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出版者:紫禁城

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页数:0

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出版时间:2005-4-1

价格:20

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isbn号码:9787800471995

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《古今翰墨鉴赏录》 作者： 王文清 出版社： 翰林书局 出版日期： 2023年10月 定价： 188.00元 --- 内容简介 《古今翰墨鉴赏录》是一部系统梳理中国书法、绘画艺术发展脉络，深入剖析历代重要书画家作品风格特征与时代背景的学术专著。本书旨在为读者提供一个全面而深入的视角，去理解和欣赏中国传统“翰墨”艺术的精髓与魅力，而非仅仅停留在表面现象的描述。 全书共分为五大部分，近五十万字，力求在史论结合、理论与实例并重的原则下，展现中国艺术史的宏大图景。 --- 第一部分：墨痕初开——先秦至魏晋的笔墨源流 本部分着重探讨了中国书画艺术的萌芽与确立阶段。我们首先追溯了甲骨文、金文的刻画与铸造艺术，分析了它们如何从实用性的符号系统逐步向审美表达过渡。重点章节分析了秦汉时期篆隶的演变，特别是小篆的规范化过程以及隶书“蚕头燕尾”的结构美学。 进入魏晋南北朝，本书详述了“书圣”王羲之及其家族的书法成就，不仅分析了《兰亭序》的结构布局和用笔特点，更深入探讨了玄学清谈之风对书法审美取向的影响——即从注重法度到追求“自然”“神韵”的转变。在绘画方面，本部分收录了顾恺之的“传神论”及其对人物画的影响，并首次将魏晋时期壁画中的写意倾向与当时的哲学思潮进行了细致的关联分析。 --- 第二部分：气象万千——唐宋盛世的艺术高峰 唐代是中国艺术走向成熟与辉煌的时期。本书以唐代“尚法”的书风为切入点，详细剖析了欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等“初唐四家”的风格异同，并着重阐述了颜真卿和柳公权如何通过书法确立了雄强与法度的典范。在绘画领域，本书着重探讨了吴道子的“吴带当风”与李思训的“青绿山水”所代表的不同画派，揭示了盛唐气象如何融入笔墨之中。 宋代是文人艺术全面崛起并占据主流的时代。本书投入大量篇幅研究宋四家——苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄。我们不只是简单罗列他们的成就，而是深入挖掘了苏轼“我书意造无法”的哲学内核，以及黄庭坚如何将长枪大戟般的笔法推向极致。绘画部分聚焦于宋代院体画的精微与写实，以及文人画的兴起，尤其是李公麟的白描和范宽、郭熙对山水意境的构建。通过对宋徽宗瘦金体的细致分析，我们探讨了帝王艺术家的独特审美如何塑造了一个时代的风格。 --- 第三部分：变革与融合——元明清的文脉传承 元代是汉文化在异族统治下寻求精神寄托的时期。本书详细解读了“元四家”——赵孟頫、吴镇、倪瓒、黄公望的书画成就。赵孟頫力图“复归晋唐”，其温润秀雅的书风成为元代审美的主流；而倪瓒的“一味萧疏”，则被视为对世俗的疏离与对高洁品格的坚守。本书探讨了元代书画如何从技法层面上升到“以书入画”的境界，将个人情感与笔墨语言深度融合。 明代艺术呈现出多元化发展的态势。董其昌提出的“南北宗论”在本书中得到了批判性重估，作者认为这一划分既有历史依据，也带有后世文人的主观色彩。本书对吴门画派（沈周、文徵明）的承袭与创新，以及松江派（董其昌）的“淡墨山水”进行了细致的对比研究。在书法上，晚明时期出现了张瑞图、黄道周等充满个性的书家，他们的结构和章法突破了传统规范，展现出强烈的时代精神。 --- 第四部分：笔墨的时代之声——清代中后期的探索 尽管清代书画在后世评论中常被置于“积习”的批判之下，但本书认为，清代同样涌现出大量富有创造力的艺术家，他们在继承传统的同时，也尝试突破陈规。本部分着重分析了“四王”吴、王、董、赵的摹古精神，探讨了这种“集大成”策略背后的文化心理。 重点分析对象包括： 1. 碑学复兴与帖学的对峙： 详细梳理了邓石如、包世臣、康有为等人如何从金石碑刻中汲取力量，重塑书法面貌，以及这种复古运动与当时思想界的联系。 2. “怪诞”与“奇崛”的艺术： 深入探讨了“扬州八怪”，特别是金农的漆书、郑板桥的“乱石铺阶”体，分析了他们如何将市井文化、个人生活经验融入笔墨，使艺术语言更为自由和个性化。 3. 山水画的新变： 考察了“四僧”（石涛、八大山人）在清初的隐逸表达，以及陈道复、董其昌等人在山水章法上的精妙设计。八大山人的极简与象征性笔法，被视为对传统笔墨体系的深刻反思。 --- 第五部分：鉴赏的维度——笔墨技法的系统解析 本书的最后一部分，提供了实用的鉴赏工具和方法论。我们不再仅仅停留在历史叙述，而是回归到作品本身。本章详细拆解了书法的“用笔”要素——如中锋、侧锋、藏锋、露锋的实际运用效果；绘画中的“皴法”——披麻皴、斧劈皴、荷叶皴的生成逻辑与表现力。 此外，本书还讨论了中国艺术的“收藏与装裱”文化，探讨了卷轴、册页、立轴等不同装裱形式对作品视觉体验的影响，并提供了辨识历代印章、题跋的初步指南。 《古今翰墨鉴赏录》不仅是研究者深入学术殿堂的阶梯，也是艺术爱好者领略中国传统笔墨艺术高妙之处的指南。它强调艺术是历史的产物，每一笔、每一墨都承载着创作者的生命体验与时代精神。本书期望引导读者，以更广阔的视野去品读那些穿越千年的墨宝，感受其跨越时空的艺术感染力。

