具体描述
《英国影视制作基础教程》将所有的基础设备以及先进技术都以图文并茂的方式详尽罗列其中，从胶片拍摄到剪辑、编制声道一直到添加特效等等，并详细地介绍了大量前期筹备与后期制作的技巧，以及大量实战电影项目与练习可供读者借鉴参考，如10分钟纪录片，流行音乐录影带，短片剧情片与动作电影等，类型多样、不一而足。
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用户评价
拿到《英国影视制作基础教程》这本书，我一开始的期待是它能教我一些拍摄技巧，比如怎么用手机拍出更美的照片，或者怎么剪辑视频。然而，当我翻开这本书，我才发现，它远不止于此。它是一本真正意义上的“幕后揭秘”，让我对英国影视制作有了更深刻、更全面的理解。 书中关于“导演的艺术”的章节，让我眼前一亮。我一直认为导演就是个发号施令的角色，但这本书却让我看到了导演的深邃和多面性。它不仅仅是指导演员表演，更是整个剧组的灵魂人物，是整个作品的视觉和情感的总设计师。 书中详细阐述了导演如何与编剧、摄影师、美术指导、以及演员进行有效的沟通，如何将自己的创作理念传达给团队，并最终将这些理念转化为具体的影像。我记得书中提到了一个例子，关于一位英国导演如何在拍摄一场群戏时，通过微小的眼神交流和肢体语言，来精准地传达角色的内心冲突，这种对细节的掌控力，让我叹为观止。 更让我着迷的是，书中还探讨了不同风格的导演，以及他们独特的创作方法。它分析了一些著名英国导演的作品，比如克里斯托弗·诺兰那种对时间叙事的精巧运用，或者斯蒂芬·戴德利那种对人物内心世界的深刻挖掘。它不仅仅是介绍他们的作品，更是深入分析了他们是如何通过镜头语言、叙事结构、以及对演员的引导，来塑造出他们独一无二的电影风格。 我特别喜欢书中关于“镜头运用”的章节，它不仅仅讲解了基本的运镜技巧，更重要的是，它解释了为什么要在某个时刻使用某种镜头，这种镜头能够带来什么样的观感和情感效果。比如，一个缓慢的推镜头，能够营造出一种压迫感；一个快速的切换镜头，能够增加画面的动感和紧张感。这些技巧在很多我喜欢的英剧里都反复出现，但之前我只是觉得“看起来很酷”，现在我明白了背后的逻辑。这本书让我看到了，导演是一个集技术、艺术、以及领导力于一身的综合性人才，他们的每一次选择，都可能影响一部作品的成败。
评分说实话，我一直觉得影视制作是个非常神秘的领域，总感觉离我遥不可及，需要高深的理论知识和昂贵的设备。但《英国影视制作基础教程》这本书，彻底颠覆了我的这种看法。它就像一位热情的向导，把我领进了影视制作的奇妙殿堂，而且是用一种极其易懂、循序渐进的方式。我最喜欢的部分，莫过于它对“叙事镜头语言”的讲解。我一直以为讲故事就是把事情说清楚，但这本书告诉我，在影视里，镜头本身就在“说话”。 书中详细阐述了不同的景别（全景、中景、近景、特写）分别能传递什么样的信息和情感，以及它们如何组合运用，能够构建出不同的叙事节奏。我记得书中举了一个关于“偷窥视角”的例子，通过一个狭窄的门缝镜头，瞬间营造出一种紧张不安的气氛，让观众仿佛置身于角色的处境之中，感同身受。还有对“运动镜头”的分析，比如跟踪镜头如何跟随角色的脚步，增加观众的代入感；推镜头如何聚焦于某个关键物体或表情，引导观众的注意力。这些技巧在很多我喜欢的英剧里都反复出现，但之前我只是觉得“看起来很棒”，现在我明白了背后的原理。 更让我惊喜的是，这本书并没有仅仅停留在理论层面，而是提供了非常多实操性的建议。它会告诉你，如果你想表现角色的孤独，可以尝试使用广角镜头，让角色在画面中显得渺小；如果你想强调角色的决心，一个坚定的中近景镜头配合清晰的眼神交流就能达到效果。书中还提供了一些非常实用的拍摄场景分析，比如如何在有限的空间内拍出有层次感的画面，如何利用环境元素来丰富镜头语言。我开始尝试着在生活中用手机拍摄一些小片段，运用书中学到的技巧，发现原来用普通设备也能拍出不少有意思的画面。这本书真的让我觉得，影视制作并没有想象中那么遥不可及，每个人都有可能成为一个合格的“故事讲述者”。
