戦場のメリークリスマス オリジナル・コピー・バージョン/イージー・プレイ・バージョン収録 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:ケイ・エム・ピー

作者:[日] 坂本龙一

出品人:

页数:12P

译者:

出版时间:2006年10月

价格:525円

装帧:

isbn号码:9784773216424

丛书系列:

图书标签:

• 圣诞节
• 战争
• 音乐
• 钢琴谱
• 易于演奏
• 原版
• 圣诞颂歌
• 日本音乐
• 合唱
• 圣诞歌曲

电影原声的深度探索：解析大卫·鲍伊与坂本龙一的音乐交织 本书聚焦于一部享誉全球的经典电影及其配乐，旨在深入剖析其艺术成就、时代背景以及对后世音乐创作的深远影响。我们所探讨的，是那些超越了单纯背景音效范畴、升华为独立艺术品的电影音乐作品。 第一章：时代的挽歌与和声的冲突 本章将细致考察影片诞生的历史语境。1980年代初，全球地缘政治局势微妙，冷战的阴影与后殖民主义的反思交织在一起。影片的叙事核心，即东西方文化、军事理念与个人情感的激烈碰撞，正是那个时代精神的缩影。我们将分析剧本的结构，特别是如何通过对身份认同、荣誉准则与人性救赎的探讨，为音乐的介入搭建了情感基石。 紧接着，我们将转向音乐的两位核心创作者——大卫·鲍伊（David Bowie）与坂本龙一（Ryuichi Sakamoto）。不同于传统的好莱坞模式，本片配乐的创作体现了一种跨越大陆的对话。鲍伊，作为一位视觉和听觉上的先锋艺术家，他的音乐哲学植根于前卫摇滚、电子实验和对流行文化的解构。而坂本龙一，则代表了日本对古典音乐训练的现代演绎，其作品中蕴含着对极简主义、传统日本音阶的精妙融合。 我们详细梳理了他们各自在影片中承担的角色。鲍伊贡献的几首关键歌曲，例如那首标志性的主题曲的歌词与旋律，是如何精准捕捉到角色内心深处的挣扎、对自由的渴望以及对既定秩序的疏离感。这些歌曲并非简单的插入，而是作为叙事本身的延伸，用现代的声响揭示了历史的荒谬。 第二章：坂本龙一的钢琴叙事：极简主义的力量 本章将集中火力分析坂本龙一的器乐配乐，特别是其对钢琴的偏爱与运用。坂本先生的配乐哲学，拒绝好莱坞式的过度渲染，转而采用一种近乎冷峻的克制。 我们首先分析主旋律的构成。它异常简洁，却拥有极强的辨识度。这种简洁性并非源于创作的懒惰，而是对“留白”艺术的深刻理解。在描述极端暴力与情感张力时，音乐没有选择激烈的管弦乐堆砌，而是通过重复、微妙的和声变化和音高的精确控制，营造出一种令人窒息的压抑感与宿命感。这种处理方式，与影片中刻意营造的东方美学中的“侘寂”（Wabi-sabi）精神高度契合——在残缺与不完美中发现永恒的美。 我们对比了不同场景下钢琴的表现：在描绘军队生活时的行进感与机械性；在展现两位主角间微妙的、基于理解而非认同的尊重时的温暖与脆弱；以及在高潮部分，音乐如何从单一的钢琴旋律逐渐扩展到弦乐的加入，象征着个人情感对宏大叙事的突破。 第三章：电子乐的幽灵与音景的构建 电影配乐的另一个关键元素是电子音乐的使用。在1980年代中期，电子合成器已经成熟，但将其用于这种严肃题材的史诗电影，仍是一次大胆的尝试。 本章探讨了合成器音色（Timbre）的选择。它们常常被用来模拟机械的噪音、军号的回响，或是营造一种非自然的、疏离的氛围。这与影片中展现的，是技术进步与人道主义精神背道而驰的悖论形成了互文关系。电子音效的加入，使得整个音景显得既具有时代感，又带有超越时间的未来主义色彩，暗示了无论时代如何变迁，人性中的冲突与美丽始终存在。 我们还分析了音效设计与音乐的协同作用。在一些关键的蒙太奇段落中，音乐与环境声（如风声、船只的引擎声、遥远的号角）是如何交织在一起，共同构建出一种沉浸式的、几乎是幻觉般的听觉体验。 第四章：改编与再创作：主题的生命力 任何经典乐谱都会面临被重新诠释的命运。本章将探讨这部配乐在发行后的广泛影响，以及它如何通过不同的演绎版本保持其生命力。 配乐的成功，在于其主题旋律的普适性。它既可以被演绎成宏大的交响乐版本，展现其古典的根基；也可以被重构为更具流行色彩的版本，突出其情感的感染力。我们讨论了配乐中几个标志性主题在不同乐器组（如大提琴、小提琴独奏、管乐合奏）之间转换时，其核心情感内核如何得以保持。 此外，我们也考察了这部作品对后来的电影作曲家的启示。它证明了在宏大叙事中，克制往往胜过喧哗；它确立了电子元素与传统器乐在电影配乐中完美共存的可能性，为90年代及以后许多探讨历史、战争与身份认同的影片提供了重要的美学参考。 通过对历史背景、创作者理念、具体音乐技术以及后续影响的全面剖析，本书旨在提供一个多维度、高密度的分析框架，帮助读者超越对旋律的简单喜爱，进入理解其作为一部独立艺术作品的深度与广度。它不仅仅是电影的附属品，更是一部关于跨文化理解与个体精神自由的音乐宣言。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

