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出版者:Da Capo

作者:Vladimir Simosko

出品人:

页数:200

译者:

出版时间:1979-12-01

价格:USD 13.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780306805240

丛书系列:

图书标签:

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《蓝色调的冥想：二十世纪后半叶先锋爵士乐的声景变迁》 导言：爵士乐的无限拓扑 二十世纪中叶，爵士乐如同一个高速膨胀的宇宙，在突破传统和声结构、节奏规范以及即兴哲学的边界时，迸发出了前所未有的能量。它不再仅仅是摇摆（Swing）时代的优雅舞步，也不是比波普（Bebop）的炫技狂欢，而是一种更深层次的、对存在状态的探索，一种对声音本质的解构与重建。本书将聚焦于1950年代中后期至1960年代末这段至关重要的时期，深入剖析那些推动爵士乐走向前卫（Avant-Garde）与自由（Free Jazz）核心的音乐家群像、创作理念，以及他们所处的社会文化土壤。我们将避开对特定个人作品的详尽技术分析，而是着重描摹一个宏大而复杂的艺术生态系统的形成、冲突与最终的突破。 第一章：战后都市的疏离感与声音的“野蛮生长” 二战后的美国，社会结构经历了剧烈的震荡，城市化进程加速，种族议题日益尖锐。这种内在的紧张与不安，清晰地投射到了音乐的表达之中。比波普的复杂和声已不足以承载音乐家日益高涨的表达欲。本章将探讨冷爵士（Cool Jazz）的内敛美学如何被更具爆发力的硬波普（Hard Bop）所挑战，以及硬波普中蕴含的福音、布鲁斯根源如何被重新审视，为后来的激进探索奠定情感基础。我们关注的不是某位独奏家的技巧，而是群体对“回归真实情感表达”的集体需求。 爵士乐的录音室技术也在这一时期取得了飞跃，这使得音乐家能够尝试更精细、更具实验性的声音处理。本章将审视录音作为一种新的创作媒介是如何被接纳和使用的，声音的立体感、空间感如何成为新的美学维度，为后来音乐家对音色本身的关注埋下伏笔。我们探讨的是技术如何服务于表现力的解放，而非单纯的记录。 第二章：打破框架的召唤——从“新境界”到“自由的呼吸” 1950年代末期，一些关键的音乐群体开始系统性地质疑既有的音乐语言。他们认为，即兴不应被预设的和弦进行（Changes）所束缚，节奏也不必遵循固定的拍号。这并非单纯的即兴技巧的延伸，而是一场关于音乐哲学边界的革命。本章将概述这一运动的理论基础——探讨那些影响了音乐家们对“结构”与“无结构”看法的哲学思潮，例如存在主义和对西方古典音乐传统的反思。 我们将描述音乐家们如何开始有意识地运用“非传统乐器技法”：对铜管乐器吹奏方式的极限探索、对木管乐器的啸叫与噪音化处理，以及如何将打击乐从单纯的时间标记者转变为推动音乐结构发展的核心动力。这是一种对“乐器本身发出的声音”的纯粹关注，而非其被教导的规范音高。 第三章：跨越声景的地理：东岸的激烈与西岸的沉思 爵士乐的实验精神在不同地域展现出不同的面貌。东海岸（尤其是纽约和费城）的氛围往往是高能量、高密度、充满社会批判性的，音乐语汇的冲击力极强，直接反映了城市生活中的冲突与挣扎。本章将侧重描绘在特定城市空间中孕育出的那种紧张而富有生命力的音乐对话模式。 相较之下，西海岸的探索虽然也具有先锋性，但常常融入了更内敛、更具冥想色彩的元素，或许受到东方哲学或更广阔自然景观的影响。我们将分析不同地理位置如何影响了音乐家在速度、密度和情感表达上的选择，描绘出“声音的地域性特征”这一宏大议题。我们关注的是环境如何塑造了艺术家的听觉感知和表达倾向。 第四章：合作的化学反应——小团体的互动逻辑 自由爵士的实现高度依赖于乐队成员之间的即时沟通和深刻信任。在没有既定和弦或旋律框架的情况下，一次成功的即兴演奏，实质上是一场高度复杂的、瞬间达成的集体决策过程。本章将分析这种“集体意识”的形成机制。 我们探讨的不是某位领袖的统治力，而是不同乐器声部之间如何建立起动态的、非等级化的互动关系。例如，低音提琴（Bass）如何在不提供传统根音支持的情况下，支撑起整个声场的重量；鼓手如何在不固守节拍的情况下，引导音乐的情绪流向。这些合作的“语法”是新生的，每一场现场表演都是对这种新语法的即时测试与修正。 第五章：超越音乐的维度——表演、视觉与精神的交融 到了六十年代中期，先锋爵士乐的艺术家们越来越清晰地意识到，他们的创作已经超越了纯粹的听觉体验。音乐成为了更广阔的艺术宣言的一部分，常常与诗歌朗诵、舞蹈、戏剧乃至特定的政治诉求相结合。本章将探讨这种跨媒介的趋势。 音乐不再只是背景音，而是成为了一种仪式或一种宣言。我们分析音乐家们如何利用舞台空间、灯光和身体动作来增强其音乐的内涵，使听众从被动的聆听者转变为主动的参与者或见证者。这种对整体体验的强调，标志着爵士乐彻底地融入了波普文化和反主流文化的精神内核。 结语：遗产的沉淀与无尽的回响 六十年代末，自由爵士运动在主流视野中略微退却，但其所开辟的声音维度和表达自由，已经不可逆转地改变了所有后来的音乐形态。本书旨在呈现一个时代的精神风貌：一种对既有秩序的勇敢质疑，一种对声音潜能的无畏探索。这段时期的音乐留下的，不是一套固定的“风格”，而是一种永恒的“可能性”——即音乐永远有能力以我们从未想象过的方式发出声音。这些探索至今仍在激励着无数音乐人，去聆听那些尚未被发掘的、隐藏在噪音与寂静之间的微妙界限。