评分一直以来，我都很欣赏英国影视作品中那种内敛而深沉的情感表达方式，以及演员们精湛的演技。《英国影视制作基础教程》这本书，就像一位经验丰富的戏剧老师，为我揭示了表演背后的秘密。 书中关于“演员表演与指导”的章节，让我对“演戏”有了更深层次的理解。我之前总以为，演员就是把台词说出来，做出一些表情就行了，但这本书却让我看到了表演的复杂性和艺术性。 书中详细阐述了演员如何去理解角色，如何去挖掘角色的内心世界，以及如何通过肢体语言、面部表情、以及声音的运用，来塑造出一个立体而真实的人物形象。我记得书中举了一个例子，关于如何通过一个微小的眼神变化，来传达角色的内心挣扎和复杂情感。这种对细节的把控，让我对演员的功力感到由衷的钦佩。 更让我着迷的是，书中还探讨了导演如何指导演员，以及如何与演员建立良好的合作关系。它不仅仅是简单地给演员下达指令，更是要通过引导、启发，让演员能够更好地理解角色，并将其内在的情感外化出来。书中还分析了一些经典的英国电影，是如何通过导演与演员之间的默契配合，来呈现出令人难忘的表演。 我尤其欣赏书中关于“即兴表演”的讨论。它让观众明白，好的表演不仅仅是背诵台词，更是演员在角色的情感驱动下，所产生的自然而真实的反应。这种即兴的火花，往往能够让表演更加生动和富有感染力。 这本书让我意识到，演员的表演是影视作品的灵魂，是连接观众与故事的重要桥梁。它不仅仅是技术上的展示，更是情感上的共鸣。通过这本书，我更加理解了为什么英剧中的人物总是如此鲜活和令人难忘。
评分作为一名对视觉艺术有着浓厚兴趣的人，我一直以来都对电影的画面构图和色彩运用充满了好奇。《英国影视制作基础教程》这本书，无疑是我在这方面的一次绝佳的“充电”。它不仅仅是一本技术手册，更是一本充满艺术哲思的读物。 书中关于“摄影与视觉风格”的章节，让我对“画面”有了全新的理解。我之前总以为，拍出清晰、明亮的照片就是好摄影，但这本书却让我意识到，摄影在影视制作中，承担着更为重要的叙事和情感传达功能。 书中详细阐述了构图的黄金法则，比如三分法、对称构图、引导线等，以及它们如何能够增强画面的视觉冲击力，并引导观众的视线。我记得书中举了一个例子，关于如何利用前景、中景、以及背景的层次感，来丰富画面的空间感，并突出画面的主体。这种精妙的构图，让画面不再是简单的平面，而是拥有了深度和故事感。 更让我着迷的是，书中对“色彩运用”的深入分析。它不仅仅是介绍冷暖色调，更是探讨了不同颜色所带来的心理暗示和情感联想。比如，蓝色常常代表着忧郁和冷漠，红色则象征着激情和危险，而绿色则可能传递着生机和宁静。书中通过大量的经典英国电影作为案例，比如《赎罪》中那抹标志性的绿色长裙，是如何在视觉上暗示着人物的命运和情感的纠葛。 它还深入探讨了如何通过色彩的对比和协调，来营造特定的氛围和情绪。比如，强烈的色彩对比，能够制造出一种戏剧性的张力；而柔和的色彩搭配，则能够营造出一种温馨舒适的感觉。我开始有意识地去留意电影中的色彩运用，发现原来那些让我心动的画面，往往是摄影师和导演在色彩上下足了功夫。这本书让我明白，摄影不仅仅是记录，更是用光影和色彩来“绘画”，来讲述一个无声的故事。
