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出版者:Amadeus Pr

作者:Mary Cyr

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998

价格:0

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isbn号码:9781840146592

丛书系列:

图书标签:

• 巴洛克音乐
• 演奏实践
• 音乐史
• 音乐表演
• 早期音乐
• 音乐分析
• 巴洛克时期
• 音乐风格
• 音乐理论
• 室内乐

《古老的旋律与现代的回响：二十世纪音乐的转型与探索》 一、引言：时代的交响与艺术的革新 二十世纪，对于西方音乐而言，是一个充满剧烈动荡、深刻反思与爆炸性创新的时代。如果说巴洛克音乐（1600-1750年）的基石在于清晰的结构、精妙的对位与和谐的律动，那么二十世纪的音乐则是在对这些传统进行彻底解构和重塑的过程中诞生的。这是一个从根源上挑战“美”与“可听性”的概念，拥抱非传统音高、节奏体系乃至声音本身的时代的。 本书旨在全面梳理和深入剖析二十世纪音乐的复杂面貌，探讨那些驱动作曲家们进行激进实验的哲学、社会和技术背景。我们不会关注于早期欧洲古典主义或巴洛克时期（如巴赫、亨德尔的作品风格），而是将目光投向一个对既有秩序感到厌倦，渴望用全新的听觉语言来描绘一个快速工业化、两次世界大战和存在主义危机的世纪。 二、打破调性桎梏：从印象派到十二音体系的飞跃 二十世纪音乐的第一个里程碑是对于建立在功能和声基础上的传统调性系统的瓦解。 1. 印象主义的色彩与模糊的边界： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）在世纪之交，通过运用五声音阶、全音阶以及更复杂的和声色彩，模糊了音乐的清晰轮廓，旨在捕捉瞬间的情感和氛围，如同莫奈的画作。这种对传统和声逻辑的松动，为后来的彻底决裂埋下了伏笔。 2. 表现主义与无调性革命： 以勋伯格（Schoenberg）为核心的“第二维也纳乐派”是这场革命的急先锋。勋伯格在经历了《协奏曲》和《月光小丑》等作品中对传统调性的过度使用和极端扩展后，最终宣布“我已不再相信调性”，从而走向了彻底的无调性（Atonality）。无调性并非仅仅是“没有中心音”，而是一种刻意的、有意识地拒绝任何调性中心，确保所有十二个音级享有平等的地位。 3. 十二音序列主义的构建： 为了在无调性的自由中重新建立秩序，勋伯格发展出了一套严密的作曲技法——十二音序列主义（Dodecaphony）。这套体系严格规定了十二个音高必须按预先设定的“音列”（Row）顺序出现，并且每个音出现一次后，除非音列用尽，否则不得重复。这是一种高度理性和结构化的作曲方式，旨在替代调性功能体系。威伯恩（Webern）将这种结构主义推向了极致，作品往往极度精炼、内敛，音符间的空间感被放大。 三、节奏与音色的解放：野蛮的冲击与音响的探索 除了音高上的革命，节奏和音色（Timbre）也在二十世纪获得了前所未有的自由。 1. 原始主义与节奏的暴力： 斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》（1913年）堪称音乐史上的“文化炸弹”。它以其不和谐的强力和声、以及持续不断、变幻莫测的、近乎“原始”的节奏模式，彻底颠覆了听众对音乐节奏的审美期待。