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出版者:高橋書店

作者:(編)高橋書店

出品人:

页数:143页

译者:

出版时间:2005/05

价格:JPY1300

装帧:平

isbn号码:9784471400538

丛书系列:

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• 和食器
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好的，这是一本名为《茶室之光：探寻日本传统美学中的光影艺术》的书籍简介。 --- 茶室之光：探寻日本传统美学中的光影艺术 作者： [此处留空，或填入虚构作者名，例如：田中 健一] 出版社： [此处留空，或填入虚构出版社名，例如：悠远堂文化] 页数： 480页（含大量高精度摄影图与手绘图解） 定价： 128.00 元 --- 内容简介 一室之内，观照天地。 《茶室之光：探寻日本传统美学中的光影艺术》并非一本单纯介绍茶道用具或建筑结构的图鉴，而是一部深入剖析日本“侘寂”（Wabi-Sabi）美学核心——光与影——如何塑造空间感知、影响精神状态的深度论著。本书以茶室，这一极致凝练的日本传统空间形式为载体，系统梳理了从桃山时代至今，光线在建筑设计、器物选择乃至茶事仪式中所扮演的关键角色。 本书的魅力在于其细致入微的观察和宏观的历史视野的结合。我们试图回答一个核心问题：在那个缺乏人工照明的时代，日本人如何利用自然光线，创造出既能引导专注，又能激发冥想的室内环境？ 第一部：光的起源与哲学基石 本部分追溯了光影概念在日本美学思想中的萌芽。我们将审视从早期佛教传入带来的对“空”与“无常”的理解，以及这些观念如何逐渐物化为建筑语言。 1.1 神秘的“幽玄”与晦暗的魅力： 探讨“幽玄”概念如何通过模糊边界、抑制过度清晰的光亮，引导观者的内心探索。对比西方艺术中对光线的赞颂，日本美学更倾向于“未完成之光”的表达。 1.2 借景与光线的舞台： 深入分析“借景”手法——将外部自然景观纳入室内视野——如何被巧妙地利用来“控制”和“过滤”射入室内的光线。光线不再是均匀的照明，而是流动的、有方向性的叙事元素。 1.3 禅宗的“本觉”与“无窗”的逻辑： 剖析禅宗思想如何影响茶室的开窗布局。某些茶室的入口或关键观察点被设计得极其昏暗，迫使访客在进入主要茶室前，完成一个从俗世的“明”到圣洁的“暗”的过渡仪式。 第二部：茶室结构中的光线工程学 本章将焦点聚焦于茶室建筑本身，解析具体结构如何成为光线的雕塑工具。我们不仅关注宏观布局，更深入到材料的选择与肌理对光线反射和吸收的影响。 2.1 躙口（Nijiriguchi）的“盲人”入口： 对比高大庄严的正门与低矮的躙口。分析当身体被迫低下时，光线如何以一种谦卑的姿态进入视野，以及这种物理姿态如何服务于心理上的“归零”。 