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出版者:江苏苏州大学

作者:王伟明，赵丁丁著

出品人:

页数:369

译者:

出版时间:2007-1

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787810907927

丛书系列:

图书标签:

• 广告
• 广告设计
• 视觉传达
• 平面设计
• 品牌推广
• 创意
• 营销
• 排版
• 色彩
• 图像处理
• 设计原则

《色彩的语言：视觉营销的艺术与科学》 在这本深入探索视觉传达奥秘的著作中，我们不仅仅是探讨“广告视觉设计”这一具体领域，而是将目光放得更远，触及一切以视觉方式传递信息、影响认知、激发情感的领域。这本书将带你进入一个全新的维度，理解色彩、形状、构图、排版以及光影是如何协同工作，塑造我们的感知，并最终驱动行为。 第一章：视觉的基石——感知心理学与色彩理论的融合 我们将从人类视觉感知的基本原理出发，揭示大脑如何处理视觉信息。色彩不再仅仅是颜料的混合，而是具有强大心理暗示和情感联结的符号。本书将深入剖析色彩的三要素——色相、饱和度、明度——如何在不同的文化语境和心理模型下产生截然不同的影响。你将学习到： 色彩心理学核心： 了解不同颜色如何引发特定的情感反应，如红色代表激情与警告，蓝色象征平静与信任，黄色唤起愉悦与注意。 色彩和谐与对比： 掌握色彩搭配的原则，如何运用对比和协调创造视觉吸引力，以及如何避免色彩的冲突和干扰。 色彩在不同文化中的意义： 探索色彩在东西方文化中可能存在的差异化解读，以及如何在跨文化传播中运用色彩。 视觉感知机制： 了解人眼如何聚焦、如何感知运动、如何识别形状，以及这些机制如何被视觉设计所利用。 第二章：形态的力量——形状、线条与构图的叙事 形状和线条是构成视觉元素的骨架。它们不仅仅是几何的构造，更是承载意义和引导视线的关键。本书将带领你解构不同形状和线条所蕴含的动态与静态、力量与柔弱，以及它们如何组合形成富有张力的构图。你将发现： 几何形状的情感语言： 方形代表稳定与秩序，圆形传递和谐与圆满，三角形则蕴含力量与方向感。 线条的引导与节奏： 直线、曲线、折线如何引导观者的视线，制造速度感、流动感或静止感。 构图的黄金法则与视觉重心： 学习三分法、黄金分割等经典构图原则，以及如何通过元素的大小、位置、色彩对比来确立视觉焦点。 负空间（留白）的妙用： 理解“无”的艺术，负空间如何在视觉设计中增强清晰度、提升品质感，并突出主体。 第三章：文字的灵魂——排版艺术的精妙与意义 文字是信息传递的核心载体，而排版则是赋予文字生命和灵魂的关键。本书将超越简单的字体选择，深入探讨排版设计如何影响阅读体验、传递品牌个性，并最终构建整体视觉风格。你将掌握： 字体家族的性格： 衬线体、无衬线体、手写体、装饰体等不同字体风格所传达的独特气质与适用场景。 字号、行距、字间距的科学： 理解这些参数如何影响文本的可读性、视觉韵律和信息层级。 对齐与网格系统的秩序： 学习如何运用对齐方式和网格系统来创造整洁、专业且具有逻辑性的页面布局。 文字与图像的协同： 探索文字如何与图像相互呼应、相互补充，形成更具冲击力的叙事。 第四章：光影的魔法——明暗对比与视觉层次 光与影的 interplay 是塑造空间感、强调重点、营造氛围的强大工具。本书将揭示如何在设计中巧妙运用光影，创造出引人入胜的视觉深度和立体感。你将学习： 高光与阴影的塑形作用： 如何通过模拟自然光照来赋予设计对象立体感和质感。 明暗对比的视觉引导： 利用高对比区域吸引观者目光，突出重要信息。 柔和与强烈的光影效果： 探讨不同光影处理方式所能营造的氛围，如梦幻、写实、戏剧性等。 光影在不同材质表现中的应用： 如何通过光影来表现金属的光泽、布料的柔软、木材的纹理等。 第五章：整体的和谐——风格、趋势与品牌识别 在掌握了各项视觉元素的基本原理后，本书将引导你走向更高层次的综合运用，探讨如何通过统一的风格、紧随潮流的设计以及对品牌精神的深刻理解，创造出独具辨识度和影响力的视觉作品。你将领略： 识别不同的视觉风格： 从现代简约到复古怀旧，从波普艺术到扁平化设计，了解并区分各种主流视觉风格。 把握设计趋势的脉搏： 如何分析当下的设计潮流，并将其与自身需求相结合，创造出既有时代感又不失个性的作品。 构建强大的品牌视觉识别系统： 学习如何通过一致的视觉语言，将品牌的核心价值和个性传递给受众。 跨媒介的视觉一致性： 探讨如何在不同媒介（印刷、数字、视频等）上保持统一的品牌视觉形象。 《色彩的语言：视觉营销的艺术与科学》不仅仅是一本关于“看”的书，更是一本关于“理解”和“运用”的书。它将为你打开一扇通往视觉世界的大门，让你从一个被动的接收者，转变为一个主动的创造者。无论你是设计师、市场营销人员、品牌管理者，还是任何对视觉传达充满好奇的人，这本书都将为你提供一套系统性的知识体系和丰富的实践指导，帮助你在纷繁复杂的视觉信息海洋中，精准地捕捉、创造并传递有力量的视觉讯息。