这种对非西方、史前美学的借用，标志着音乐中“野蛮”力量的回归。 2. 新古典主义的回归与反思： 在经历了一战的混乱后，许多作曲家（包括斯特拉文斯基本人）开始反思无调性实验的过度理性化与疏离感。新古典主义（Neoclassicism）应运而生，它并非简单地模仿巴洛克或古典时期的风格，而是运用二十世纪的和声与对位技巧，去套用巴赫或莫扎特时代的清晰结构、配器和形式（如奏鸣曲、协奏曲）。这是一种带着现代眼光对历史的审视与对话。 3. 音色作为结构元素： 进入战后，作曲家们开始关注声音本身的物理属性，而非其在传统和声中的功能。梅西安（Messiaen）将印度节奏、爵士乐和鸟鸣融入其作品，对色彩的运用达到了前所未有的精细化。 四、第二次世界大战后的前沿实验 二战结束后，欧洲的音乐中心转移，实验主义达到了顶峰，技术与哲学的结合更加紧密。 1. 序列主义的深化与“泛序列主义”： 以布列兹（Boulez）为代表的作曲家，将十二音原则扩展到音乐的几乎所有元素：力度、时值、演奏法和乐句长度。这被称为“总序列主义”（Total Serialism），旨在用数学的精确性控制每一个音乐参数，对抗战争的非理性与偶然性。 2. 偶然音乐与不确定性： 约翰·凯奇（John Cage）提出了最为激进的哲学挑战。他质疑了作曲家的权威性，并拥抱“偶然性”（Chance Operation）。在《4分33秒》等作品中，他将音乐的定义扩展到了“有组织的意图”之外的任何声音，包括听众的呼吸、环境的噪音。作品的最终面貌由演奏环境的随机性决定，这要求听众重新思考“音乐是什么”这一根本问题。 3. 电子音乐的崛起： 磁带录音技术的成熟催生了电子音乐（Electronic Music）。科隆的“电子音乐工作室”专注于“纯粹的电子声音”，通过振荡器、滤波器等设备合成声音。而皮埃尔·亨利（Pierre Schaeffer）则开创了“具体音乐”（Musique concrète），使用录制下来的现实世界声音（如火车、水流、人声），通过剪辑、变速、反向播放等技术进行拼贴和重构。 五、面向未来的对话：极简主义与技术融合 在经历了序列主义的过度复杂和电子音乐的抽象表达之后，部分作曲家转向了更直接、更易于感知的音乐语言。 1. 极简主义的重复与过程： 六十年代兴起的极简主义（Minimalism），如莱希（Reich）和格拉斯（Glass）的作品，通过极简的材料（如简单的音高集合或和弦）进行长时间、缓慢的变化和重复，强调听众对声音过程本身的专注体验。这种音乐结构往往是可预测的、过程驱动的，具有催眠般的魅力。 2. 频谱音乐与空间化： 后来的作曲家，如格鲁吉亚·利盖蒂（Ligeti），开始将注意力投向宏观的音响“云团”（Sound Masses）。他们不再关注单音或旋律线，而是通过密集的集群和声，探索音高、泛音列（Spectrum）和声音的空间分布，创造出如同星云般流动的听觉景观。 结论：传统的终结与无限的可能性 二十世纪的音乐史是一部不断自我否定、不断追求“第一性”的编年史。它彻底摧毁了建立在巴洛克时代框架之上的所有审美规范，为后来的作曲家打开了一扇通往无限声音可能性的门。从严谨的十二音序列到随意的偶然性，从磁带的合成音到重复的脉动，这些探索不仅定义了二十世纪的声音艺术，也为我们理解当代音乐的多元面貌奠定了基础。本书的叙述重点始终围绕这些革命性的概念、技术和背后的哲学思考展开。