评分在我拿到《英国影视制作基础教程》之前，我对“剪辑”这个概念的理解，仅限于将拍摄好的素材“拼凑”在一起，形成一个完整的影片。我从未想过，剪辑竟然是一门如此博大精深的艺术，它能够赋予影像以生命，甚至改变故事的走向。 书中关于“剪辑的艺术与技巧”的讲解，让我彻底颠覆了以往的认知。它不仅仅是教我如何使用剪辑软件，更重要的是，它让我理解了剪辑在叙事中的核心作用。 书中详细阐述了不同的剪辑手法，比如连贯性剪辑、跳跃式剪辑、蒙太奇等，以及它们各自能够带来的不同的观感和效果。我记得书中举了一个例子，关于如何通过快速切换的镜头，来营造出一种紧张刺激的动作场面，让观众屏息凝神。而另一些时候，通过缓慢的镜头推移和长镜头，则能够让观众沉浸在角色的情感世界里。 更让我感到惊喜的是，书中还探讨了剪辑如何影响观众的情绪和心理。它解释了为什么一段流畅的剪辑能够让故事更加引人入胜，而一段混乱的剪辑则可能让观众感到困惑和烦躁。书中还分析了许多经典的英国电影，是如何通过精妙的剪辑，来制造悬念，引导观众的情绪，甚至改变观众对剧情的认知。 我尤其欣赏书中关于“节奏感”的论述。它不仅仅是剪辑速度的快慢，更是一种对画面和声音的整体把控，让整个影片拥有一个流畅而富有感染力的节奏。它让我明白，一个好的剪辑师，就像一个优秀的音乐家，他能够用画面和声音来谱写一曲动人的乐章。 这本书让我意识到，剪辑不仅仅是后期制作的一个环节，它是整个影视制作过程中不可或缺的创意部分。它能够将零散的素材转化为具有生命力的艺术品，让观众在观看影片时，获得更加丰富和深刻的体验。
评分这本书，哦，简直是打开了我对英国影视制作世界的一扇新大门！一直以来，我对那些精良的英剧和电影都充满了好奇，总觉得它们在色彩运用、镜头调度、以及叙事节奏上有着独特的魅力。拿到这本《英国影视制作基础教程》时，我并没有抱有多大的期望，毕竟“基础教程”这四个字听起来总是有些枯燥乏味，以为会是那种陈芝麻烂谷子的理论堆砌。然而，翻开第一页，我就被吸引住了。作者没有直接抛出一堆晦涩难懂的术语，而是从一个非常接地气的角度切入，仿佛一位经验丰富的行家，娓娓道来。 尤其让我印象深刻的是，书中对“光影的哲学”的解读。我一直以为打光就是简单地照亮画面，但这本书却把它上升到了艺术的高度。它不仅仅告诉你如何使用反光板、柔光箱，更重要的是，它解释了为什么要在某个位置打光，什么样的光线能营造出忧郁的氛围，什么样的光线能凸显角色的内心挣扎。书中引用了大量的经典英国电影作为案例，比如《国王的演讲》里那种温暖而略带历史感的自然光，《唐顿庄园》中那种雍容华贵的室内照明，甚至是《黑镜》系列里那种冷峻而具有科技感的视觉风格，都一一被剖析得头头是道。我仿佛看到，光线不再是冰冷的工具，而是情感的载体，是叙事的语言。它不是简单地“让画面亮起来”，而是“让观众感受到什么”。这种对细节的关注，让我重新审视了自己观看电影时的视觉体验。我开始留意那些微妙的光线变化，思考它们对情绪和故事推进的影响。这本书就像一个优秀的电影导师，引导我去发现那些隐藏在画面背后的匠心独运。
