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出版者:Design Studio Press

作者:Scott Robertson

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:2013-12-15

价格:USD 54.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9781933492759

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 手绘
• 设计
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• 视觉艺术
• 绘画入门

探寻笔尖下的无限可能：如何绘制你心中的世界 你是否曾被一幅幅生动的画作所吸引，惊叹于艺术家们如何将脑海中的奇思妙想跃然纸上？你是否也渴望用画笔描绘出内心的情感、捕捉瞬间的灵感，创造属于自己的视觉语言？《How to Draw》将是你踏入这个充满魅力的艺术世界的最佳伙伴。 这本书并非一本枯燥的技法手册，而是一次与你一同探索和发现的旅程。我们相信，绘画不仅仅是模仿，更是思考、感受和表达。无论你是初次拿起画笔的绝对新手，还是已经拥有一定基础，希望突破瓶颈的进阶者，《How to Draw》都将为你提供清晰、实用且充满启发性的指引。 从基础到精通，循序渐进的绘画之旅： 本书将以最系统、最易懂的方式，带领你掌握绘画的核心要素。我们不会让你一开始就面对复杂的透视或人体结构，而是从最基本的“看见”开始。 认识你的工具： 了解铅笔的软硬度如何影响线条的粗细和深浅，如何选择合适的纸张才能让你的作品焕发光彩，以及橡皮擦在绘画中的多重角色——它不仅是修正错误，更是塑造明暗和细节的利器。我们将一步步教你如何巧妙地运用这些看似简单的工具，赋予它们生命。 线条的魔法： 线条是绘画的基石。从最简单的直线、曲线到复杂的S形和螺旋形，我们将深入剖析不同线条的特性和表现力。你将学会如何运用流畅的线条勾勒轮廓，用粗犷的线条表达力量，用细腻的线条展现质感，以及如何通过线条的疏密和粗细变化来营造画面的层次感和空间感。 形状与结构： 任何物体都可以被分解成基本几何形状。本书将教你如何识别和组合这些基本形状，例如圆、方、三角，从而构建出更复杂的物体和场景。我们将引导你理解物体在三维空间中的结构，如何从不同的角度观察和描绘它们，让你在绘画时不再感到无从下手。 光影的语言： 光影是赋予画面生命的关键。你将学习如何识别光源的方向和强度，理解不同材质的物体如何反射和吸收光线，以及明暗对比如何塑造物体的体积感和立体感。我们将通过大量的实例，演示如何运用明暗调子来表现物体的质感、空间和情绪，让你的作品瞬间生动起来。 透视学的奥秘： 无论是广阔的风景还是狭小的室内空间，透视学都是构建真实感和空间感不可或缺的工具。本书将以最直观的方式，解释一点透视、两点透视、三点透视的原理，并教你如何在实践中灵活运用它们。你将学会如何准确地绘制透视线、消失点，从而创造出具有深度和空间感的画面。 色彩的魅力（可选）： 如果你对色彩感兴趣，本书也将提供基础的色彩理论指导，包括色彩的分类、对比、混合以及如何运用色彩来表达情感和营造氛围。 不止是技法，更是思维的拓展： 《How to Draw》不仅仅是教你“怎么画”，更引导你“如何思考”来绘画。 观察力的训练： 绘画的本质是细致的观察。我们将提供一系列的观察练习，帮助你训练眼睛去捕捉细节，去理解物体的形态、比例、质感和光影。你会发现，当你的观察力得到提升，你的绘画也将随之进步。 从速写到创作： 速写是捕捉灵感、训练技巧的重要手段。本书将鼓励你进行大量的速写练习，无论是生活中的点滴，还是脑海中的闪念，都将其记录下来。我们还将探讨如何从速写中提炼元素，进而发展成完整的作品。 理解不同的绘画风格： 绘画的世界丰富多彩，从古典写实到现代抽象，每种风格都有其独特的魅力和表达方式。本书将为你介绍不同风格的绘画特点，帮助你找到自己的偏好和方向。 克服绘画中的常见挑战： 很多人在绘画过程中会遇到瓶颈，例如不知道如何开始、画面比例失调、色彩不协调等。本书将提供实用的建议和解决方案，帮助你克服这些普遍存在的困难，重拾绘画的信心。 为何选择《How to Draw》？ 实践性强： 每一章节都配有大量的图示和步骤分解，让你能够清晰地理解和模仿。书中包含的练习题将帮助你巩固所学，并将理论知识转化为实际的绘画能力。 启发性高： 我们鼓励探索和创新，而不仅仅是机械地复制。通过对原理的深入讲解，你将能够理解“为什么”，从而在创作时拥有更多的自主性和创造力。 适合所有人： 无论你的年龄、背景或绘画经验如何，本书都将是你提升绘画技巧、释放创作潜能的理想选择。 拿起《How to Draw》，让你的笔尖成为连接你内心世界与现实世界的桥梁。在这里，你将发现绘画的乐趣，解锁无限的创意，并用你独特的视角，描绘出这个精彩绝伦的世界。准备好开始你的绘画冒险了吗？

