经掌握了基础和弦，但总感觉自己的即兴演奏停留在“音阶堆砌”阶段的学习者来说，这本书提供了一种急需的范式转移。它没有沉溺于展示多少种令人眼花缭乱的指法或琶音模式，而是聚焦于“如何利用和声的张力与释放来构建乐句”。书中关于“和弦功能替换”的讲解，是我目前见过最清晰的。它解释了为什么在某个特定的调性色彩下，我们倾向于选择降九音或升五音来制造“惊喜感”，而不是简单地告诉你“这里该用什么音”。这种对“音乐动机”背后的逻辑探索，极大地解放了我的即兴思路。我不再需要去硬背无数的“模板”，而是理解了背后的“驱动力”。这本书教会我的不是弹什么，而是“为什么这么弹会更好听”。它要求你不断地问自己“我希望听众听到什么感觉？”，然后提供给你相应的技术工具去实现这个感觉。这是一部真正意义上的“思维指南”，而非简单的“指法手册”。

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**评价四：录音质量与教学辅助的完美结合** 我们都知道，爵士乐学习中，听力训练的重要性怎么强调都不为过。这本书附带的CD质量，可以说是物超所值。许多教材的伴奏听起来总是很“干巴巴”，仿佛是程序生成的，缺乏真实乐队的互动感和呼吸感。然而，这里的录音层次分明，鼓点的律动、贝斯的行走线条、以及第二钢琴的示范性伴奏，都处理得非常自然且专业。这使得在学习“左手Walking Bassline”或“和弦律动”时，我能清晰地辨识出不同乐器是如何相互作用的。更棒的是，CD中经常包含“慢速示范”和“完整速度示范”，对于那些复杂的节奏型，慢速版本为我提供了足够的缓冲时间去准确模仿那些精妙的切分和重音处理。这种“看谱、听录音、模仿、再对照”的学习闭环，极大地提高了我的学习效率和准确度，让我能更早地将书本上的静态知识转化为动态的音乐表现力。

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**评价三：打破常规思维定式的绝佳资源** 这本书最令人赞叹的一点，在于它成功地将“技术训练”和“音乐思维”进行了无缝对接。市面上很多教材专注于前者，教你如何快速地弹奏复杂的音型；而另一些则侧重后者，但往往忽略了实际操作层面的可行性。这本书却巧妙地找到了平衡点。例如，当它介绍到关于“色彩和弦”的使用时，它不仅列出了音符组合，还用极具洞察力的文字描述了这些和弦在听感上会带来的“空间感”和“色彩倾向”。这种描述极大地帮助我从一个单纯的“钢琴演奏者”转变为一个“爵士音乐家”，开始思考我弹奏的每一个音符在整体织体中扮演的角色。我尤其欣赏其中关于“对位法”和“节奏分解”的章节，它们强迫我去打破以往习惯性的固定节奏模式，尝试在左手和声进行中植入更复杂的切分和错位，从而让伴奏听起来更有活力，更具“摇摆感”。这本书绝对不是用来“浏览”的，而是需要你停下来，反复思考，甚至在琴上做大量的“听力实验”才能真正领悟其精髓。

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**评价二：结构严谨，但需配合强大自律** 坦白说，这本书的编排方式非常学院派，它追求的是一种近乎严苛的逻辑性和完整性。如果你期待的是一本“快速入门”或“速成秘籍”，那么你可能会感到有些吃力。它要求学习者必须对基础乐理有扎实的认知，否则在进入中后期的“和声外衣”和“功能替代”章节时，会感到吃力不讨好。我个人的体验是，这本书的知识点密度非常高，每一页都塞满了需要消化吸收的内容。它不会像有些流行教材那样，用大量的图文并茂的“故事”来分散你的注意力，而是直击核心，用清晰的记谱和严谨的文字直述原理。这种做法的优点是效率极高，能确保你学到的知识点都是经过时间检验的经典理论；但缺点是，它对学习者的自我驱动力要求很高。你必须主动去探究每一个例子背后的深层含义，去反复聆听CD中那些微妙的节奏变化和律动感。对我来说，这更像是一部“爵士钢琴的宪法”——它提供了最坚固的框架，但要如何用这个框架去构建出你独一无二的音乐大厦，则完全取决于你投入的时间和精力。

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