2.2 障子（Shoji）与和纸的魔力： 纸拉门不仅仅是隔断，更是天然的光线柔化器。本节详细研究了不同厚度、编织密度的和纸（如美浓纸、土佐纸）对日光色温和强度的微妙调整。我们将展示实验数据，说明纸张如何将刺眼的直射光转化为柔和的漫射光，创造出“雨天般”的光照氛围。 2.3 躙口与天窗：光线的取景器： 详述茶室中几种特殊开窗的艺术功能： “猫隙”（Neko-mado）： 位于高处的狭小缝隙，仅允许一线光柱射入，强调时间流逝的瞬间感。 “亭座”（Tachinokuchi）： 位于炉边的特意低开的窗户，它控制了火焰的光芒，使其成为视觉焦点，而非环境光源。 2.4 土壁的吞噬与泥土的温度： 分析泥土、稻草混合的墙壁材质如何吸收多余的光线，使空间感更加内敛和深邃。这种对光的“吸收”行为，是构建“寂”（Sabi）氛围的关键。 第三部：光影与茶道具的互动 光线是检验器物本质的试金石。本部分探讨了在茶室的特定光照条件下，茶碗、水指（Mizusashi）和花入（Kabin）等器物如何展现其独特的质感与生命力。 3.1 茶碗的“釉下之光”： 深入分析乐烧（Raku）茶碗在昏暗光线下，其焦黑的表面如何反射出微弱但深沉的光泽。讲解了为什么许多朴素的茶碗，在特定的侧逆光下，其裂纹（Kannyu）会呈现出令人惊叹的立体感。 3.2 釜与炉火的动态平衡： 铁釜在茶室中不仅是煮水工具，更是重要的光线反射体。分析铁的氧化色泽与炉火（特别是炭的红光）如何共同作用，为整个茶室的氛围定下温暖而肃穆的基调。 3.3 花入中的“幽暗之美”： 探讨插花（Chabana）的艺术与光线。与华丽的伊克巴纳不同，茶花的布置极度内敛，光线的设计旨在突出花朵“初放”或“将谢”的瞬间，捕捉短暂的生命之美。 第四部：时间、季节与流动的光影 光线是衡量时间流逝最直观的尺度。《茶室之光》强调，茶室体验的精髓在于与自然节律的同步。 4.1 季节的色彩光谱： 详细记录了不同季节、不同时辰的光线色温变化，以及茶人如何通过更换障子纸的材质、调整坐席位置来适应这种变化。例如，夏季倾向于更稀薄的纸张以引入凉爽的蓝光，而冬季则使用更厚的材料以留住暖意。 4.2 早朝的露水之光与夕暮的“影”的成熟： 区分了“朝茶”的清明与“宵茶”（月茶）的幽秘。月光下的茶室，光线从“有形”转变为“无形”，所有的细节都隐去，只剩下形态的轮廓，这正是对“空”的终极冥想。 --- 读者对象与价值 本书适合所有对日本建筑史、室内设计、器物美学以及东方哲学感兴趣的读者。它提供了一套全新的视角，去理解极简主义并非是去除，而是对存在之物——尤其是光与影——进行最精妙的控制与彰显。阅读本书，如同走进一间被精心调校过的茶室，每一个角度、每一种色泽，都在无声地诉说着时间、谦卑与内在的宁静。它不仅是一本知识的汇集，更是一份邀请，邀请读者重新审视自己日常生活中的光线，发现隐藏在平凡之中的非凡之美。 --- 特别收录： 附录：桃山时代至江户时代茶室开窗设计变迁图谱。 摄影师手记：捕捉“不存在之光”的挑战与技巧。

