梅兰芳经典虽腔伴奏(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787888201859

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《梨园遗韵：京剧流派艺术探微》 内容提要 本书旨在深入剖析二十世纪中国戏曲舞台上璀璨夺目的京剧流派艺术，重点探讨以梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生“四大名旦”为代表的艺术高峰，及其对后世京剧旦角表演的深远影响。全书超越单纯的剧目介绍或历史梳理，着眼于“程式的创新与个性的融合”这一核心命题，从唱腔的音韵结构、身段的意象表达、乃至服装、化妆的时代演变等多个维度，对不同流派的艺术精髓进行细致入微的拆解与阐释。 第一章：京剧流派的兴起与时代背景 本章首先勾勒出清末民初京剧艺术的生态环境。在传统戏班制度瓦解与西方文化思潮涌入的双重背景下，京剧艺术亟需突破以求生存与发展。四大名旦的崛起并非偶然，而是对社会审美需求和舞台艺术自身发展规律的深刻回应。 市场需求与艺术革新： 探讨都市化进程如何催生了对更具观赏性、更富情感张力的舞台艺术的需求。 南北流派的交融： 分析昆曲、梆子等其他剧种对京剧旦角表演体系的输入与影响，为流派的形成奠定基础。 “科班教育”向“师徒传承”的过渡： 考察学戏模式的转变如何为艺术家提供更个性化的发展空间。 第二章：梅派艺术的“沉静之美”——以“气韵生动”论 本章聚焦于被誉为“集大成者”的梅兰芳先生的艺术成就。不同于单纯的技艺复述，本章着重于探究梅派艺术的哲学意蕴。 “立音”与“气口”的哲学： 详细分析梅派唱腔中气息的运用如何达到“如泣如诉”的境界，其高低音的过渡如何体现出“中庸”的美学观。重点剖析其声腔的圆润性与饱满度，如何在不追求高亢激昂的同时，保持强大的艺术感染力。 身段的“诗化”处理： 考察梅派舞蹈语汇中对中国古典诗词意境的视觉化表达。例如，对“水袖”的运用，如何从单纯的道具，升华为表达人物内心挣扎与外在姿态的有机统一体。 妆容与服装的“时代性”革新： 分析梅先生如何通过改良旗装、吸收西方舞台光影效果，使旦角形象既保持了传统审美的典雅，又适应了近距离观赏的需求。 第三章：程派艺术的“悲剧之音”——探究“腔”的内在力量 程砚秋先生的艺术以其独特的悲剧性和沉郁的风格独树一帜。本章将程派的艺术核心归结于其对“板式结构”的颠覆性运用。 “抑扬顿挫”中的“冷”与“韧”： 分析程派唱腔中大量使用“三眼慢板”和“紧拉慢唱”的技巧，探讨其如何通过延长和变幻节奏，营造出命运无常、内心哀怨的艺术效果。 “耸肩”、“拗腔”的审美价值： 深入讨论程派标志性的身段“耸肩”在舞台上所传达的内敛的痛苦感，以及其对传统板眼略作“拗”的处理，如何实现情感表达的“出奇制胜”。 “程腔”的口语化倾向： 对比其他流派，分析程派在某些剧目中如何更贴近生活化的叙事腔调，以增强悲剧的真实感。 第四章：尚、荀两派的风格分野与互补 本章将尚小云和荀慧生两位艺术家的风格置于对比分析之中，揭示京剧旦角艺术的多样性。 尚派的“英姿与遒劲”： 重点解析尚小云先生在武旦、花旦领域所展现的“刚柔并济”。其高亢明亮的嗓音，以及在“甩发”、“云雀展翅”等高难度技巧中体现出的充沛体力与精准控制。 荀派的“灵动与俏丽”： 阐释荀慧生先生如何以“活泼、灵动”著称，其艺术核心在于对生活气息的捕捉。分析其身段中对民间舞蹈元素的吸收，以及在“撒娇”、“嗔怨”等小女儿情态中展现的独特韵味。 第五章：流派艺术的继承与当代挑战 本书的最后一部分探讨了这些伟大流派在现代舞台上面临的传承困境与发展机遇。 “形似”与“神似”的辨析： 论述对传统流派艺术的继承，绝非简单的模仿动作和音色，而在于理解其背后的审美哲学和时代精神。 科技对传统艺术的介入： 探讨现代舞台技术（如灯光、音响）如何既能辅助传播流派艺术的精微之处，又可能在不当使用下削弱其原有的内敛美感。 面向未来的艺术对话： 展望新一代京剧艺术家如何在尊重传统的基础上，探索流派艺术在当代社会语境下的新生命力，实现艺术的“在继承中创新，在创新中发展”。 结论 京剧流派艺术是中国戏曲美学史上的高峰，它们不仅是精湛的技艺集合，更是特定时代社会心理和审美情趣的结晶。本书旨在为戏曲研究者、爱好者提供一个深度解析这些独特艺术体系的框架，领略二十世纪京剧旦角艺术的博大精深。 本书特点： 1. 理论深度高： 运用音乐学、美学和传播学视角，而非停留在简单的评述层面。 2. 案例选取精准： 围绕各流派最具代表性的唱段和身段进行细节分析。 3. 立论客观： 强调流派间的相互影响与各自的独特贡献，避免对任何一家进行过度的神化。 4. 语言朴实： 力求以清晰、严谨的学术语言，避免使用晦涩难懂的行话，便于广大戏曲爱好者理解。