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我花了很长时间才真正“进入”到这本书的语境中去，因为它有一种**反常识的逻辑结构**。作者似乎故意打乱了因果关系，让你在阅读时不断地自我修正，不断地质疑自己接收到的信息是否真实。最让我印象深刻的是他对**“沉默”**的描绘。在许多文学作品中，沉默往往是情绪的停顿，但在本书中，沉默本身成了一种**活跃的、具有侵略性的角色**。它不仅仅是没有声音，它是有重量、有形状、有气味的。有那么几页，我甚至能感受到那种沉重的、几乎要压垮页面的静默。这种写作手法，极大地考验了读者的**共情能力和想象力**，它要求你从“空无”之中去捕捉“存在”。每一次试图去定义某个角色的动机时，作者都会及时地用一个**突兀的、无关痛痒的生活细节**将其打断，留下一个巨大的问号悬在那里，久久不散。这使得整部作品充满了**后现代的解构意味**，它不提供答案，它只负责提出更精妙的问题，逼迫读者去面对自身理解的局限性。

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这本书简直是一场听觉的迷宫探险，让我感觉自己像个误入异域丛林的旅者。开篇的几页，作者就用一种近乎**意识流**的笔法，将我拽入了一个光怪陆离的世界。他似乎对传统的叙事结构嗤之以鼻，句子常常像即兴演奏那样，突然拉长、突然断裂，充满了意想不到的休止符和突兀的转调。我记得有一段描绘城市黄昏的场景，原本以为会是宁静的画面，结果笔锋一转，写到了柏油路面下涌动的电流，以及那些被霓虹灯扭曲的面孔，那种**疏离感**和**现代都市的焦虑**被刻画得入木三分。阅读的过程就像是跟着一个脾气古怪的向导，他时而指着脚下的石子讲半天哲学，时而又拉着你狂奔，全然不顾你的喘息。更让人着迷的是他对**时间感**的拿捏，过去、现在、未来仿佛不是线性的，而是像多层音轨一样叠加在一起，你常常会因为一个不经意的词汇，突然被拉回几十年前的某个场景，那种**恍惚与清醒交织**的体验，读起来非常过瘾，但也需要极高的专注力去跟上作者那跳跃的思维节奏。这本书绝不是用来“消遣”的，它更像是一种**智力上的搏击**，你必须时刻准备好应对下一次的“不和谐音”。

