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出版者:上海书画出版社

作者:上海市书法家协会

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:2006-12

价格:580.00元

装帧:

isbn号码:9787807253785

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 中国画
• 陆俨少
• 山水画
• 艺术史
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• 艺术
• 文化

翰墨丹青：近现代中国画的时代脉络与艺术探索 本书聚焦于二十世纪中国画坛的波澜壮阔与艺术革新，旨在梳理自晚清至当代，中国画在时代洪流中的演变轨迹、主要流派的风格特征，以及那些承上启下的艺术大师们的独特贡献。全书以扎实的史料为基础，结合深入的艺术分析，力求展现一部立体、鲜活的中国近现代绘画史。 第一编：风雨如磐的时代背景与革新的序曲（1840s – 1911） 本编追溯了西方文化与艺术思潮对传统中国画产生的冲击，以及画家们在内忧外患中寻求出路的艰难探索。 一、晚清画坛的保守与挣扎： 这一时期，正统的文人画在形式和题材上趋于僵化，但在岭南画派等地域性画派中已见萌芽的写实精神开始抬头。我们详述了“四王”余绪的恪守，以及如“碑学”入画等对传统笔墨的侧重，探讨了在科举废除后，画家群体社会地位的变化如何影响了艺术创作的内在动力。重点分析了对传统“六法”的再诠释，如何在守旧与突破之间寻找平衡。 二、地域性画派的勃兴： 重点剖析了岭南画派的兴起。以“二高一陈”（高剑父、高奇峰、陈树人）为代表，他们留学日本，将日本“四条派”的设色与光影技法融入中国水墨。本书详细描绘了他们如何通过引入西洋素描中的立体感和色彩的鲜明性，来表现时代主题，如革命、社会民生等，形成了“折衷调和”的新画风，极大地拓宽了传统国画的视觉语汇。 三、海派艺术的世俗化转向： 深入探讨了以吴昌硕为代表的海派艺术。吴昌硕的艺术是传统金石入画的集大成者，其用笔的雄强、墨色的苍劲，直接冲击了清代中期以来柔弱的“四王”风格。我们分析了其艺术如何顺应上海这一新兴都市对视觉冲击力和时代精神的需求，将文人画的雅致与民间艺术的生动性相结合，预示着新的审美趣味的诞生。 第二编：民国肇始：融合与现代性的确立（1912 – 1949） 民国时期是中国画经历剧烈变革与自我重塑的关键阶段。新的教育体系、学术机构的建立，为中国画的现代化提供了制度保障。 一、两大教育体系的碰撞与融合： 详细介绍了蔡元培主持下的教育改革对艺术教育的影响。北京的“国立艺专”（后中央大学艺术系）和上海的“新华艺专”成为两大艺术中心。重点分析了林风眠、徐悲鸿等人对西方现代艺术的引入策略。 二、徐悲鸿的写实主义与“素描为基”： 详尽阐述了徐悲鸿借鉴西方古典写实主义和解剖学，致力于“中国画改革”的实践。其“素描为基，中西融合”的理念，不仅影响了人物画、动物画的造型能力，更通过其教育体系，将科学精神注入了传统笔墨训练。分析了其“马”系列作品中蕴含的民族精神与时代焦虑。 三、林风眠与“中西调和”的意境探索： 对比徐悲鸿的写实路线，深入探讨了林风眠更为内敛和现代的融合方式。他汲取了野兽派的色彩、后印象派的结构感，将其融入对中国山水与人物的提炼。重点分析了其“西湖风景”和“仕女”系列中，那种既有东方韵味又充满现代几何感的独特美学空间。 四、传统势力的坚守与革新： 考察了在变革大潮中，传统文人画的坚守者。如京津画坛的齐白石，他虽身处变局，却以纯熟的民间趣味和对文人画的深刻理解，将“大写意”推向了前人未及的高度。分析了齐派对水族、花卉的表现如何突破了文人画的传统题材限制，实现了“雅俗共赏”的艺术高峰。 第三编：新中国成立后的艺术转向与高峰（1949 – 1976） 这一时期，艺术创作被置于新的社会功能之下，服务于国家建设与人民大众，形成了“社会主义现实主义”指导下的中国画新格局。 一、介入社会主题的重大转型： 探讨了中国画如何适应政治和意识形态的要求，从描绘个人心境转向表现宏大叙事。重点分析了“山水画的革命”，画家们走出书斋，深入工厂、矿山、田野，以新的视角和构图来表现祖国河山的壮丽和人民的建设热情。 二、长安画派的崛起与“写意山水”的拓展： 聚焦于以石鲁、何海霞为代表的长安画派。石鲁“一手伸向传统，一手伸向生活”的口号，指导着他们对水墨语言的激进探索。本书详细剖析了石鲁如何将陕北的粗犷、古拙的民间艺术与传统大写意水墨相结合，创造出具有强烈地域个性和现代精神的“野逸”画风，如其“黄土高原”系列。 三、人物画的“历史化”与“时代化”： 分析了人物画在这一时期的主导地位。如蒋兆和、李震霖等画家如何借鉴速写、油画的造型方法，来塑造工农兵的英雄群像。同时，也探讨了部分老一辈画家如张大千在海外的艺术成就，及其对敦煌壁画的研究对中国画的潜在影响。 第四编：改革开放后的多元探索与当代语境（1978 – 至今） 改革开放为中国画注入了新的活力，艺术视野被极大地拓宽，艺术观念开始回归个体体验与纯粹的笔墨本体。 一、回归笔墨本体的自觉： 探讨了上世纪八十年代“八五新潮”后，中国画界对“笔墨本体论”的反思与回归。画家们开始重新审视传统水墨的物质性、书写性，不再仅仅强调其“内容”的表达。如对传统“金石入画”的再认识，以及对水墨晕染和皴法的技术性研究的深入。 二、当代水墨的实验性转向： 关注那些勇于打破水墨边界的艺术家群体。他们不再满足于传统山水、花鸟的题材，而是将水墨作为一种更具表现力的媒介，探索抽象、半抽象的表达。分析了如何将观念艺术、装置艺术中的某些思维融入水墨创作，挑战传统“国画”的定义边界。 三、传统回归与文化自信： 讨论了当代画坛中一股强调文化本源的力量。他们从传统文化典籍、哲学思想中汲取营养，试图以更沉稳、更具学理深度的笔触，重建中国画的文化高地。作品不再急于求变，而是在对经典语汇的精炼和重构中，展现出新的时代气象和深刻的文化内省。 结语： 全书最后总结了中国近现代绘画经历的“体裁革命”、“精神重塑”与“语言实验”三大阶段，并展望了在全球化背景下，中国水墨艺术在保持民族性的同时，如何继续与世界艺术对话的未来走向。本书力图提供一个多维度的分析框架，帮助读者理解中国画如何在剧烈的社会变革中，完成了一次痛苦而辉煌的自我新生。

