齐白石潘天寿傅抱石印鉴举要

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出版者:上海书画出版社
作者:王萍萍
出品人:
页数:30
译者:
出版时间:2005-6
价格:8.00元
装帧:
isbn号码:9787807251361
丛书系列:
图书标签:
  • 藏书
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  • 篆刻
  • 艺术史
  • 绘画技法
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具体描述

印章在书画的鉴定中,是一种辅助性的依据,但是,它往往是一幅伪作的硬伤。因为,谈论笔墨水平的高低和性格,由于主观性的差异,往往见仁见智,莫衷一是,明显的分歧经常出现在国家级的鉴定专家那里。

对于印章真伪的看法就相对容易统一,因而,比对印章,在今天的收藏鉴赏工作中,仍旧具有不可替代的重要意义。

比对图章主要看其三个方面的“硬伤”。一是看同一方图章大小是否一致。二是图章的使用时间是否正确。一般说来,书画家在完成作品后,往往在题款下钤盖名章,也就是说,名章钤盖时间与画作完成时间很接近,当然也有经过若干年再补盖图章者,但这种情况以闲章居多。如果在一幅书画家早年的作品上盖了他中晚年的名章,这就要提高警惕。三是图章的使用规律,这主要指闲章。比如谢稚柳有数方“落墨”的闲章,只在上世纪70年代后的落墨花鸟画和山水画上使用,如果出现了一幅钤盖“落墨”的上世纪40年代的谢氏工笔仕女,不免贻笑大方。

比对印章虽是书画鉴定中的重要环节,但运用这一方法目前还须注意三个方面的问题:一、注意运用电脑技术和锌版图章工艺改进后伪造的图章,其与真图章几乎分毫不爽。二、充分考虑同一方印在印泥干湿厚薄和钤印者用力差异情况下出现的不同面貌。三、部分已过世的当代名家,他们的印章至今流散在私人手里,要充分考虑画伪印真的情况。