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这本书的叙事节奏非常流畅，尤其在介绍那些经典的设计案例时，作者采用了类似纪录片的手法，非常引人入胜。它不是那种枯燥的案例罗列，而是围绕着一个核心的“设计挑战”，层层剥茧，展示了设计师从最初的草图构思，到媒介选择，再到最终媒介呈现的全过程。我特别喜欢其中对“历史回溯”的处理，比如作者在分析某个战后时期的平面作品时，会立刻穿插介绍当时的技术限制和社会思潮，这种多维度的解读，让每一个设计决策都显得不再是孤立的，而是历史和现实交织的产物。这种叙事方式极大地拓宽了我的视野，让我意识到，优秀的设计从来不是空中楼阁，而是对时代语境最精准的回应。读起来一点都不费力，仿佛跟着一位经验丰富的策展人一起在参观一个宏大的设计博物馆，每件展品都有其独一无二的故事。

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初读这本《设计哲学与人类感知》，我最大的感受是作者对于“观看”行为的解构和重建，其深度远超出了我原先的预期。它没有直接堆砌具体的软件操作技巧或者最新的设计潮流，而是沉浸在现象学和认知心理学的框架下，探讨人类是如何处理和解读视觉信息的。作者用了大量的篇幅去分析格式塔原理在当代商业语境中的演变，但重点不在于“如何使用”，而在于“为什么有效”。比如，书中关于“负空间”的探讨，不再是简单的构图技巧，而是上升到了哲学层面，讨论了“留白”如何构建意义的缺失与期待，这对我以往那种功利性的设计思维是一个巨大的冲击。读完关于色彩心理学的那一章，我感觉自己像经历了一次深度的“视觉清洗”，重新审视了那些每天都在接触的符号和标识。这本书更像是一本高阶的“思维训练手册”，它要求读者不仅仅是“看”，而是要“洞察”设计背后的底层逻辑。

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这本书的装帧设计实在令人眼前一亮，封面采用了哑光材质，触感细腻，中央的烫金字体“光影的魔术”在灯光下熠熠生辉，散发着一种低调的奢华感。内页纸张选择也很考究，那种略带米黄色的特种纸张，不仅保护了读者的视力，也让书中那些精美的插图和案例分析显得格外有质感。我尤其欣赏作者在排版上的匠心独运，章节的过渡页并非简单的留白，而是用一些抽象的几何图形和柔和的渐变色块进行巧妙衔接，这本身就像是一场无声的视觉引导课。它不是那种硬邦邦的教科书，更像是一本精心策划的艺术品集。阅读过程中，我常常会不自觉地停下来，去研究那些细节处理，比如图注是如何精准地嵌入到图像边缘，或者旁边的引言是如何用一种近乎手写的字体呈现，这一切都透露出一种对“视觉”本身深刻理解和尊重。这本书的物理形态，已经替它本身的内容做了一次最好的“预告”和“包装”，让人在翻开之前，就已经被它所营造的专业氛围深深吸引住了。

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这本书的篇章结构安排得极为精妙，它似乎有意地采用了“螺旋上升”的学习路径。前几章主要建立基础的概念框架，语言相对严谨学术化，读起来需要较高的专注度。但当读者适应了这种节奏后，中后期的内容，比如关于“动态叙事”和“跨媒介体验”的探讨，则突然变得生动而富有未来感。作者巧妙地将理论融入到前沿技术的讨论中，例如，如何用新兴的交互界面语言来表达传统的设计理念，这种前瞻性令人振奋。我发现，很多我原以为是“新近”的行业趋势，在书中都能找到其理论溯源和发展脉络，这提供了一种稳定感，不至于让人在快速变化的技术浪潮中迷失方向。它既能满足一个理论家的求知欲，也能点燃一个实践者的创新火花，平衡得恰到好处。

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我发现这本书在处理“设计伦理”和“社会责任”的部分处理得尤其到位，这往往是很多技术导向的书籍所忽略的。作者没有回避设计在信息传播中可能带来的偏见和误导，而是严肃地探讨了设计师的社会角色。书中提出的一些反思，比如“视觉符号的权力边界在哪里？”或者“我们是否过度依赖即时满足的视觉刺激？”这些问题如同警钟，促使我停下来审视自己的创作动机。对我个人而言，它提供了一个重要的锚点：技术和美学固然重要，但设计最终服务的对象是人与社会。这种对设计更深层次意义的挖掘，使得这本书的价值超越了单纯的技能提升，更像是一本帮助从业者实现职业成熟和自我定位的指南。读完后，我感觉自己对“为什么而设计”的理解更加坚实有力了。

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