爵士百年兴衰录 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽文艺出版社

作者:洛秦

出品人:

页数:301

译者:

出版时间:2002-8

价格:19.50元

装帧:简裝本

isbn号码:9787539621579

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
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《乐章的潮汐：二十世纪音乐流派的兴替与碰撞》 内容简介： 本书深入剖析了二十世纪以来全球音乐图景的波澜壮阔。它并非聚焦于某一种特定风格的兴衰，而是将目光投向整个音乐生态系统的演变脉络，探究了不同音乐流派在历史、社会和技术变革中的诞生、繁荣、交融与消亡。 二十世纪是音乐史上最为动荡和创新的一个世纪。从古典音乐内部的现代主义探索，到流行音乐的爆炸式发展，再到电子技术的介入彻底颠覆了声音的制作与传播方式，每一次变革都伴随着文化身份的重塑和听众群体的迁徙。《乐章的潮汐》以宏大的时间跨度为骨架，细致描摹了这些关键转折点上的音乐事件和关键人物。 第一部分：古典的裂变与重构 本篇首先回顾了二十世纪初，欧洲古典音乐界如何应对前一时代的浪漫主义遗绪，并向何处寻觅新的表达。我们详细考察了“第二维也纳学派”的无调性探索，分析了勋伯格如何挑战了听觉的传统习惯，以及韦伯恩和贝尔格如何在结构主义的框架内寻求新的秩序感。 紧接着，本书探讨了斯特拉文斯基的“原始主义”如何以《春之祭》引发了历史性的骚动，以及它对后续节奏处理的深远影响。在战后，我们转向了欧洲的“新前卫”运动，重点分析了具象音乐（Musique concrète）的出现，特别是皮埃尔·舍费尔如何将日常环境音转化为可塑的音乐材料，这标志着音乐材料的来源边界被彻底打破。同时，我们也考察了德国达姆施塔特学派对纯粹序列主义的执着，以及布列兹如何试图用数学的精确性来对抗不确定性。 然而，技术的发展也为古典音乐提供了新的工具。本书详述了电子音乐实验室的建立，以及早期合成器，如RCA Mark II，如何开始构建人耳从未听闻的声音景观。我们分析了受此影响而产生的“空间音乐”和“概率音乐”的哲学基础，即作曲家如何从绝对控制者转变为机遇的引导者。 第二部分：爵士乐的黄金年代与地域扩散（不含该书核心内容，侧重背景与宏观影响） 虽然本书的核心不在于详细记录某一特定流派的内部发展脉络，但我们必须承认，二十世纪的音乐图景中，某个基于即兴和蓝调根基的音乐形式扮演了至关重要的角色，它不仅影响了古典乐的自由化进程，更渗透至流行音乐的血液之中。 本部分将从社会学的角度，考察该流派如何伴随着美国非裔文化和城市化进程而兴起。我们探讨了“摇摆乐”如何成为大众娱乐的主流，以及其背后的经济推动力。随后，我们将分析该流派如何通过对和声的复杂化和节奏的切分化，在特定时期内完成了对传统音乐语法的巨大挑战。这一阶段的创新，为后来所有即兴艺术形式提供了参照系，其对“瞬间创作”的重视，在很大程度上预示了未来摇滚乐和电子乐中即兴段落的价值。 我们追踪了这一音乐形式的地域扩张，尤其是在欧洲和亚洲的特定城市中，它如何与当地的传统音乐元素发生化学反应，形成具有地方色彩的变体，而非简单地被复制。这种文化传播的模式，为理解二十一世纪全球化背景下的音乐交流提供了重要的历史案例。 第三部分：摇滚乐的诞生、分裂与技术异化 摇滚乐的崛起是大众媒体和青年文化力量结合的产物。本书将追溯其根源，分析布鲁斯、乡村音乐与节奏布鲁斯（R&B）是如何在战后美国的文化熔炉中聚合的。我们考察了早期摇滚乐对道德秩序的冲击，以及它如何迅速成为青年身份的标志。 随着产业的成熟，摇滚乐开始自我分裂。从早期的简单结构到迷幻摇滚对声音迷宫的构建，再到硬摇滚对音量和力量的极致追求，我们分析了录音技术（如多轨录音）是如何从辅助工具变为创作的核心驱动力。例如，某张里程碑式的专辑如何首次将录音棚本身变成了一个乐器。 本书深入探讨了七十年代的“前卫摇滚”如何试图借鉴古典音乐的结构宏大性与概念深度，以对抗流派的日益商业化。同时，我们也分析了朋克运动作为对前卫摇滚的激进反动，它如何通过极简的结构、DIY精神和愤怒的情绪，重新确立了音乐的直接沟通力量，并为后来的独立音乐运动奠定了基础。 第四部分：电子声景的全面接管 二十世纪下半叶，声音的生产方式发生了根本性的转变。本篇聚焦于合成器的普及化，特别是模拟合成器对音乐创作带来的革命。我们研究了哪些先锋音乐家和制作人最早洞察到这种新工具的潜力，并将其从实验阶段推向主流。 从早期使用模拟合成器进行环境氛围营造，到迪斯科和后来的电子舞曲（EDM）中，节奏驱动和重复循环的结构是如何建立起来的。本书详细阐述了鼓机和采样器的引入，如何使得音乐的“演奏性”概念发生了偏移——音乐家不再仅仅是演奏既定乐器，而是成为声音库和节奏网格的架构师。 我们考察了计算机技术（MIDI协议的出现）如何实现了不同电子设备的协同工作，从而催生了新的音乐制作范式。这不仅影响了电子音乐，也彻底改变了流行音乐的工业流程，使得音乐的“完美”复制和精确编排成为可能，同时也带来了对“人性化”演奏痕迹流失的担忧。 第五部分：全球化与数字时代的黎明 在二十世纪末，音乐的地理限制被互联网技术的前奏逐渐瓦解。本书探讨了世界音乐（World Music）概念的兴起，分析了传统音乐如何在新技术和商业模式下被重新包装和推广。 我们同时关注了嘻哈文化（Hip-Hop）的崛起，这一流派如何以采样、拼贴和歌词叙事为核心，成为一种强大的社会评论工具，并最终在商业上超越了许多传统流派。嘻哈对音乐源材料的重新利用（采样）引发了关于版权和艺术原创性的激烈辩论，这些辩论至今仍在影响着数字时代的音乐法律。 总结而言，《乐章的潮汐》旨在提供一个多维度的观察视角，勾勒出二十世纪音乐如何从一个相对统一的古典传统，分裂、碰撞、吸收技术，最终汇入信息洪流前的复杂图景。它展现了创新者们如何不断突破声音的界限，以及每一次音乐风格的兴衰背后，都是社会结构、技术进步和文化身份认同相互作用的深刻印记。