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我一直认为，真正的“器”不仅仅是用来承载食物的工具，它更像是连接使用者、制作者和自然元素的媒介。《いまどき和の器》这个标题，给了我一种“现代视角下的传统回归”的强烈暗示。我尤其关注那些在器皿表面处理上带有创新性的部分。比如，如何运用现代的窑烧技术来重现古代失传的釉色？或者，如何将环保和可持续发展的理念融入到陶土的选取和制作过程中？我希望能看到一些关于“材质的对话”的论述，比如陶器与玻璃器皿在现代餐桌上如何和谐共存，金属器皿如何以其冷峻的质感来平衡木制家具的温润。如果书中有对比分析不同地区的烧制风格（比如濑户、信乐、有田等），并解释它们各自的地域特色和当代设计师是如何吸收这些传统的，那无疑会大大拓宽我对日本陶艺的认知边界。总而言之，我期待这本书能像一位经验丰富的向导，带领我探索日本器皿世界中那些既古老又充满生命力的现代脉动。

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这本《いまどき和の器》的书名真是抓人眼球，光是看到“いまどき”（现代）和“和の器”（日式器皿）的组合，我就立刻联想到那种既有传统韵味又不失当代设计感的器皿。我最近正好在为新家挑选餐具，希望能找到一些既能衬托食物，又能体现生活品味的物件。这本书的封面设计非常大气，那种留白的处理和略带粗粝感的纸张纹理，本身就散发着一种日式美学的克制与高级。我翻开目录，发现内容似乎覆盖了从基础的陶土材质分析到不同流派的器皿风格介绍，甚至还有一些关于如何搭配和保养器皿的实用指南。尤其让我期待的是，书中应该会收录很多当代日本陶艺家的作品案例，我想看看他们是如何在遵循传统工艺的基础上，融入新的设计语言和实用性考量的。比如，现代的餐桌上，如何平衡茶碗的厚重感与小碟子的精巧，如何让漆器在日常使用中不再显得那么“供着”。这本书如果能提供一些关于“器皿与空间”的搭配思路就更好了，比如在极简风格的餐桌上，如何用一件形态独特的烧制花器来点亮整个空间。我已经迫不及待想深入阅读，希望能从中汲取灵感，让我的餐桌也能焕发出“いまどき和”的独特魅力。

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我最近对日本的“民艺”运动产生了浓厚的兴趣，特别想了解那些最初为日常使用而生的朴实器皿，是如何在现代被重新审视和提升到艺术品的高度。《いまどき和の器》这个书名，让我隐约感觉它将在这两者之间架起一座桥梁。我期待书中不仅仅是展示那些昂贵、少见的“名品”，更希望看到那些在地方社区中被广泛使用的、兼具实用性和美感的“日常之器”。比如，九州的博多曲物、信州的木曾漆器，它们如何在保留传统技艺的同时，被赋予了适合现代都市生活的尺寸和功能。我很好奇，现代的日本设计师是如何在保持器皿的“手感”和“重量感”的平衡上做文章的。毕竟，一个好的器皿，光是端起来的触感就足以影响用餐的心情。如果书中能有详细的材质分析，比如不同产地的黏土烧制后呈现出的吸水性、保温性的差异，对我这样一个想要自己动手尝试陶艺的新手来说，将是极大的启发。这本书，看起来像是一本融合了历史、工艺、美学和实用指南的百科全书。

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说实话，现在市面上关于日式美学的书很多，但很多都流于表面，只停留在“好看”的层面。《いまどき和の器》让我感觉它似乎更深入了一层，直指“器皿的灵魂”——也就是它们如何服务于“食”。我猜测，书中必然会有一个重要的篇章是关于“盛付”（盛り付け，摆盘）的艺术。如何根据季节、食物的颜色和质地，选择最恰当的器皿来“映衬”而非“喧宾夺主”？例如，深色的粗陶碗用来盛放清淡的素汤，或是浅色的瓷盘来搭配色彩浓郁的刺身，这些看似细微的选择背后，蕴含着深厚的餐桌礼仪和视觉平衡的学问。我更想知道，在当代日本料理界，哪些器皿正在成为新的“潮流标志”？是那种带有明显手工痕迹的“一品碗”，还是回归到江户时代简洁线条的“白瓷”？如果这本书能提供一些关于“器皿的寿命”和“传承”的思考就太棒了。器皿是用来使用的，使用就会磨损，这种随着时间推移而产生的变化，本身就是一种美，这本书是否探讨了这种“用旧了的美”的价值？

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老实说，我对所有关于“手工艺复兴”和“慢生活哲学”的书籍都有种莫名的亲切感，而《いまどき和の器》似乎正戳中了我的心窝。我一直觉得，比起那些批量生产的、冰冷的现代制品，带有温度和不完美痕迹的手工器皿更能承载情感和记忆。这本书的文字风格似乎非常细腻，从描述中可以感受到作者对每一个器皿都怀有一种近乎敬畏的观察。我猜想书中一定有大量的篇幅在探讨“侘寂”（Wabi-Sabi）的美学如何在当代的器皿设计中得以体现——那些不均匀的釉色、不规则的边缘，甚至是被使用过程中留下的细微划痕，都被赋予了故事性。我希望这本书能告诉我，在如今快节奏的生活中，我们如何通过选择和使用这些“和の器”，重新找回与食物、与自然、与自我对话的空间。我更关注的是，那些专注于小众、坚持传统手法的匠人，他们是如何对抗工业化的洪流，坚守自己的一方天地的。如果书中能深入挖掘这些匠人的精神世界和创作过程，那这本书的价值就远远超出了单纯的器皿图鉴范畴，它成了一部关于生活态度的宣言。

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