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出版者:武汉大学出版社

作者:吴雪凌/国别：中国大陆

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2006-1

价格:9.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787307047860

丛书系列:

图书标签:

• 乐理教程
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乐理教程 内容梗概 《乐理教程》并非一本纯粹的理论堆砌，而是以一种深入浅出、循序渐进的方式，带领读者进入音乐的奥秘殿堂。本书的编写理念在于，将抽象的音乐理论与实际的音乐创作、演奏紧密结合，让读者在理解理论的同时，能够清晰地感知音乐的脉络，掌握音乐的表达方式。 本书内容涵盖了乐理知识的方方面面，从最基础的音符、节奏、节拍等元素开始，逐步深入到音程、和弦、调式、调性、旋律、和声、曲式等更复杂的音乐结构。它不仅仅罗列这些概念，更注重解释它们之间的内在联系，以及它们如何共同构建出我们所听到的丰富多彩的音乐。 第一部分：音乐的基石——音高与节奏 音与音高： 本章将从“声音”这一最基本的研究对象出发，介绍声音的物理属性，以及人耳如何感知不同的声音。在此基础上，引入“音”的概念，并详细解释“音高”的含义。读者将学习到音名的系统（如C、D、E、F、G、A、B），以及它们在不同八度中的变化。我们将探讨五线谱这一记录音高的重要工具，学习认识谱号（高音谱号、低音谱号等），以及音符在五线谱上的位置如何对应特定的音高。同时，还会涉及全音、半音的概念，以及它们在音阶构建中的作用。 节奏与节拍： 声音的高低被我们掌握后，接下来就要关注声音的“长短”以及它们在时间上的“组织”。本章将深入剖析“节奏”的本质，介绍各种时值的音符（全音符、二分音符、四分音符、八分音符等）以及它们之间的比例关系。我们将学习附点音符和休止符的意义，理解它们如何为音乐带来律动感和呼吸感。在此基础上，我们将引入“节拍”的概念，解释什么是拍子，什么是小节，以及不同的拍号（如4/4拍、3/4拍、2/4拍等）如何规定音乐的骨架。本章还会探讨节奏型，以及如何通过不同的节奏组合来创造出各具特色的音乐情绪。 第二部分：音的组织与构建——音程、音阶与调式 音程： 在理解了独立的音高之后，本章将聚焦于两个音之间的关系，即“音程”。我们将详细介绍各种音程的名称（如大二度、小三度、纯四度、增五度等），以及如何通过数音的个数和计算半音的数量来准确判断音程的性质。理解音程是理解和弦和旋律的基础，本书将通过大量的实例，帮助读者直观地感受不同音程所带来的听觉效果。 音阶： 音阶是构成旋律的基石，本章将系统介绍各种常见的音阶。我们将从最基础的大调音阶开始，详细讲解其音程构成（全全半全全全半），并介绍大小调的相互关系。随后，我们将深入探讨小调音阶的几种形式（自然小调、和声小调、旋律小调），分析它们各自的特点和在音乐中的运用。此外，本书还会涉及其他重要的调式，如五声调式（在中国传统音乐中尤为重要）以及教会调式（在西方古典音乐中具有深远影响），让读者对音阶的丰富性有更全面的认识。 调式与调性： 在掌握了音阶的构成后，本章将进一步探讨“调式”和“调性”。调式不仅是音的集合，更包含了音与音之间的相互吸引和倾向，形成了一个以特定音为中心的“稳定感”。我们将解释什么是主音、属音、导音等重要的调式内音，以及它们在构建音乐的“倾向性”中所起的作用。在此基础上，我们将引入“调性”的概念，理解音乐是如何围绕一个中心音（主音）组织起来的。本书将分析不同调性所带来的不同情绪色彩，以及在音乐进行中如何通过转调来丰富音乐的表现力。 第三部分：和声的色彩与织体——和弦、和声与复调 和弦： 当三个或三个以上的音按照特定的音程关系同时发声时，就形成了“和弦”。本章将从最基础的三和弦（大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦）开始，详细讲解它们的构成原理和性质。我们将学习如何识别各种三和弦，以及它们在音乐中扮演的角色。随后，我们将扩展到七和弦，介绍大七、小七、属七、半减七等常见七和弦，以及它们的特点和功能。本书将强调和弦的“功能性”，即和弦之间的相互进行关系，以及它们如何支撑起旋律，营造出音乐的进行感。 和声进行： 本章将深入探讨“和声进行”，即和弦如何从一个连接到另一个，形成连续的音乐。