翰墨丹青:中国近现代书画大师的艺术之路与时代印记 书名: 翰墨丹青:中国近现代书画大师的艺术之路与时代印记 著者: 艺术史研究团队 出版社: 翰林文化出版社 开本: 16开 页数: 约600页 --- 内容简介 《翰墨丹青:中国近现代书画大师的艺术之路与时代印记》是一部宏大而细致的学术专著,旨在系统梳理和深入剖析二十世纪中国书画艺术波澜壮阔的发展历程,重点聚焦于那些在时代洪流中坚守传统、勇于革新,并最终确立了各自独特艺术体系的标志性人物。本书并非关注某一特定艺术家的印章研究,而是着眼于宏观的历史背景、创作观念的演变、技法体系的构建,以及艺术大师们对中国文化精神的承载与发扬。 本书分为上下两卷,结构严谨,资料翔实,力求为读者呈现一幅立体的近现代中国艺术群像。 上卷:时代的变革与艺术的觉醒 (约1900-1949) 上卷聚焦于晚清至民国时期,一个剧烈动荡、中西文化激烈碰撞的时代。艺术界正经历着从传统文人画向现代艺术转型的阵痛与探索。 第一章:旧邦不嗣,艺术的断裂与重建 本章探讨了晚清“四王”体系的僵化及其对学院派艺术的桎梏。详细分析了西方写实主义传入中国后,对传统“格法”产生的冲击,以及早期艺术教育体系(如京师大学堂、上海美专)的建立对中国画教育的颠覆性意义。重点讨论了如吴昌硕等“后海派”艺术家如何承上启下,在继承传统碑学和金石入画的道路上,为后来的革新奠定坚实基础。 第二章:南陈北齐的呼应与分野 着重探讨了在地域和风格上具有代表性的两位巨匠——陈独秀、徐悲鸿的艺术主张及其对画坛的影响。 陈独秀与“新美术”的旗手: 分析陈独秀提倡“写实主义”的时代背景,以及他如何从理论上批判传统文人画的“脱离社会现实”倾向。 徐悲鸿的写实与融合: 深入剖析徐悲鸿留学法国的经历,他如何以素描为基础,融合中国笔墨,强调“素描为中西艺术之公理”,并以奔马题材作为其民族精神的象征。探讨他创建中央大学艺术系,培养了大量影响深远的艺术人才,对写实主义在中国的普及起到的决定性作用。 第三章:文人画的坚守与转型 本章细致考察了在学院派冲击下,传统文人画阵营的自我调整与突破。 “四王”门下的承继者: 讨论了如王雪涛、王个儿等艺术家如何在其师承体系内,进行个性化的发展,或强化花鸟画的写意精神,或在工笔中融入时代气息。 岭南画派的地域性探索: 专题研究了高剑父、陈树人等在岭南地区“折中派”的实践,如何将日本画的设色技巧与传统水墨相结合,开辟出色彩绚丽、富有生命力的画风。 第四章:金石入画的新格局 本章聚焦于如何将金石学研究的成果转化为绘画语言,这成为打破既有文人画程式的重要途径之一。讨论了如何从汉魏碑刻、砖瓦图像中提炼出古朴、雄强、浑厚的笔墨语言,形成了区别于传统“秀雅”画风的新风貌。 下卷:新中国与艺术的规范化与多元发展 (1949-2000) 下卷关注新中国成立后,书画艺术在国家意识形态引导下所经历的巨大转变,以及艺术家们在新的政治环境下对艺术语言的再塑造。 第五章:现实主义的主旋律与山水画的革新 新中国成立后,艺术创作被赋予了强烈的社会责任感。山水画不再是单纯的“胸中丘壑”,而是承载祖国壮丽山河的载体。 “新山水”的构建: 探讨了如何将“写生观”提升到前所未有的高度,艺术家们走出画室,深入工厂、矿山、边疆进行写生创作。分析了如何在构图上吸取西洋风景画的深度和空间感,同时保持水墨的韵味。 写意精神的当代转化: 考察了如何将写意画的概括能力应用于表现宏大主题,例如描绘江河水利工程、新建城市景象等,形成一种既有传统意蕴又符合时代精神的“纪念碑式”画风。 第六章:花鸟与人物画的典范与影响 本章分别考察了花鸟画和人物画在新时期如何确立其新的典范。 人物画的“革命现实主义”: 重点分析了如何通过引入人体解剖学知识和西方绘画的造型能力,以传统笔墨来塑造劳动人民的英雄形象,使人物画成为最能直接反映时代精神的画科。 花鸟画的“时代象征”: 讨论了花鸟画如何被赋予政治寓意,例如以松柏、荷花等象征坚韧不拔的品格,其创作技法在保持原有笔墨精髓的基础上,更注重主题的鲜明性和象征性。 第七章:地域画派的格局与传承 本书考察了在国家艺术机构的组织下,地方性艺术群体如何被纳入全国美术体系,并形成了具有鲜明地域特色的艺术中心。讨论了如江苏画院、上海中国画院等机构对艺术风格统一化和精品化所起的作用。 第八章:艺术的多元化与后现代的曙光 从20世纪80年代开始,随着思想的解放,艺术开始向多元化发展。本章探讨了老一辈艺术大师的“余脉”如何影响年轻一代,以及对传统水墨语言进行实验和解构的早期探索。讨论了抽象水墨、实验水墨等思潮的萌芽,预示着二十一世纪中国艺术的广阔前景。 --- 本书特色 1. 体系性强: 本书采用断代史和专题研究相结合的方式,构建了完整的近现代中国书画发展脉络,避免了零散的个案分析。 2. 史料扎实: 广泛引用了大量历史文献、艺术家书信、早期美术刊物及展览目录,确保了论述的可靠性。 3. 注重观念史: 不仅关注“画了什么”,更深入探讨“为什么这样画”,揭示了艺术观念在不同历史时期的变迁,以及艺术家对“中国画”本体性的哲学思考。 4. 拒绝偏颇: 本书力求平衡“学院派”与“民间派”、“传统派”与“革新派”的论述权重,展现近现代艺术史的复杂性和多重性。 适读人群: 艺术史研究者、美术专业学生、中国传统文化爱好者,以及对近现代中国社会文化变迁感兴趣的普通读者。

