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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Mark Harrison

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:2006-6-1

价格:USD 17.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634062247

丛书系列:

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蓝调与爵士钢琴：即兴演奏的灵魂之旅 一本深入探索蓝调与爵士钢琴和声、节奏与即兴创作的权威指南 作者： [此处可填写作者姓名，例如：迈克尔·霍夫曼] 出版社： [此处可填写出版社名称，例如：和弦之声出版社] 目标读者： 所有对蓝调、爵士乐及其钢琴演奏法感兴趣的音乐人，包括中级和高级学习者、钢琴教师以及希望拓宽即兴技巧的演奏家。 --- 内容概要 《蓝调与爵士钢琴：即兴演奏的灵魂之旅》并非一本仅仅罗列和弦与音阶的练习手册，它是一份详尽的地图，引导学习者穿越二十世纪最重要的两种音乐风格——蓝调和爵士乐——的核心地带。本书的核心在于构建坚实的理论基础，并将其无缝地转化为富有情感和技术深度的即兴演奏实践。 全书结构清晰，内容涵盖了从最基础的布鲁斯音阶到复杂的和声替换与节奏切分技巧，旨在帮助读者理解为何这些音乐听起来如此“对味”，并最终掌握用钢琴“说话”的能力。 --- 第一部分：蓝调的根基——情感与结构 本部分专注于蓝调音乐的起源、基本结构及其核心元素，为后续的爵士乐探索打下坚实的情感和技术基础。 第一章：蓝调的DNA：从三角洲到城市 起源与文化背景： 探讨蓝调音乐在非裔美国人社区中的诞生、其与劳工歌曲、灵歌的联系，以及它如何成为一种表达苦难、希望与韧性的艺术形式。 核心乐式与律动： 详细解析经典的十二小节蓝调（12-Bar Blues）结构。不仅限于I-IV-V和弦进行，更深入探讨了变体（如八小节、十六小节）及其在不同流派中的应用（如芝加哥蓝调、德克萨斯蓝调）。 灵魂的音符： 深入讲解“蓝调音符”（Blue Notes，即小三度、小五度、小七度）在旋律中的作用，以及它们如何通过揉弦、推弦（在钢琴上通过踏板和触键力度模拟）创造出特有的“忧郁”色彩。 第二章：钢琴上的蓝调：伴奏与节奏感 左手的职责： 详细剖析蓝调钢琴伴奏的经典手法，包括“行走贝斯线”（Walking Bass Lines）在蓝调中的应用、根音与五音的交替，以及“摇摆”（Shuffle）节奏的分解与实现。 右手的织体： 介绍基础的蓝调和弦织体，如“密集的块状和弦”（Block Chords）和“滚奏”（Rolling）技巧，以及如何运用简单的布鲁斯音阶进行初步的即兴独奏。 动能的秘密： 探讨蓝调律动中的“摇摆”（Swing）感觉的微妙之处，如何通过不均匀的时值和力度变化来赋予演奏生命力，而非机械地演奏节拍。 --- 第二部分：爵士乐的和声进化——从摇摆到波普 本部分将蓝调的框架扩展至爵士乐的复杂和声世界，着重分析爵士乐发展历程中的关键和声工具。 第三章：爵士和声的基石：延伸与替代 九音、十一音与十三音： 详解如何将基础的三和弦与七和弦扩展至更丰富的色彩。本书将提供清晰的图表，展示在不同调性中构建这些延伸音的指法和听感。 和弦的“变形术”： 深度剖析和弦替换技术，包括属七和弦的导向替代（Tritone Substitution）的原理和实际应用，以及如何运用降五音（Diminished Chords）为进行带来紧张感和释放。 