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作为一名喜欢画写实风格的爱好者，《How to Draw》这本书给了我巨大的帮助。它最让我受益匪浅的，是对“材质表现”的深入讲解。我之前画什么东西，都感觉是“硬邦邦”的，无法区分出金属、木材、布料等不同的材质。这本书则通过大量的案例和图示，详细地讲解了如何通过线条、光影和纹理来表现不同的材质。例如，在表现金属的时候，它会强调光滑的表面和强烈的反光；在表现木材的时候，它会注重纹理的走向和粗糙的质感；在表现布料的时候，它则会强调褶皱的形成和柔软的垂坠感。书中还提供了很多关于不同材质的“小技巧”，比如如何画出水滴在金属表面的反光，或者如何画出木材的年轮。我尝试着运用书中的技巧来画一个金属质感的杯子，先用锐利的线条勾勒出杯子的轮廓，然后用细腻的笔触和强烈的反光来表现金属的光泽。最终画出的杯子，看起来非常逼真，这让我感到无比的自豪。更让我惊喜的是，它还讲解了如何将不同材质的组合运用到同一个画面中，比如在同一幅画中同时表现金属、木材和布料。这本书让我明白，材质的表现不仅仅是模仿，更是一种对物体本质的理解和表达。

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我是一名零基础的绘画爱好者，一直想学习如何画出逼真的人物，但总是受限于自己的技法。偶然间翻到了《How to Draw》这本书，它让我惊喜不已。这本书最吸引我的地方，在于它对“比例”的精细讲解。之前我画人物，总是觉得哪里不对劲，可能是头太大，也可能是腿太短，总之就是非常不协调。这本书则提供了非常实用的比例尺和参考线，让我能够清晰地了解人体各个部分的黄金比例。例如，它会告诉你，一个成年人的身高大约等于其八个头高，以及肩宽、腰围、腿长等各个部分的精确尺寸。它甚至会教你如何通过测量和对比来确定物体的相对比例。书中提供了大量的不同姿势的人物速写，并且在旁边标注了各个部分的比例关系，这让我能够非常直观地学习和掌握。我尝试着按照书中的比例尺来画一个站立的人物，先确定头部的大小，然后根据比例来确定身体其他部分的长度和宽度。一开始还有些生疏，但随着练习的深入，我发现自己的画作越来越趋于写实，人物的比例也越来越协调。更让我惊喜的是，它还讲解了如何根据不同的年龄段和性别来调整比例，让人物更加生动和个性化。这本书让我真正地理解了“比例”的重要性，它是我绘画道路上不可或缺的基石。

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一直以来，我都对绘画中的“光影”部分感到非常头疼。总觉得画面暗淡无光，或者明暗对比过于生硬。但《How to Draw》这本书，却给了我一个全新的视角。它对“光影”的讲解，不是简单的涂黑涂白，而是深入到光线的本质。它详细地讲解了不同光源的性质，比如直射光、散射光、环境光，以及它们如何影响物体的受光面、背光面、投影和反光。书中充满了各种不同光线下的物体示例，让我能够直观地感受到光影变化带来的视觉效果。我特别喜欢它关于“明暗交界线”的讲解，它不是一条生硬的线，而是光线照射角度发生变化的最暗的部分，并且随着物体表面的曲度而产生柔和的过渡。它还教我如何运用“灰调”来丰富画面，通过不同深浅的灰色来表现物体的材质和体积。我尝试着画一个球体，先确定光源的方向，然后根据光源的强度和角度，去绘制出球体的亮部、灰部、暗部和投影。过程中，我学到了如何运用渐变来表现球体的光滑感，以及如何通过反光来增加球体的立体感。更让我惊喜的是，它还讲解了如何利用光影来营造氛围，比如用昏暗的光线来表现神秘感，或者用明亮的光线来营造活泼的氛围。这本书让我明白，光影不仅仅是技巧，更是一种情感的表达方式，它让我的画面变得更加生动，更加富有感染力。