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老实说，我更偏爱那种文字量大、信息密度高的历史著作，一开始翻看这本画册时，我还有点担心图太多会不会让人心浮气躁。但随着阅读的深入，我发现自己完全被那些帝王的“神情”给吸引住了。这些画像的魅力在于其内在的复杂性，它们是权力符号的集合体，却又不得不透露出作为“人”的某些痕迹。我印象最深的是道光皇帝的几幅侧面像，那份略显忧郁和沉重的神态，与我们传统印象中那个“中兴之主”的形象似乎有所出入，让人不禁思考，在那个内忧外患的年代，坐在龙椅上的人究竟背负着怎样的重压。本书的编排方式非常巧妙，它将不同时期的肖像并置对比，使得清朝三百年的权力更迭和审美变迁，如同一条清晰的脉络展现在眼前。即便是那些相对模糊、流传较少的画像，也得到了高质量的复刻，保证了视觉体验的完整性。对于研究清代服饰制度、礼仪规范的人来说，这本书提供的视觉参考价值，比任何文字描述都要直观和有力。

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买到这本书纯属偶然，但我对它的评价绝对是五星好评，尤其是对于那些对视觉文化和象征符号学感兴趣的朋友。这本书的排版设计简直是教科书级别的！它不像一般的图册那样将图片塞得满满当当，而是留出了大量的留白空间，使得每一幅皇帝的肖像都能“呼吸”，都能占据读者的全部注意力。重点在于，它对“神圣性”的刻画达到了极高的水准。清代皇帝的画像，很大程度上是为了营造“天子”的威严和不可侵犯性，而这本书通过对光影处理、背景装饰（如龙纹、云纹）的解析，让我们看到了这种神圣性是如何一步步被构建和维护的。我尤其欣赏书中关于“皇帝自画像”与“官方正式肖像”的区分，这种细微的差别，揭示了帝王在不同场合下试图向世界投射的不同形象。这不是一本简单的艺术品鉴赏录，它更像是一部关于清代权力“面具”的深度剖析报告，非常值得反复品味和研究。

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这部关于清代帝王肖像的画册，简直是一场视觉的盛宴，让我这个历史爱好者流连忘返。从康熙的英武少年到乾隆的雍容华贵，每一幅画像都仿佛带着历史的呼吸扑面而来。装帧设计本身就透露着一种古典的厚重感，纸张的质地摸上去很有分量，油墨的印刷技术着实精湛，色彩的还原度极高，那种丝绸的纹理、官帽上的东珠反光，都处理得细腻入微。尤其值得称道的是，书中对不同时期肖像风格的演变进行了细致的梳理，比如早期受西方透视法影响的写实主义，如何逐渐融入了清宫传统“吉相”的审美标准，这些专业的导读文字，虽然篇幅不长，但切中肯瘕，为我们这些非专业人士打开了一扇通往宫廷艺术审美品味的大门。我特别喜欢那些细节图的放大展示，可以清晰地看到帝王眼角的威严、胡须的根根分明，以及朝服上繁复的团龙刺绣，那份皇家气度，绝非寻常的复制品所能比拟。对于想要深入了解清代皇室形象构建和权力象征表达的读者来说，这本书无疑提供了极其丰富的图像资料和专业的鉴赏视角。

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我花了整个周末的时间来细看这本《清代皇帝像》，每一次翻页都像是与历史进行了一次无声的对话。这本书的装帧质感，无论是封面烫金的工艺，还是内页纸张的厚实度，都体现了出版方对文化遗产的尊重，拿在手里沉甸甸的，有一种收藏的满足感。内容上，它最大的优点在于资料的稀有性和详尽性。很多宫廷旧藏的珍贵画像，即便是专业的史学研究者也很难在其他地方集齐，这本书却将它们汇集一堂。最打动我的是那些晚清几位皇帝的肖像，那种在时代洪流中显得力不从心的“眼神”，与早期帝王的自信形成鲜明对比，让人唏嘘不已。书中对人物表情细微变化的捕捉和描述，既有历史学家的客观性，又不失文学性的感染力，使得阅读过程非常流畅和引人入胜。这是一本值得所有热爱中国古代史、宫廷文化和人物肖像艺术的人收入囊中的佳作，它的价值远超其标价。

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我原本对这类专注于特定主题的图册抱持着一丝谨慎的态度，总担心内容会过于单薄，无非是把博物馆里的画作简单地罗列一遍。然而，这本《清代皇帝像》却大大超出了我的预期。它不仅仅是一本“看图”的书，更像是一份细致入微的“物证研究”。作者在介绍每位帝王画像时，并非简单地标注年代和身份，而是深入挖掘了肖像背后的政治意图和艺术家的匠心。比如，雍正时期肖像中那种近乎冷峻的克制感，与乾隆晚年肖像中流露出的自信与享乐主义之间的微妙张力，都被捕捉得恰到好处。更令人惊喜的是，书中穿插了一些关于画像材质和修复历史的记录，这极大地增加了本书的学术厚度和可读性。我记得有一张光绪皇帝的早期戎装像，书里提到这张像的绘制背景与某次外交事件有关，这种将艺术品置于具体的历史情境中解读的方法，让原本静态的画面瞬间“活”了起来。可以说，这本书的价值在于其深厚的考据和严谨的论证，绝对是历史爱好者书架上不可或缺的一本“硬核”藏品。

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