评分作为一名对英国文化有着深深迷恋的人，我对英式幽默、复古的年代感，以及那种特有的“绅士”风度，总是心生向往。《英国影视制作基础教程》这本书，就像一个充满智慧的老者，为我娓娓道来这些风格是如何在影视作品中形成的。 书中关于“英国影视的风格与流派”的章节，让我对英国影视的独特性有了更清晰的认识。它不仅仅是简单地列举一些电影和电视剧，更是深入分析了这些作品背后的文化根源、历史背景，以及它们是如何在视觉、听觉、以及叙事上形成自己独特的风格。 我记得书中提到了“英式黑色幽默”的特点，比如那种看似荒诞不经的情节，却往往蕴含着对现实的深刻讽刺。它还分析了“英式浪漫喜剧”的魅力，比如那种温文尔雅的对话，以及含蓄而动人的情感表达。 更让我着迷的是，书中还探讨了不同时代、不同导演的创作风格。比如，对于经典老电影，书中会分析其独特的胶片质感和叙事节奏；而对于当代英剧，则会关注其更加多元化的主题和更加前卫的视觉风格。它让我看到了，英国影视的发展并非一成不变，而是随着时代的变化而不断演进。 我尤其欣赏书中关于“文化符号”的运用。它让观众明白，英国影视作品中那些经典的元素，比如红色电话亭、双层巴士、以及那些充满历史感的建筑，不仅仅是简单的背景，更是承载着英国文化符号，能够瞬间让观众感受到浓厚的英伦氛围。 这本书让我明白了，英国影视作品之所以能够独树一帜，不仅仅是因为其精良的制作，更是因为其深厚的文化底蕴和独特的艺术追求。它让我更加欣赏那些作品中蕴含的智慧和情感，也让我对英国文化有了更深刻的理解。
评分我一直是个对视觉艺术非常着迷的人，尤其是那些充满英伦风情的电影和电视剧。那些精致的服装，古典的建筑，以及演员们内敛而富有张力的表演，总是深深地吸引着我。然而，在欣赏之余，我内心深处总是萦绕着一个疑问：这些作品究竟是如何被创造出来的？《英国影视制作基础教程》这本书，就像一束光，照亮了我心中长久以来的迷雾。 书中对“场景设计与美术指导”的解读，简直是让我大开眼界。我之前总以为场景布置就是找个好看的屋子就行了，但这本书却让我明白，每一个道具，每一件家具，甚至墙上的挂画，都蕴含着丰富的叙事信息。它不仅仅是为了美观，更是为了塑造人物性格，烘托时代背景，以及暗示剧情发展。 书中详尽地分析了不同时期、不同阶层的英国社会，如何在场景设计中得到体现。比如，对于一个维多利亚时代的贵族家庭，场景中可能出现的丝绒窗帘、鎏金边框的镜子、精美的瓷器，这些细节都在不动声色地告诉观众，这个家庭的财富、地位以及他们的生活方式。而对于一个20世纪初的工人阶级家庭，可能就是朴素的木质家具，简陋的织物，甚至是墙上略显斑驳的壁纸，这些都能够营造出一种现实而略带辛酸的氛围。 更让我惊叹的是，书中还探讨了如何利用色彩心理学来引导观众的情绪。它解释了为什么《傲慢与偏见》中的某些场景会大量使用柔和的绿色和蓝色，营造出一种宁静浪漫的氛围；而《呼啸山庄》中则会倾向于运用阴郁的棕色和灰色，来衬托人物压抑的情感。书中甚至还分享了一些关于如何利用道具来象征性地表达人物的内心世界，比如一把被丢弃的手套，可能暗示着一段关系的结束；一盆枯萎的花，可能象征着希望的破灭。我开始重新审视我观看过的那些经典英剧，发现原来它们的美学背后，有着如此深邃的考量。这本书让我明白，好的影视作品，绝不仅仅是好看而已，它是一种精心构建的视觉语言，每一个细节都承载着意义。
评分作为一个对英国文化情有独钟的人，我一直以来都对英国电影和电视剧情有独钟，那些独特的英式幽默、深邃的情感表达，以及精良的制作水准，都让我深深着迷。然而，对于这些作品是如何诞生的，我却一直知之甚少。《英国影视制作基础教程》这本书，就像一位耐心细致的引路人，一步步地将我带入了英国影视制作的精彩世界。 这本书中关于“剧本创作与改编”的部分，让我对故事的构建有了全新的认识。我一直以为，一个好故事就是内容精彩，但这本书却让我明白，剧本的结构、人物的弧光、以及对话的精炼，才是将一个想法变成引人入胜的影视作品的关键。 