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作为一名长期饱受“画不好手”困扰的人，《How to Draw》这本书对我来说，简直就是雪中送炭。它最让我赞不绝口的是，对“结构”的细致讲解。我之前画人物，总是感觉软绵绵的，没有骨骼感，就像是捏出来的面人。这本书则循序渐进地教会了我如何理解和表现物体的内在结构。它从最基础的骨骼结构开始，比如人体骨骼的比例和连接方式，然后延伸到肌肉的走向和起伏。它并没有直接让你画出肌肉线条，而是让你理解肌肉是如何附着在骨骼上的，以及它们是如何影响物体表面的形态的。例如，在画手臂的时候，它不是直接教你画出二头肌和三头肌的形状，而是让你先理解肘关节、腕关节的运动方式，以及肱骨、桡骨、尺骨之间的关系，然后才能根据这些结构来绘制出真实的手臂。书中提供了大量的解剖图和骨骼模型，让我能够清晰地看到物体的内部构造。我尝试着去画一个简单的手部，先画出骨骼的大致形状，然后理解手指关节的连接，再根据肌肉的体积来表现指关节的饱满度。这个过程虽然耗时，但最终画出的手，相比我之前画的“肉饼”一般的鬼东西，有了明显的进步。而且，它还讲解了如何将结构应用到不同的物体上，比如动物的身体结构，或者机械的构造。这种由内而外的理解方式，让我的绘画不再是表面功夫，而是有了坚实的内在支撑。这本书让我第一次感觉到，我能够真正地“理解”我所画的东西，而不是仅仅停留在模仿的层面。

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说实话，我之前对“素描”一直有个误解，觉得它就是枯燥乏味的线条和灰度练习。但《How to Draw》这本书，彻底改变了我的看法。它将素描的教学过程，分解得异常清晰和有趣。最让我印象深刻的是，它对“笔触”的讲解。我之前画画，总是一味地追求光滑的表面，结果画面显得死气沉沉。这本书则鼓励我大胆地运用不同的笔触，比如粗犷的线条、细腻的笔触、点画法等等，来表现不同的材质和肌理。它通过大量的图例，展示了不同笔触所带来的视觉效果，让我能够直观地感受到笔触的魅力。我尝试着运用书中的笔触技巧来画一个静物，比如一堆水果。我用粗犷的线条来表现水果的轮廓，用细腻的笔触来表现水果表面的光滑感，再用点画法来表现水果的纹理。这种尝试，不仅让我的画面变得更加生动有趣，也让我对素描有了全新的认识。更让我惊喜的是，它还讲解了如何通过笔触来表达情感，比如用飞扬的笔触来表现喜悦，或者用沉重的笔触来表现悲伤。这本书让我明白，素描不仅仅是技巧的练习，更是一种情感的释放，它让我的绘画变得更加富有表现力。

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我一直对色彩充满了热情，但却苦于无法将脑海中的色彩“搬”到纸上。《How to Draw》这本书，给我带来了巨大的启示。它对“色彩搭配”的讲解，让我大开眼界。它没有直接教我如何调色，而是从最基础的色彩理论开始，比如色相、饱和度、明度，以及它们之间的关系。它通过大量的图例，展示了不同色彩组合所带来的视觉效果，比如互补色搭配会产生强烈的对比，而邻近色搭配则会显得和谐统一。我特别喜欢它关于“色彩情绪”的讲解，它让我明白，不同的颜色会唤起不同的情感，比如红色代表热情，蓝色代表忧郁。我尝试着运用书中的色彩搭配原理来画一幅风景画，我选择了暖色调来表现阳光明媚的午后，并用一些冷色调来作为对比，让画面显得更加生动。更让我惊喜的是，它还讲解了如何利用色彩来突出画面的重点，以及如何通过色彩的明暗来表现物体的体积感。这本书让我明白，色彩不仅仅是颜料的堆砌，更是一种语言，它能够传达情感，烘托氛围，让我的绘画变得更加富有表现力。

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刚拿到这本《How to Draw》的时候，我其实是抱着一种有点忐忑的心情。我一直都对绘画抱有浓厚的兴趣，但总觉得自己天生“手残”，从小到大画的火柴人都能让人产生怀疑。所以，当我看到这本书的标题时，既觉得像是找到了一根救命稻草，又担心它过于基础，无法满足我这个“有志青年”的需求。然而，翻开第一页，我就被它独特的气质吸引住了。书中的排版设计非常人性化，大量的留白让视觉感受非常舒适，不会让人觉得信息过载。更让我惊喜的是，它没有一开始就丢给我一大堆复杂的理论或者晦涩的术语，而是从最最基础的线条开始，循序渐进。比如，它会教你如何握笔，如何控制力度，如何画出不同粗细和质感的线条。我之前总觉得画线条是件再简单不过的事情，但这本书却让我意识到，看似简单的线条，里面竟然蕴含着这么多学问！它通过一些生动形象的例子，比如模拟不同物体的边缘，或者表现光影的变化，让我对线条有了全新的认识。而且，书中的插图质量非常高，线条清晰，构图也很巧妙，每一页都像是一件艺术品，光是看着都能让人心情愉悦，也给了我莫大的启发。我开始尝试模仿书中的一些简单练习，例如画一个立方体，但不是简单的三条线一拼，而是通过不同方向的线条来表现它的立体感和空间感。一开始有些吃力，但随着练习的深入，我惊喜地发现，我的手似乎开始听我的指挥了，画出的线条也越来越流畅，越来越有自信。这本书不仅仅是教授技巧，更重要的是它在潜移默化中建立了我对绘画的信心，让我觉得，原来绘画并没有想象中那么遥不可及。

