具体描述
作者简介
布鲁诺·卢切西1926年出生于意大利卢加省多斯加尼高地上一个叫菲比尔诺的山村，他的家庭和村庄的其他人一样，都是农民和牧民，他们自给自足。少年的卢切西承担起到山边斜坡上放羊的活儿，但年轻的卢切西的艺术天分很早就被发现，并被送到卢加学习艺术。后又去了佛罗伦萨附近的一所学校，课余，卢切西经常徘徊在佛罗伦萨的街道和博物馆内，用心去感受文艺复兴大师的艺术。他喜欢勃鲁耐勒斯契和阿伯尔特的建筑、提塔。迪卡麦诺和丹诺提罗的雕塑，以及巴格克风格的画家——彭德莫和罗素第二的作品。
1957年卢切西来到美国，这时他的雕塑风格有了新的发展，他的作品风格来自多斯加尼高地的土壤和富有历史的意大利文艺复兴艺术，它们真实、亲切和易于理解。他用完美的技巧来完成作品。他的作品有优美的线条和丰富的人物表情，此外，它们还有一点现代人的淡淡哀愁和幽默感，卢切西出色的作品立即被认可。过了几年，他的作品被美国惠特尼艺术博物馆、布鲁克利博物馆、多拉斯美术博物馆、佛罗里达的索拉索塔伸尼艺术博物馆、马勃艺术博物馆、宾西法尼亚美术学院等机构收藏。著名的私人收藏家约瑟夫·H·哈尔逊荷恩和阿尔贝特·A·利斯特收藏了卢切西的作品。卢切西还得过很多国家学院奖，1975年他成为国家艺术俱乐部成员和建筑学会成员，1962年至1963年他成为古根海姆会员。
卢切西以小型人物和风俗雕塑最为著名，但也接受一些像真人或超过真人大的作品订单，这之中就有著名诗人沃尔特．惠特曼的半身雕塑，此雕像于1971年被安置在纽约门罗飞箭公园。就在不久以前，一座大于真人的洛利爵士雕塑被安置在北佛罗里达的洛利市。
卢切西生活在纽约，在这里他不仅抓紧时间进行创作，还任教于国家美术学院。
从1960年开始，布鲁诺·卢切西的雕塑作品就一直陈列在纽约的佛伦画廊，并一直由此画廊专营。
目录信息
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读后感
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用户评价
从一个更偏向于材料学的角度来看，这本书在探讨“人物”与“材料”的互动关系上，展现了令人印象深刻的洞察力。作者花了相当大的篇幅来讨论不同陶土配方（如高岭土、瓷石、氧化铁含量等）对塑性、收缩率以及最终烧成强度的影响，这对于追求稳定性和耐久性的创作者来说，是硬核干货。书中甚至列举了不同地区泥土的微观成分分析报告，这一点属实超出了我预期的范围，我原本以为这只是一本纯粹的造型书。此外，作者对泥料的“养土”过程也进行了详细的描述，强调了泥料的陈化时间对减少开裂的重要性。这种对基础材料学原理的深入挖掘，使得整本书的技术指导不仅是“怎么做”，更是“为什么这样做”。它促使读者从根源上理解陶塑的局限与可能，而不是盲目地模仿表象。这本书的严谨性，让我确信它不仅能指导我的创作，还能帮助我建立一套更科学的工艺观。
评分这本关于人物陶塑的著作，从我一个初学者的角度来看，简直是一本打开新世界大门的钥匙。首先，它的装帧设计就非常引人注目，厚实的铜版纸印刷，使得书中那些精美的陶塑照片色彩饱满，细节清晰可见，尤其是那些古代陶塑的纹理和神态，仿佛触手可及。我对陶塑的了解一直停留在博物馆里隔着玻璃观赏的层面，这本书却将创作的全过程娓娓道来。它没有过多地纠缠于晦涩的理论，而是非常务实地从选土、揉泥开始讲起，每一步都有详尽的图文解析，光是揉泥的手法，作者就分出了几种不同质地泥料的处理方式，对比鲜明，让人能立刻明白其中的细微差别。