我们将学习最基础的和弦连接规则，如主-属-主（I-V-I）的进行，以及各种常用的和弦级数（如I、IV、V、II、VI等）的意义和功能。我们将分析不同和弦连接所带来的情绪变化，以及如何通过巧妙的和弦进行来引导听众的情绪。本书会介绍一些经典的和声进行模式，帮助读者理解它们在不同风格音乐中的运用。 复调音乐与织体： 在理解了单声部旋律和多声部和声后，本章将进一步探索更为复杂的音乐“织体”。我们将介绍“复调”音乐的概念，即两条或多条独立的旋律线同时进行，它们之间相互交织，形成丰富的音乐层次。我们将讲解对位法的基本原则，以及卡农、赋格等复调音乐体裁的特点。此外，本书还将讨论其他音乐织体，如主调音乐（旋律与伴奏）的特点，以及不同织体形式所带来的不同的听觉效果。 第四部分：音乐的结构与表达——旋律、曲式与配器 旋律写作： 旋律是音乐的灵魂，本章将聚焦于“旋律写作”。我们将分析构成优美旋律的关键要素，如乐句的划分、乐句的连接、动机的运用、高潮的设置等。我们将探讨旋律的“线条感”，以及如何通过音程的跳跃与级进的结合，创造出具有表现力的旋律。本书将提供具体的旋律创作练习，帮助读者将理论知识转化为实际的创作能力。 曲式结构： 音乐的结构就像建筑的框架，决定了作品的整体形态。本章将介绍各种常见的“曲式”结构，从最简单的单乐章曲式（如一段体、两段体）到更为复杂的曲式（如三段体、回旋曲式、奏鸣曲式等）。我们将分析这些曲式结构是如何组织音乐材料的，以及它们如何通过重复、对比、变奏等手法来构建音乐的逻辑。理解曲式结构有助于读者更清晰地把握音乐的整体走向。 配器与织体： 声音的丰富多彩不仅仅来自于音高、节奏和和声，更离不开“配器”的选择，即不同乐器组合的声音效果。本章将介绍不同乐器的音色特点、音域范围以及它们在合奏中的作用。我们将探讨如何根据音乐的风格和情绪来选择合适的乐器组合，以及如何通过乐器的组合来营造出特定的音乐色彩。本书还将简要介绍不同乐器之间的声部布局，以及如何协调各声部之间的关系，形成和谐而富有张力的整体。 第五部分：音乐的语汇与表现——音乐术语、风格与情感 音乐术语： 音乐是一门语言，而“音乐术语”就是这门语言的词汇。本章将汇集各种常用的意大利语音乐术语，解释它们在音乐中的具体含义，如速度术语（Allegro, Adagio）、力度术语（Forte, Piano）、表情术语（Espressivo, Cantabile）等。熟悉这些术语是理解乐谱、准确演绎音乐的关键。 音乐风格： 不同的历史时期、不同的地域文化孕育出了各具特色的“音乐风格”。本章将简要介绍西方古典音乐的几个重要时期（如巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期），以及这些时期音乐在旋律、和声、曲式、配器等方面的典型特征。同时，也会涉及一些重要的民族音乐风格，帮助读者建立起对音乐风格的初步认知。 音乐的情感表达： 音乐的最终目的是为了表达情感。《乐理教程》最终将带领读者回到音乐最根本的出发点——情感。本章将探讨乐理知识如何服务于情感表达，以及如何通过对音乐元素的恰当运用，来唤起听众共鸣。我们将分析不同的音乐要素（如音高、节奏、和声、力度、速度等）是如何独立或组合地影响音乐的情绪色彩的。通过本书的学习，读者将不仅能够理解音乐的“是什么”，更能体会音乐的“为什么”和“怎么样”去打动人心。 本书的特色与价值 《乐理教程》并非枯燥的教科书，而是力求以一种生动、易于理解的方式呈现乐理知识。本书的编写贯穿了以下几个核心理念： 理论与实践相结合： 每一个理论概念的引入，都伴随着相应的音乐实例，让读者能够“听”懂理论，并将理论应用于实际的音乐听赏和演奏中。 循序渐进，由浅入深： 内容安排遵循从基础到复杂的逻辑顺序，确保读者能够逐步建立起扎实的乐理基础，避免因知识断层而产生的困惑。 强调内在联系： 本书注重解释各个乐理知识点之间的相互关系，帮助读者构建起一个完整的音乐理论体系，而非零散的知识点。 注重音乐感知： 编写过程中，始终将读者的音乐感知放在首位，力求让抽象的理论变得具体可感，培养读者的音乐听觉能力。 无论您是音乐初学者，希望打下坚实的乐理基础；还是有一定音乐基础，希望系统梳理和深化乐理知识；亦或是音乐爱好者，希望更深入地理解和欣赏音乐，《乐理教程》都将是您不可或缺的良师益友。通过对本书的学习，您将不仅能够解读乐谱，更能理解音乐的内在逻辑，提升音乐的鉴赏能力，甚至为自己的音乐创作打下坚实的基础。本书旨在开启您的音乐之旅，让您在音乐的海洋中更加游刃有余，体验到音乐的无限魅力。