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我一直认为，绘画是一门需要天赋的艺术，而我显然不属于那种幸运儿。所以，当朋友推荐《How to Draw》给我时，我其实是抱着一种“试试看”的心态，并没有抱太大希望。但这本书，彻底颠覆了我的认知。它最让我受益匪浅的一点，就是它对“透视”的讲解。之前我看很多教程，讲到透视的时候，总是会让我头大，什么一点透视、两点透视，听得云里雾里的。但这本书的讲解方式非常直观，它从最简单的单点透视开始，用非常贴近生活的例子，比如一条笔直的马路，远处的物体会变小，近处的物体会变大，这本身就是透视的表现。然后，它通过大量的图示，展示了如何在二维的平面上表现三维的空间感。例如，它会教你如何画出消失点，以及如何利用消失点来确定物体在空间中的位置和大小。我印象特别深刻的是，书中有一个关于画房间的练习，它要求你根据一个给定的消失点，画出房间的墙壁、地板、天花板，以及房间里的家具。刚开始的时候，我总是画得歪歪扭扭，但通过书中提供的参考线和步骤分解，我逐渐掌握了透视的规律。更让我惊喜的是，它还讲解了如何表现物体的体积感，比如通过明暗交界线和投影来强调物体的立体感。我尝试着画一个简单的盒子，先用透视原理确定它的形状，然后根据光源的方向，去画出它的亮部、暗部和投影。最终画出的盒子，虽然简单，但却有了真实的立体感，这让我感到无比的成就感。这本书让我明白，透视并不是高不可攀的理论，而是可以通过练习掌握的实用技巧，它极大地拓展了我绘画的深度和广度。

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坦白说，我是一名“画画小白”，连最基本的几何图形都画不好，更别提什么人物、风景了。所以，《How to Draw》这本书对我来说，简直就是黑暗中的一盏明灯。最让我印象深刻的是它对“观察”这个概念的强调。在学习绘画之前，我总以为只要把脑子里想到的东西画出来就行了，但这本书却让我明白，真正的绘画，是从“看到”开始，而不是从“想到”开始。它用大量图例和文字，详细地讲解了如何去观察物体的形状、比例、光影和纹理。比如，在画一个苹果的时候，它不是直接教你怎么画一个圆，而是引导你去观察苹果的弧度，它表面的光泽，它与桌面产生的阴影。书中提供了很多“对比练习”，比如让你同时观察两个不同角度的杯子，然后尝试画出它们的区别。这种练习，极大地提升了我对细节的敏感度，我开始发现，原来我们平时习以为常的物体，竟然有如此丰富多样的形态。而且，书中对于“形体”的分解也非常到位。它会教你如何将复杂的物体分解成简单的几何形状，比如将人物分解成球体、圆柱体和立方体，再将这些基础形体组合起来，形成人物的大致轮廓。这种方法，就像是给了我一个绘制任何东西的“万能公式”，让我在面对陌生物体时，不再感到无从下手。我尝试着运用这种方法去画我桌上的台灯，先观察它的基本形状，然后把它分解成圆柱、圆锥和长方体，再一点点地填充细节。过程中虽然有些笨拙，但最终画出的效果，比我之前随心所欲地乱画要好太多了。这本书真正地教会了我如何“看”，如何“分解”，这是我之前从未接触过的绘画理念，也是我绘画道路上最重要的启蒙。

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在接触《How to Draw》之前，我对“构图”一直知之甚少，总觉得只要把东西画出来就行了。但这本书，让我认识到了构图的重要性。它将构图的原理，分解得异常清晰和易懂。最让我印象深刻的是，它对“黄金分割”和“三分法”的讲解。它告诉我，这些看似简单的构图法则，却能够极大地提升画面的美感和视觉冲击力。书中充满了各种不同构图的范例，比如对称构图、对角线构图、三角形构图等等，让我能够直观地感受到它们之间的差异。我尝试着运用三分法来构图，将画面分成九个区域，然后将画面的主体放在交叉点上，这让我的画面瞬间变得更加有层次感和吸引力。更让我惊喜的是，它还讲解了如何利用“留白”来突出画面的重点，以及如何利用“引导线”来引导观众的视线。这本书让我明白，构图不仅仅是技术的运用，更是一种艺术的思维，它能够让我的画作更具观赏性和感染力，让我对绘画有了更深的理解。

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最近在业余时间设计飞船，感觉自己有些基础还是薄弱了些，需要研读啊

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