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这本书的装帧和排版也值得称赞，虽然是内容为王，但阅读体验同样重要。内页的图片选择非常到位，那些黑白照片，不仅是记录了人物的面孔，更定格了那个时代特有的气质和神韵。我特别留意了作者对不同录音阶段的音质差异和录音室技术进步的描述，这一点对于音乐爱好者来说是额外的惊喜。从早期的单轨录音到后来的多轨混音，每一步技术革新如何反过来塑造了音乐的听感和结构，被解释得非常细致。读到某些经典专辑的制作细节时，我忍不住立刻去流媒体平台上搜索原版试听，那种“阅读—聆听—再阅读”的交替过程，极大地丰富了我的感官体验，让历史不再是冰冷的文字，而是可以触摸和听见的真实存在。

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这本关于音乐史的书，简直就是一本时光机，把我带回了那个充满创意和变革的年代。作者对早期爵士乐发展的脉络梳理得极其清晰，从新奥尔良的街头巷尾，到芝加哥的地下酒吧，再到纽约的哈莱姆区，每一步的演变都伴随着鲜活的人物和引人入胜的故事。我尤其喜欢他对那些奠基者们——比如路易斯·阿姆斯特朗、杜克·艾灵顿——的描写，不仅仅是技术上的分析，更多的是他们如何用音乐表达那个时代特有的情感和挣扎。书里对乐器和演奏技巧的描述，即便是像我这样的非专业人士也能大致领略到那种复杂而迷人的张力。读起来，仿佛能听到萨克斯管的低吟、小号的呐喊，以及鼓点敲击出的生命力。它不仅仅是记录，更像是一场充满激情的音乐会，让人沉浸其中，感受到爵士乐那种生生不息的生命力。

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我最近几年对音乐史产生了浓厚的兴趣，手里也看了不少相关书籍，但这本书给我的感觉是既严谨又充满活力。它的叙事节奏把握得非常好，即便是在描述那些技术性很强的音乐理论或复杂的乐手交替时，也能用一种非常口语化、富有画面感的方式呈现出来。其中关于五六十年代先锋爵士（Free Jazz）兴起那一段描写得尤为精彩，那种冲破一切束缚的狂野和对既定规则的反叛精神，简直要从纸面上溢出来。作者似乎并不畏惧探讨那些最具争议性的音乐家和流派，敢于直面他们的不完美，这让整本书的格调显得十分大气和公允。每一次翻阅，都像是在与一位博学的老朋友围坐在老唱片机旁，听他娓娓道来那些尘封的往事，充满了亲切感和知识的碰撞。

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坦白说，这本书的学术深度和广度都超出了我的预期。我原以为这只是一本面向大众读者的入门读物，但深入阅读后发现，作者对爵士乐流派更迭背后的社会、经济甚至种族政治背景的探讨，着实令人深思。特别是关于二战后“冷爵士”和“硬波普”兴起时，音乐家们如何应对社会变迁和商业化的冲击，那种内在的张力和挣扎被刻画得入木三分。书中的案例分析非常扎实，引用了大量一手资料和历史文献，使得论证过程极具说服力。对于那些想从表层欣赏爵士乐，转向理解其文化内核的读者来说，这本书无疑提供了绝佳的视角。它挑战了许多固有的“爵士乐黄金时代”的浪漫化叙事，提供了一个更为复杂和真实的历史图景，读完后对整个音乐现象的理解都有了质的飞跃。

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我不得不说，作者对于爵士乐进入全球化视野后的处理非常高明。很多音乐史著作往往在特定的地域或年代后就戛然而止，但这本书的视野一直延伸到当代，探讨了爵士乐如何与世界各地的民族音乐融合，产生了新的变种和生命力。尤其是对欧洲和亚洲爵士乐场景的简要勾勒，让我意识到这种美国本土艺术形式早已完成了它的文化输出和再创造过程。这种全球性的视角，让整个“兴衰录”的主题变得更加宏大和富有哲学意味——音乐的生命力不在于固守本源，而在于不断的对话与适应。读完整本书，我感觉自己对“经典”二字的理解也变得更加辩证和包容了，它是一份对传统的深刻致敬，更是一张指向未来的邀请函。

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类似百科全书似的书，没有什么成系统的东西。

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第一次见到有人提“衰”

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东拼西凑，没什么自己的东西。就这水平也能留学美国然后在上海音乐学院任教？人心不古啊！

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渣 乐秦还是傻逼 这水平出书误人

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第一次见到有人提“衰”