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这本书的学术深度令人印象深刻，但更难能可贵的是它的可读性。通常涉及早期音乐实践的著作都晦涩难懂，充斥着只有行家才能理解的术语，但《Performing Baroque Music》做到了在保持专业性的同时，保持了令人愉悦的阅读体验。作者在论述复杂的和声进行或对位法时，总会穿插一些生动的历史轶事，比如某位作曲家是如何被宫廷要求修改作品的，这些小故事让原本枯燥的理论变得鲜活起来。我尤其喜欢其中关于“乐器法”（Instrumentation）的讨论，它不仅列举了巴洛克时期常用的乐器，还探讨了不同乐器音色之间的“对话”艺术。它强调了合奏中乐器之间必须像歌手一样进行呼应和竞争。对于指挥初学者来说，这本书无疑是绝佳的入门指南，因为它清晰地界定了巴洛克音乐的“边界”——什么是历史允许的，什么是后人臆想的。看完之后，你会对那个时代的音乐家们所处的创作和演奏环境有一个立体而丰满的认识。

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我之前总觉得，巴洛克音乐演奏的“正宗”之道，似乎掌握在少数几个大师手中，普通学习者难以企及。这本书的出现，极大地“民主化”了这种知识。它以一种非常务实和接地气的方式，拆解了那些看似高不可攀的演奏规范。例如，它详细分析了巴洛克时期指挥（即“领奏者”）的工作内容，包括如何通过手势或眼神来统一速度和力度，这对于现代室内乐排练具有极高的参考价值。书中提供的许多练习素材，都是从巴赫的协奏曲或组曲中截取的片段，这些片段经过精心挑选，专门用于训练特定的技术点，比如快速的换把位、清晰的十六分音符跑动等。更重要的是，它鼓励演奏者不要盲目服从某个单一的“正统解释”，而是要理解背后的原理，从而形成自己的、基于历史理解的演奏观点。读完此书，我感到自己不再是被动地模仿录音，而是有能力主动地去诠释作品，这才是音乐学习的最高境界。

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这部乐谱集简直是音乐学习者的福音，尤其是对于那些致力于巴洛克时期音乐演奏的人来说，它提供了一个近乎百科全书式的参考。从我翻开这本书的第一页起，就被其中严谨的编排和详尽的注释所吸引。它不仅仅是简单地罗列出了一些作品，而是深入探讨了那个时代演奏实践的核心要素。比如，关于古钢琴的触键力度变化、弦乐器上的揉弦技巧，乃至于对不同乐器组之间音量平衡的建议，都写得极其到位。作者似乎完全沉浸在那个时代的生活中，对当时的音乐家们如何处理乐句、如何进行即兴装饰有着深刻的理解。我特别欣赏其中对于“即兴装饰音”部分的阐述，它不是空泛的理论，而是给出了大量具体的、可以立即应用到练习中的范例。这本书的排版清晰，乐谱清晰易读，即使是面对复杂的对位部分，也不会让人感到眼花缭乱。它就像一位经验丰富的大师，在你耳边细语，指导你如何真正地“唱出”巴洛克音乐的灵魂，而不是仅仅把音符弹出来。如果你想让你的巴赫、亨德尔或者维瓦尔第听起来更地道、更有生命力，这本书绝对是书架上不可或缺的镇山之宝。

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老实说，我本来对手头的巴洛克音乐演奏教材持保留态度的，总觉得很多都是炒冷饭，观点陈旧。但拿到这本《Performing Baroque Music》之后，我的看法彻底改观了。这本书的视角非常独特，它将历史文献的研究成果与现代演奏家的实际操作经验进行了完美嫁接。我最感兴趣的是它关于“速度与韵律”的章节，书中引用了好几份十七、十八世纪的音乐学论文，分析了当时乐团对拍号的不同理解，以及在不同舞曲节奏下如何处理速度的微小弹性。这对于我们这些习惯了现代严格节拍的演奏者来说，简直是醍醐灌顶。它教会我，巴洛克音乐的律动感并非僵硬的等分，而是一种呼吸，一种内在的驱动力。此外，书中对不同地区（比如意大利、法国、德国）在演奏风格上的细微差别也做了详细的对比，这极大地拓宽了我的音乐视野。我不再仅仅是“演奏”了，而是开始思考：在路易十四的宫廷里，这首小提琴奏鸣曲会是怎样一番景象？这本书，成功地搭建起了一座通往历史现场的桥梁。

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我作为一个业余的古大提琴爱好者，常常在寻找能提升演奏“质感”的资源，而这本书恰好满足了我的需求。它不只是谈理论，更像是一本实操手册，里面充满了对日常练习中常见难题的解决方案。比如，关于弓法在不同音区和不同力度下的变化，它提供的建议非常具体，甚至精确到了弓毛和琴弦接触的角度。我尝试了书里介绍的一种“轻触弓根”的技巧来处理柔板乐章，效果立竿见影，声音的穿透力增强了，但颗粒感却没有丢失。更让我惊喜的是，它还涉及到了乐器保养与调整对演奏风格的影响。作者指出，弦的材质和张力会直接影响音色的色彩，并建议了在不同气候条件下应如何微调乐器设置，以最大限度地还原巴洛克时期的音响效果。阅读这本书的过程，就像是拥有了一位私人导师，他不仅知道如何演奏，更知道如何让你的乐器发出它本应有的最美妙的声音。它确实需要你投入时间去消化，但每一次的钻研，都会带来演奏上的飞跃。

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