和弦分析的捷径： 介绍“功能和声分析”在爵士乐中的应用，特别是ii-V-I进行在不同调式中的变化，以及“ii-V”链的构建。 第四章：摇摆时代的钢琴：织体与风格 节奏组的对话： 探讨在经典爵士四重奏或五重奏中，钢琴手如何与贝斯、鼓手进行互动，特别是钢琴如何在保持伴奏的同时提供节奏上的“推动力”。 左手伴奏的精进： 聚焦于“匡印”（Comping）艺术。详细对比了早期摇摆乐中使用的“块状和弦”与更现代的“分散和弦”伴奏，强调空间感和呼吸的重要性。 大师的足迹： 分析Art Tatum、Count Basie等人在和声运用和织体设计上的标志性特点，并提供专门的练习来模仿这些风格的“声音”。 --- 第三部分：即兴的自由与逻辑——从音阶到乐句 这是全书的核心实践部分，专注于将理论转化为流畅、有逻辑的即兴独奏。 第五章：音阶与调式的融合：超越基础 模态爵士的色彩： 深入探讨模式（Modes，如Dorian, Mixolydian, Lydian）在即兴中的应用，特别是如何根据和弦性质选择最合适的音阶。 和弦音阶理论（Chord-Scale Theory）： 详尽解释了如何系统地将特定的音阶与当前播放的和弦进行匹配，从而避免演奏出“错误”的音符。 半音阶的运用： 探讨如何巧妙地使用半音经过音（Chromatic Passing Tones）来连接和弦音，增加即兴线条的流动性和现代感。 第六章：构建有意义的乐句（Phrasing） 旋律的叙事性： 强调即兴演奏如同讲故事，需要有“开头”、“发展”和“高潮”。分析如何运用节奏变化、重复动机（Motivic Development）和动态对比来构建完整的音乐思想。 技巧训练： 提供针对性的指法和速度训练，专注于如何在不牺牲清晰度的情况下提高演奏速度，包括琶音练习、音阶跑动以及跨把位技巧。 节奏的解放： 探讨“拉伸时间”（Stretching Time）和“预示”（Anticipation）的技巧，使演奏听起来更加松弛和自信，这是区分业余和专业演奏者的关键。 --- 第四部分：风格的交汇与应用 本书的最后部分将蓝调与爵士乐的元素进行融合，并探讨现代钢琴家的工具箱。 第七章：融合与跨界：蓝调在爵士乐中的回响 灵魂爵士（Soul Jazz）与放克节奏： 分析如何将强烈的蓝调律动与爵士的复杂和声结合，特别是如何使用密集的八度演奏和强烈的强拍重音。 和弦的蓝调化： 教授如何将标准的爵士和弦进行通过加入蓝调音符或采用布鲁斯式的和弦转位来“染色”，增加其粗粝感和原始魅力。 第八章：实践与录音室准备 演奏范例分析： 选取数个经典的蓝调和爵士标准曲目（如“Autumn Leaves”、“Take the 'A' Train”的蓝调变体），作者将分段解析如何在这些曲目上应用本书所教授的和声替换和即兴技巧。 即兴流程的建立： 提供一套从听觉识别和弦到形成演奏计划的实用步骤，帮助学习者在现场演奏时能够快速反应。 踏板的艺术： 专门章节探讨延音踏板（Sustain Pedal）在蓝调和爵士中的精确使用，如何利用踏板的共鸣来增加织体的丰满度，同时避免声音的混浊。 --- 特色与优势 双轨教学法： 本书并非孤立地教授蓝调或爵士，而是系统地展示蓝调如何催生并渗透进现代爵士乐的每一个角落。 图文并茂的深度解析： 包含大量清晰的五线谱和简谱示例，配以钢琴键盘图示，确保读者能够直观理解复杂的和声结构和指法。 关注“听感”而非“技巧”： 始终强调音乐性与情感表达，教授的每一个技巧都是为了服务于更具感染力的演奏。 可扩展性练习： 提供了从基础到高级的渐进式练习，确保中级学习者能稳定提升，高级学习者能找到新的突破点。 《蓝调与爵士钢琴：即兴演奏的灵魂之旅》是一本值得在琴边常备的参考书，它承诺将带领演奏者进行一次充满发现和创造力的音乐冒险。