书中不仅讲解了传统的三幕式结构，还深入分析了英国影视作品中常见的叙事手法，比如非线性叙事、闪回、甚至是片段式的叙述，以及它们如何有效地为故事服务。我记得书中引用了《黑镜》系列的一个例子，如何通过一个看似独立的短篇故事，反映出当代社会的技术伦理问题，这种结构上的创新，让我印象深刻。 更让我感到惊喜的是，书中还探讨了如何将文学作品改编成影视剧。它不仅仅是简单地照搬小说的情节，而是要考虑如何将文字转化为视觉语言，如何保留原著的精神内核，同时又能在电影的语境下呈现出新的生命力。书中分析了《简·奥斯汀》系列电影改编时，如何在保留原作时代背景和人物性格的同时，通过镜头语言和剪辑节奏来放大人物的情感和内心的挣扎。 我尤其欣赏书中关于“角色塑造”的论述。它不仅仅停留在人物性格的描述，而是深入到如何通过角色的行动、对话、以及与其他人物的关系来展现其复杂性和深度。它强调了“Show, Don't Tell”的原则，即通过角色的行为来展现其性格，而不是直接告诉观众。这种细腻的叙事技巧，让我更加理解了为什么英剧中的角色总是如此立体和真实。这本书让我明白，一个好的影视作品，离不开一个扎实的剧本，它是一切创作的基础，也是灵魂所在。
评分在拿到《英国影视制作基础教程》之前，我对声音在影视作品中的作用，真的没有太多的概念。我总是把注意力放在画面和剧情上，觉得声音只是背景音，或者角色对话的载体。然而，这本书彻底改变了我的认知，它让我明白，声音不仅仅是画面内容的补充，它本身就是一种强大的叙事工具，甚至可以说是“隐藏的灵魂”。 书中对“声音设计与混音”的讲解，让我耳目一新。我之前以为，电影里的声音都是现场录制好的，或者随便找些音效素材放进去就行了。但这本书却让我看到了一个庞大而精细的“声音世界”。它详细介绍了现场录音的技术，比如如何选择合适的麦克风，如何避免环境噪音的干扰，以及如何捕捉到最真实、最有感染力的角色声音。 让我特别着迷的部分，是书中关于“拟音（Foley）”的介绍。我以前从来没有想过，生活中那些司空见惯的声音，比如脚步声、衣服摩擦声、甚至是喝水声，在影视作品中都需要经过精心的“制作”。书中举了很多生动的例子，比如在拍摄一个雨中奔跑的场景时，为了让观众感受到雨滴打在不同材质上的不同声音，拟音师会用各种各样的材料来模仿，水瓶、沙子、甚至是一盆水，都可能成为制造雨声的工具。这种对细节的极致追求，让我对影视制作的严谨性感到由衷的敬佩。 更重要的是，书中还探讨了声音如何影响观众的情绪和心理。比如，低沉而缓慢的背景音乐，能够营造出一种压抑和不安的氛围；突然而刺耳的音效，能够瞬间抓住观众的注意力，制造惊吓；而一段悠扬的旋律，则能唤起观众内心深处的怀旧和感动。书中还分析了不同类型的影片，如何利用声音来增强其特有的风格，比如惊悚片中那种寂静中的诡异声响，科幻片中那种未来感的电子音效。我开始有意识地去留意电影中的声音细节，发现原来那些令人毛骨悚然的场景，很多时候并不是靠画面，而是靠声音来营造的。这本书让我真正意识到，声音是影视作品不可或缺的“生命线”，它能够触动观众最深层的情感，让故事变得更加鲜活和立体。
评分20180326~3.27 前沿，第一部分和第四部分有认真看，其它略过
评分我知道了
评分说的很实在。是具体的措施。不虚头巴脑
评分精致极了
评分太过初级介绍全面但都是泛泛了事，想真正理解和研究需要继续读其他书，适合初学者。
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