特别是关于塑形的部分，书中对人体结构的理解和简化处理，非常适合刚入门的人，它不是要求你成为解剖学专家，而是教你如何抓住人物的神韵和动态的“套路”。我尤其欣赏作者在介绍工具时那种匠心独道的态度，很多看似不起眼的竹签、木条，在作者手中都能发挥出惊人的效用，简直是化腐朽为神奇的范本。这本书的价值，在于它真正做到了将复杂的技艺拆解成易于理解的步骤，让人有了强烈的“我也能试试”的冲动，这对于一本技术类书籍来说，是至高无上的赞誉。
评分这本书的阅读体验，带着一种时间穿越的魔力。作者在叙述塑形技巧时，总是巧妙地穿插着不同历史时期大师的作品案例，这使得枯燥的步骤讲解瞬间鲜活了起来。比如，当讲解如何处理衣褶的流动感时，书中立刻展示了汉代陶俑衣纹的飘逸和唐代仕女俑裙摆的厚重，并分析了两者在泥料干湿程度控制上的差异。这种“古今对照、理论结合实例”的编排方式，极大地丰富了我的审美视野。我感觉自己仿佛跟随着作者，游走于不同朝代的工坊之中，亲眼目睹那些伟大的塑形家是如何克服材料的限制，表达他们对人性的理解。更令人惊喜的是，书中对一些失传或罕见的古代塑胎技巧，如“泥片贴塑”在复杂结构中的应用，也进行了细致的复原性探讨，这对于研究古代手工艺的学者来说，绝对是具有极高参考价值的补充材料。这绝非一本快餐式的教学手册，而是一部需要反复品读、常读常新的艺术文献。
评分这本书的深度和广度，远远超出了我对于一本“技法书”的预期，它更像是一部融合了艺术史和材料科学的综合论述。我特别关注其中关于烧制工艺的部分，那简直是惊心动魄的历程。作者对不同时期、不同地域的烧成气氛（氧化、还原）如何影响釉色和陶土的质变，进行了非常精妙的剖析。比如，书中详细对比了唐三彩的低温釉和宋代黑釉的烧成曲线，那种对温度精准到个位数的描述，让我深刻理解到“火的艺术”是如何决定一件作品的最终命运。我发现作者对窑炉构造和燃料选择也有深入的研究，不仅仅是描述“烧制”，而是探讨了如何通过控制火焰的“脾气”来达到特定的艺术效果。对于那些希望将陶塑提升到更高层次的创作者来说，这一部分无疑是宝贵的财富。它没有简单地提供一个“食谱”，而是让你理解背后的物理和化学原理，使技法从经验上升到了科学的层面。读完这一部分，再去看那些古老的陶俑，我不再只是赞叹它们的造型，而是开始思考它们在窑中经历了怎样的“炼狱”。
评分这本书的结构逻辑非常严谨，但叙述风格却充满了令人意外的幽默感和人情味。作者在介绍如何捕捉人物“神韵”时，没有采用那种高高在上的艺术术语，而是用非常口语化、甚至略带调侃的方式，提醒读者注意观察生活中那些最细微的表情——比如“一个犹豫的瞬间，如何用眉角的轻微下沉来体现”，这种代入感极强。我发现自己读到某些章节时，会不自觉地拿起旁边的橡皮泥开始尝试，而不是仅仅停留在文字的阅读上。在讨论作品的后期处理，特别是上色和做旧这一环节时，作者的笔触变得尤为细腻，他强调“做旧不是弄脏”，而是要模拟时间对材质的自然侵蚀痕迹。这种对细节的执着追求，使得全书的格调被拔高了——它教的不仅是塑形，更是如何赋予作品“生命感”和“历史感”。我喜欢这种接地气又不失深度的表达，让人觉得那位大师就在身边，耐心且耐心地指导着每一个“手笨”的学生。
评分一般，不如看视频。奇怪的翻译腔实在是不能让人好好的读书。
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