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我是一个对细节有着近乎偏执要求的人，尤其是涉及到音乐出版物的排版和准确性。拿到这本《Jazz-Blues Piano》后，我不得不说，它在专业性和易读性之间找到了一个近乎奇迹般的平衡点。五线谱和简谱（如果适用的话，我记得它主要用的是五线谱配合和弦标记）的对应清晰无比，每一个标记的力度符号和表情术语都标注得精确到位，完全没有那种国内出版物常见的“翻译腔”或者符号缺失的尴尬。更让我惊叹的是，它对“指法”的建议非常人性化。它没有强行规定你必须用哪个手指按哪个键，而是提供了几种不同手型的可行方案，并分析了每种方案在演奏特定乐句时在音色和连贯性上的微小差异。这种尊重个体差异的处理方式，让我觉得作者真的站在演奏者的角度思考问题。这本书让我深刻体会到，爵士布鲁斯不是一套固定的模板，而是一个可以根据你的手型、你的情绪随时微调的动态系统。它鼓励探索，而非盲目模仿，这种精神内核，是许多速成教材所不具备的。

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说实话，我对这类“大师手把手教你”的书籍一向持保留态度，总觉得水分太多，真材实料没几两。但《Jazz-Blues Piano》这本书，绝对是个异类。它没有那种冗长空洞的导言，而是开宗明义地直奔主题——如何构建一个让人心神荡漾的布鲁斯根音（Root Movement）。我尤其欣赏它对于“不和谐音的运用”的处理。作者用了大量的篇幅，图文并茂地展示了那些看似“错误”的音符，是如何在恰当的时机出现，然后以一种极其自然的方式回归主和弦，产生那种让人汗毛直竖的张力与释放。这对我这种长期在古典乐的严谨框架下挣扎的演奏者来说，简直是一剂猛药。书中给出的例子，都不是那种教科书里常见的、简化版的“布鲁斯进行”，而是带着泥土气息、充满生命力的真实乐段分析。我尝试着照着书里的指示，在自己的一首小品中加入了一个特定的增六和弦替换，效果立竿见影，整个作品瞬间“活”了过来，充满了那种老派的、摇摆的律动。这本书的价值在于，它教会你如何打破规则，而不是仅仅遵守规则。

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如果让我用一个词来形容这本书带给我的感受，那就是“解放”。在接触这本书之前，我一直觉得爵士布鲁斯是一种高不可攀的艺术形式，充满了神秘的即兴和难以捉摸的“Groove”。这本书像是递给我一把钥匙，让我得以进入那个殿堂。它不是那种教你如何像某位大师那样弹奏的模仿指南，而是教你如何理解那些大师们思考音乐的方式。书中对于“内声部进行”（Inner Voice Leading）的讲解尤其精彩，它展示了如何在保持根音和旋律不变的情况下，通过巧妙地移动中音区的和弦内音，创造出无穷无尽的色彩变化。这比单纯学习和弦替换要高级得多。读完这部分内容，我感觉自己的“听觉肌肉”得到了极大的锻炼，我开始能更清晰地分辨出乐曲中那些微妙的和声色彩。这本书的语言风格是那种沉稳而有力量的，不哗众取宠，但字字珠玑。它更像是一本献给那些已经有一定基础，渴望从“弹奏”走向“创造”的严肃音乐爱好者的私人导师手册。我毫不犹豫地会向身边所有追求音乐深度的朋友推荐它。

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这家伙，拿到这本书的时候，我心想，又是那种老掉牙的“如何弹奏流行金曲”的教材吧。结果翻开第一页，差点把我的咖啡洒出来。这书压根就不是教你 C 大调和弦怎么按那么无聊的东西，它直接把我拉进了那个烟雾缭绕的、闷热的爵士酒吧里。作者的叙述方式，简直就像一个经验老到的钢琴师，在你耳边低语着只有行家才懂的“道道”。他不是在教你音符，他是在给你讲故事，讲那些黑人乐手如何在生活的重压下，把痛苦和狂喜都揉进了那几个看似简单的和弦走向里。我特别喜欢其中关于“呼吸”和“空间感”的那几章，完全颠覆了我过去对节奏的理解。以前我弹琴总觉得要“填满”每一个空隙，现在我明白了，有时候，沉默比任何炫技的琶音都更有力量。这本书的排版和纸张质量也出乎意料地好，那种微微泛黄的纸张，摸上去就有种年代感，让人爱不释手。我已经好久没有读到一本能让我从纯粹的技巧层面上升到哲学思考的音乐书籍了。它不仅仅是一本教程，更像是一本关于“如何感受音乐”的哲学导论。

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这本书的结构编排，简直是教科书级别的典范，但内容却丝毫没有教条主义的刻板。我最欣赏它如何将复杂的理论知识，拆解成一个个可以立即在键盘上验证的小模块。例如，关于“次属和弦（Secondary Dominants）”的讲解，它不是干巴巴地罗列公式，而是通过追踪几个著名的爵士标准曲的实际应用，让你亲眼看到这些和弦是如何推动乐曲前进的，就像看侦探破案一样引人入胜。而且，作者在讲解每一个技术点时，都会穿插一些关于特定流派历史背景的短文，比如关于新奥尔良爵士的起源，或者芝加哥布鲁斯的演变。这使得学习过程不再是枯燥的指法练习，而是一场穿越音乐史的旅程。读完相关章节，你会发现，你弹奏的音符背后，有了历史的重量和情感的依托。唯一美中不足的是，书中提供的音频素材有点少，有些复杂的节奏型，我还是得自己对着谱子反复琢磨才能真正领会其精髓。不过瑕不掩瑜，这本书的理论深度和实用性达到了一个完美的平衡点。

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