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说实话，拿到这本《乐理教程》的时候，我的期望值是比较高的，毕竟市面上打着“教程”旗号的书籍太多了，真正能做到“教”会人的并不多。我主要关注的是它在节奏和节拍处理上的深度。我发现它对复合拍子和复节奏的讲解非常细致，作者似乎花了很大的篇幅来拆解那些看似复杂的节奏型。例如，在讲解附点音符时，它不仅仅是简单地告诉你“延长一半时值”，而是通过与三连音和不同拍号的交叉对比，展示了这些节奏在不同音乐风格（比如爵士乐中的摇摆节奏）中是如何被实际应用的。这部分内容让我感到耳目一新，因为它将原本抽象的理论概念落地到了具体的音乐情境中。此外，书中关于记谱法规范的章节也做得非常到位，连休止符的放置规则、高音谱号与低音谱号的对应关系，甚至是一些不常用的记号，都有明确的图示说明。我尤其欣赏作者在处理模糊地带时的态度，比如对“不规则分拍”的处理，他没有武断地下结论，而是提供了几种主流的解释方法，并引导读者根据实际听感来判断，这种开放式的引导方式非常适合培养独立的音乐思维，而不是一味地死记硬背规则。

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这本书最让我印象深刻的是它对“音乐中的色彩”——也就是音色和配器法——的初步探讨。虽然它主要是一本乐理书，但作者并没有将音色完全排除在外，而是巧妙地在讲解和声时，穿插了不同乐器组合下的听觉效果对比。比如在讲解增三和弦的紧张感时，作者对比了弦乐组演奏增三和弦和木管组演奏增三和弦时，听觉上感受到的“刺耳”程度和情感张力差异。这表明作者认识到，乐理不仅仅是黑白键上的抽象规律，更是与声音实体紧密相连的。此外，书中还提供了一个专门的附录，解释了常见乐队中不同乐器的高音区和低音区的大致音高范围，以及它们在和声织体中最适合承担的角色（比如，低音区由大提琴还是低音提琴来担任）。这对于那些打算自己进行简单配器编曲的爱好者来说，简直是雪中送炭。很多乐理书写到和声就戛然而止，而这本书似乎提供了一个通向“如何让和声听起来更丰满”的桥梁，体现了作者对音乐实践的深刻理解和包容性。