对于热衷于收藏和研究电影配乐历史的人来说，这本乐谱的文献价值也是不可忽视的。它不仅仅是“怎么弹”的指南，更像是一份“它曾经是什么样”的记录。我常常会对着那张原版乐谱，想象着当年电影制作的背景，以及坂本龙一创作时的心境。不同的版本收录在一起，本身就构成了一种对比研究的样本。通过比较，我们可以清晰地看到音乐创作者如何根据不同的市场需求或演奏者的能力限制，对同一首作品进行“转译”和“重构”。这种并置的呈现方式，让这本乐谱超越了一般的演奏辅助工具，成为了一份具有学术参考价值的音乐出版物。它提醒着我们，即便是被奉为经典的音乐作品，也总是在流动的过程中，不断适应着新的听众和演奏者。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本合集，最大的驱动力是那个“イージー・プレイ・バージョン”的存在。作为一个工作繁忙的业余钢琴爱好者，我深知原版的复杂性，它对指法、踏板控制以及情感表达的要求极高，常常让人望而却步。所以，当看到“简易版”的出现时，我简直欣喜若狂，这简直是为我这种“心有余而力不足”的群体打开了一扇通往天堂的门。我迫不及待地试弹了几段，发现它在保证了主旋律辨识度的同时，巧妙地简化了复杂的伴奏织体和不规则的节奏型。这使得原本大气磅礴的乐章变得更加亲民和悦耳，即使是基础稍弱的演奏者也能在短时间内享受到演奏《Merry Christmas, Mr. Lawrence》的乐趣。这种照顾到不同水平演奏者的用心，是很多严肃的专业乐谱集所欠缺的，它让音乐的魅力不再是少数精英的专利，而是可以被更广泛的人群所拥抱和体验。

评分☆☆☆☆☆

翻阅这本乐谱的装帧设计，我立刻感受到了一种沉静而有力的美学。封面的设计虽然没有过多花哨的装饰，但那种克制而富有力量感的排版，与电影本身的基调完美契合。纸张的质感也相当不错，厚实且不易反光，长时间阅读和练习时对手部和眼部都非常友好。更值得称赞的是，内部的印刷清晰度无可挑剔，无论是五线谱还是指法标注，线条都锐利分明，这在进行快速阅读和复杂乐段练习时至关重要。我记得有一次我在昏暗的灯光下练习，那些原本可能模糊不清的低音区的音符，在这本谱子上依然能一目了然，极大地提升了练习效率和准确性。这不仅仅是一本功能性的工具书，它在物理层面上也体现了对演奏者体验的尊重和对艺术作品的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

从演奏实践的角度来看，这本书的价值体现在其对“可操作性”的平衡上。如果仅仅是追求原版的忠实再现，那可能过于艰涩；如果过于简化，则会丧失原作的灵魂。但这本书的巧妙之处在于，它似乎在两个极端之间找到了一个完美的交汇点。我发现，即便是简易版，作者也保留了关键的“切入点”——那些记忆点极强的旋律动机和和声走向，只是将演奏难度集中在了双手协调和踏板的运用上。而原版部分，则提供了足够的“自由发挥”空间，比如一些细微的力度变化和时值处理，鼓励演奏者去探索个人理解。这种双轨制的设计，使得我可以先用简易版建立起对曲子的熟悉度和自信心，然后再逐步向更精细化的原版发起挑战，形成了一个循序渐进的学习路径，非常科学和人性化。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是为所有热爱那部经典电影音乐的演奏者量身定制的宝藏。光是看到“オリジナル・コピー・バージョン”这个标题，我的心就忍不住砰砰直跳。我一直梦想着能亲手触碰到那些音符，还原坂本龙一那穿越时空、带着深深的哀伤与宏大叙事的旋律。拿到实体书的那一刻，我立刻翻阅了那些复杂的记谱，细腻的表情记号和速度指示，仿佛能听见当年录音棚里每一个细微的调整和斟酌。对于那些追求原汁原味、想要挑战自己技艺的乐手来说，这简直是圣经般的存在。它不仅仅是简单地记录了旋律，更是试图将电影配乐那种史诗般的层次感和情感的张力，完整地“翻译”成可以被演奏出来的语言。我特别欣赏它在和声处理上的严谨性，那些看似简单却极富张力的和弦进行，通过精确的谱面展现出来，让人不得不佩服原作者的功力，也让我对自己的演奏能力有了更高的要求和更明确的目标。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