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读后感

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用户评价

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作为一个长期关注艺术市场动态的观察者,我对这类权威性图录的编纂严谨性有着近乎苛刻的要求。这本画册在文献资料的梳理和作品的年代定位上,展现出了极高的专业水准。它不仅仅是图片的堆砌,更像是一部带有学术研究深度的视觉辞典。我注意到,一些早期鲜为人知或流传有序存疑的作品也被收录其中,并且附带了详尽的出处考证,这对于我们做学术研究,避免引用失误至关重要。每一幅作品的排版都经过了深思熟虑,旁边的留白恰到好处,既不显得空旷,又不压迫主体,使得读者的注意力能够完全集中在作品本身的神韵之上。这种克制而又充满敬意的编辑手法,使得整本书读起来非常流畅、舒服,堪称一本典范级的艺术图册。

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我是在一个偶然的机会接触到这套资料的,当时我正为一篇关于近现代书画市场流变的研究论文寻找可靠的图像资料。这本册子给我的直观感受是,它像一部精心编纂的艺术史速写本,内容密度非常高,信息量极大。特别是那些对创作背景的简短而精准的文字介绍,往往能一语中的地指出作品在当时语境下的突破性意义,避免了冗长空泛的赞美,直击核心。我特别喜欢它对一些经典题材的深入剖析,比如对花鸟画中“写意”与“写形”平衡点的把握,那些细微的墨色浓淡变化,如何营造出生命的律动感,在书中通过高清的复印技术得到了极好的还原。说实话,在如今这个信息碎片化的时代,能看到这样一套系统性、脉络清晰的艺术精品集结,实属难得。它不只是提供视觉享受,更是提供了深入理解中国文人画精髓的有效路径。

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这本厚重的画册,着实让人眼前一亮。首先映入眼帘的是那幅气势磅礴的山水长卷,笔墨酣畅淋漓,那种“一览众山小”的胸襟跃然纸上。我仿佛能闻到空气中弥漫的松烟气息,感受到画家挥毫时那种近乎虔诚的专注。尤其值得称道的是,装帧设计极具匠心,纸张的质感与画作的韵味完美融合,即便是光影下细微的皴擦点染,也清晰可见,这对于我们这些钻研中国画技法的爱好者来说,简直是福音。书中对于不同时期作品的选取也颇有深意,能清晰地勾勒出艺术家心路历程的演变,从早期的青涩探索到晚期的炉火纯青,每一步的跨越都留下了清晰的笔墨轨迹。随便翻开一页,都是一堂生动的写意课,那些看似随意的几笔,实则蕴含着深厚的传统功力和对自然的深刻理解,让人不得不停下来反复摩挲,揣摩其中的奥妙。这本书的收藏价值和艺术鉴赏价值,是毋庸置疑的。

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初次翻阅,我最大的感受是那种扑面而来的“气”。很多艺术图录,尤其是印刷质量稍次的,总是无法传达出原作的生命力,墨分五色、笔触的飞白之趣常被损失殆尽。然而,这本画册在色彩还原和细节捕捉上达到了一个极高的水准,尤其是那些需要仰视才能体会的巨幅作品,装帧时巧妙地采用了对开或多页连缀的方式,最大限度地保留了原作的整体气势和连贯性,读来令人心潮澎湃。我尤其关注了其中关于写生用笔的章节,那些看似信手拈来的线条,实际上蕴含着极高的书写功底,书中对这些细节的强调,无疑对正处于模仿与学习阶段的年轻画家有极大的启发作用。它提供了一种非常“实在”的学习材料,让人能从最基础的笔法结构上去理解艺术家的创作哲学。

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这本书带来的阅读体验,更像是一场穿越时空的艺术对话。我常常在午后,泡一壶浓茶,在灯下静静地品味其中的一幅作品。那些画中蕴含的东方哲学和人生况味,随着目光的游走而缓缓渗透出来。我特别留意了那些对空间布局的处理,如何在有限的宣纸上营造出无穷的意境,这绝非简单的技巧问题,而是对“虚实相生”的深刻领悟。书中对作品的细节放大处理,让我得以近距离观察到笔锋的干湿浓淡,那如同音乐的节奏一般错落有致,充满了生命力的律动感。这本书成功地架起了一座桥梁,让今天的我们能够跨越时代的鸿沟,与这些艺术巨匠进行无声的交流,汲取他们留给后世最宝贵的精神财富。它无疑是我书架上近来最常被翻阅的一本“宝典”。

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