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我是一个对曲式分析比较头疼的人，因为很多教材把曲式讲得如同解剖尸体一般干瘪。然而，这本《乐理教程》在“曲式结构”这一块的处理手法，让我感到意外的惊喜。它没有一开始就抛出复杂的奏鸣曲式结构图，而是从最简单的二部曲式和三部曲式入手，通过分析几首耳熟能详的简单民谣或练习曲，让读者先在听觉上感知“对比”和“再现”的乐趣。随后，它才逐步引入主调、副调、再现部、呈示部等术语，并且总是紧密结合具体的音乐实例，比如巴赫的赋格小品片段或者莫扎特的奏鸣曲引子部分。最妙的是，书中为每一个主要的曲式结构都设计了一个“自检清单”，比如在分析奏鸣曲时，清单会提示读者去寻找呈示部的结束音区、呈示部主题的性质对比、展开部的调性游移范围等等。这种结构化的学习方法，极大地降低了复杂曲式分析的门槛，让我感觉自己不再是单纯地背诵知识点，而是在“侦查”音乐的骨架。它成功地将理论知识转化成了一种可操作的分析工具。

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这本《乐理教程》的封面设计得相当朴素，黑白分明，字体设计中规中矩，给人一种非常传统、严谨的学术书籍的感觉。我翻开扉页，首先映入眼帘的是清晰的目录结构，似乎涵盖了从基础乐理到高级和声的方方面面。作者的序言部分提到了编写此书的初衷是为了填补国内市场上一本系统、全面且注重实践应用的乐理教材的空白，这一点非常吸引我这个初学者。我记得我以前接触的那些乐理书籍，要么过于注重理论推导而忽略了实际演奏中的应用，读起来枯燥乏味，要么就是过于碎片化，缺乏一个整体的知识体系。这本书的结构安排似乎试图在这两者之间找到一个平衡点。比如，在介绍音程和调式的那一章，不仅详细解释了音程的构成和大小调的构建逻辑，还配有大量的钢琴键盘图示和简谱示例，这对于那些视觉型学习者来说无疑是极大的帮助。我特别留意了关于和弦连接的部分，它似乎采用了“功能和声”的分析路径，而非仅仅罗列和弦的构成音，这预示着它可能更侧重于教会读者“为什么”要这样连接，而非仅仅是“如何”连接，这对于想要深入理解音乐作品的听者来说，价值非常高。整体而言，第一印象是厚重、扎实，有潜力成为一本值得反复研读的参考书。

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这本书的装帧设计和印刷质量给人一种非常“耐用”的感觉。纸张的厚度适中，不是那种一翻就容易破损的薄纸，墨水的清晰度也很好，即便是最小的五线谱符号，打印出来也锐利清晰，这一点对于需要长时间盯着乐谱学习的人来说至关重要，可以有效减轻视觉疲劳。我随机翻阅了关于调性与转调那一章，发现它非常注重听觉训练的结合。作者不仅提供了理论上的转调步骤（比如平行转调、关系调转调），还贴心地标注了哪些和弦转换在听觉上具有强烈的色彩对比，并建议读者在钢琴上反复演奏这些关键的连接点。这让我意识到，这本书不仅仅是写给识谱者看的，更是写给想要培养“内听力”的演奏者准备的。书中收录了大量的练习曲目示例，这些示例并非都是古典音乐中的片段，我注意到其中穿插了一些20世纪以来的和声进行，这显示出编者对当代音乐语境的关注。如果说有什么可以改进的地方，或许是图文的排版可以再活泼一些，现在的排版略显保守，对于年轻的学习者来说，可能在吸引力上稍逊一筹，但从内容严谨性上讲，这种严肃的风格也无可厚非。

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看过修订版，这个没看。修订版作为入门，挺不错。不厚，易看，利于掌握基本框架。

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