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我很少遇到一本书能将**哲学思辨与日常琐碎**融合得如此自然而不显得刻意。这本书的对话部分尤其精彩，人物间的交流往往是**“言不及彼”**的典范。他们似乎都在谈论天气、食物或者一些无关紧要的预约，但在这层表皮之下，涌动着的是关于存在意义、道德困境乃至宇宙终极命运的巨大暗流。作者非常高明地利用了**语言的张力边界**，让读者去捕捉那些没有被说出口的、真正重要的信息。你必须学会阅读**“空白”**，学会解读角色在说出那句陈词滥调之后的**短暂的、几乎察觉不到的停顿**。有几次，我不得不放下书，走到窗边深呼吸，因为那种持续的、低沉的思辨张力让我感到疲惫，却又无法抗拒。这本书的魅力在于它的**“拒绝解释性”**，它不迎合你，不哄骗你，它只是把一堆看似混乱的碎片抛给你，然后邀请你——或者说，**强迫你**——去成为那个最终的、也许永远无法达成的“意义构建者”。这是一种对读者智识和耐心的极大尊重，也是对传统叙事惯例的彻底颠覆。

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这本书的文字质地，读起来就像是触摸一块**上了年纪的粗粝亚麻布**，带着一种难以言喻的年代感和坚韧。作者的语言风格极其**内敛而克制**，几乎没有华丽辞藻的堆砌，一切都像是经过千锤百炼的、最简洁有效的表达。他擅长使用**精准的动词**和**富有张力的名词**来构建画面，而不是依靠冗长的形容词来渲染气氛。例如，描述一个角色内心的挣扎时，他可能只用了“指关节的微颤”和“目光的惯性回溯”这样简短的组合，但其蕴含的情绪张力却远超千言万语。这种写作方式，让我产生了一种强烈的**“在场感”**，仿佛我不是在阅读文字，而是在暗室中偷偷观察着故事里的人们，他们的一举一动都带着某种**无可逃避的宿命感**。全书的节奏是缓慢而沉稳的，像极了一场**深海潜水**，你需要时间去适应水压，去适应寂静，才能捕捉到那些潜藏在表象之下的微弱的生命迹象。对于追求快节奏、情节跌宕起伏的读者来说，这本书可能会显得有些“慢热”，但只要你沉下心来，就会发现其中蕴含的**深厚底蕴和不动声色的力量**。

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这本书的**氛围塑造**堪称一绝，读完后感觉仿佛被某种**潮湿的、带着泥土腥气的雾气**包裹了好几天。作者对环境的描写，与其说是背景交代，不如说是对人物内心状态的**一种隐喻性的投射**。他笔下的街道不是由钢筋水泥构成的，而是由被遗忘的叹息和未完成的承诺搭建起来的。我尤其欣赏他如何处理**光影的对比**。那些微弱的光源，比如手电筒的光束、破碎的玻璃反射、或是清晨第一缕透过厚重窗帘的微光，都被赋予了近乎神性的意义，它们是希望的象征，却又总是那么短暂易逝。整本书的色调偏向**忧郁的蓝灰和铁锈红**，即便是描写欢愉的瞬间，也总有一丝挥之不去的**清冷感**。这使得阅读体验非常**感官化**，我不仅仅是用眼睛在看，似乎还能闻到墨水的味道，感受到空气的湿度，体会到角色皮肤上的寒意。这是一种**纯粹的、高度个人化的沉浸式体验**，它几乎榨干了读者所有用于构建外部世界的认知资源，转而投入到构建作者所创造的那个独特而封闭的感官宇宙中去。

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买了卓越最后一本。很小，可以揣在怀里。很棒的书，仔细地梳理，记录，评价了Eric Dolphy的录音史。短短八十七页，很多让人心有戚戚的地方。

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