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阅读《陆俨少》的过程，是一场与一位精神世界的对话。这本书并没有用枯燥的理论去解读艺术，而是通过梳理陆先生的生平、创作经历以及其对艺术的独到见解，为读者构建了一个立体而生动的陆俨少形象。我特别喜欢书中对于陆先生“师造化”精神的阐述。他并非闭门造车，而是将双脚深深地印在祖国的山川大地之上，从自然中汲取营养，并将这份自然的灵气融入笔墨。那些画作背后的故事，那些他跋山涉水、观照自然的细节，都让我对艺术的创作有了更深的理解。原来，伟大的艺术并非凭空产生，而是源于对生活的热爱，对自然的敬畏，以及对传统的传承与创新。书中的一些篇章，探讨了陆先生在不同时期作品风格的演变，以及他对笔墨技法的精益求精，这些都让我更加钦佩他作为一位艺术家的严谨与追求。

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收到《陆俨少》这本书，仿佛收到了一份沉甸甸的礼物。它不仅是一本关于艺术的书，更是一本关于人生、关于传承的书。我注意到书中对于陆先生在艺术教育方面的贡献也有所提及，他不仅自己成就卓著，还培养了一批又一批优秀的艺术家，这种薪火相传的精神，尤为可贵。阅读过程中，我时常会停下来，细细品味书中对陆先生创作理念的阐述，那些关于“笔墨当随时代”的思考，至今仍具有深刻的现实意义。陆先生用他的画笔，记录了他所处的时代，也为后人留下了宝贵的精神财富。这本书让我感受到，真正的艺术，是能够跨越时空的，它能够触动人心，启迪智慧，并给予我们力量。

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这本书带给我的，不仅仅是视觉上的享受，更是精神上的启迪。陆俨少先生的艺术，在我看来，是一种“气韵生动”的极致体现。他笔下的山水，不仅仅是景物的再现，更是画家内心世界的抒发。书中对陆先生如何处理水墨的浓淡干湿、线条的刚柔并济的分析，让我这个非专业人士也受益匪浅。它帮助我理解了那些看似简单的笔触背后蕴含的深厚功力。更重要的是，陆先生身上那种坚持不懈、勇于探索的精神，对于任何一个在各自领域奋斗的人来说，都是一种激励。他的一生，就是一部不断挑战自我、超越自我的史诗。书中的一些片段，描写了他晚年依旧笔耕不辍，对艺术的热情丝毫未减，这让我深受感动。

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《陆俨少》这本书，如同一扇窗，让我得以窥见一位中国画巨匠的内心深处。它没有卖弄术语，也没有故弄玄虚，而是以一种平和而真诚的笔触，展现了陆先生的艺术生涯。我尤其欣赏书中对于陆先生“意境”追求的解读。他不仅仅描绘眼前的景色，更是通过笔墨，将观者带入一种超越物象的、充满诗意的精神世界。那些云雾缭绕的山峦，那些烟波浩渺的水域，都仿佛在诉说着无尽的禅意与哲理。书中还穿插了一些陆先生的题跋和手迹，这些珍贵的资料，让我的阅读体验更加丰富和真实。它们如同穿越时空的对话，让我更近距离地感受这位艺术大师的智慧与风采。

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初拿到这本《陆俨少》，着实被其厚重感和精美的装帧所吸引。封面设计简洁而富有艺术气息，墨色的晕染恰似陆老先生画作中的山水，引人遐想。翻开扉页，一股淡淡的纸香扑面而来，这是阅读的仪式感，也是对艺术的尊重。 陆俨少先生的名字，在当代中国画坛如雷贯耳，但真正深入了解他的作品，尤其是他的创作理念与心路历程，却是一次难得的体验。本书并非简单的画册堆砌，它像一位温厚的引路人，循循善诱地将我带入陆先生的艺术世界。从他早年学习的严谨，到中年探索的勃发，再到晚年炉火纯青的境界，书中的文字仿佛在娓娓道来一位艺术巨匠的成长轨迹。其中，对于陆先生如何将传统笔墨与时代精神相结合的论述，尤其让我印象深刻。他并非食古不化，而是将古人的智慧融化于心，再赋予新的生命。那些对山川景色的细腻描摹，那些对生活点滴的感悟，都被他化为笔下的龙蛇飞舞，气势磅礴。我仿佛能听到他挥毫泼墨时的激昂，也能感受到他在静谧创作时的沉思。

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