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我主要拿来在练功的时候做参考，感觉效果出奇地好。我们学戏的都知道，找准一个好的“范本”有多重要。梅派的唱法，讲究的是“内敛的华丽”，它不会用那种直冲云霄的高音去“炫技”，而是通过对气息的精准控制和对字音的雕琢，营造出一种“韵味悠长”的境界。这套伴奏的清晰度非常高，完全能够听清楚伴奏乐队的配合，比如京胡的拉腔、月琴的托底，这些细节对于理解整体的艺术结构太关键了。有一次我模仿一段《贵妃醉酒》的腔，怎么也把握不好那个“醉意朦胧”的感觉，后来专门对照这张碟反复听了十几遍，才明白原来关键在于那几个换气的节点和微弱的颤音处理。它不是那种背景音乐式的伴奏，而是真正能引导你进入角色情境的工具。对于希望深入研究梅派艺术的学生来说，这套碟子简直是“案头必备”，比起看书本上的文字描述，直接听原汁原味的演绎要有效率得多。

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这份收藏品的分量感是毋庸置疑的。它更像是一个珍贵的历史档案，记录了京剧旦角艺术巅峰时期的声音样本。我注意到，很多段落的演绎方式，即便是现在一些国家级院团的演员也很少这样处理了，这使得它在学术研究的价值上也大大提升。我试着将其中一段的节奏放慢，去仔细分析那个对位关系，发现梅先生的唱腔和伴奏之间的配合，是那种高度默契的“呼吸”，而不是简单的“跟唱”。这种精妙的互动，在新制作的碟片里很难听到，因为现在常常是先制作好伴奏，再让演员配唱，结构上就有了先天的区别。对我个人而言，它带来的更多是精神上的富足感，在快节奏的都市生活中，能有一片净土可以沉浸在这样高雅的艺术氛围中，是多么难得的享受。每当工作疲惫时，我都会打开它，让梅先生的腔调洗涤心灵，那份淡雅而深沉的美，总能带给我新的力量和审美上的启迪。

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说实话，刚拿到手的时候，我有点怀疑，毕竟“经典”这个词现在被用得太泛滥了。但是，当我把第一张碟放进去，那熟悉的旋律一响起，我的疑虑就烟消云散了。这不仅仅是简单的伴奏，它更像是一堂关于表演艺术的无声示范课。你想想，梅兰芳先生的艺术高度，在于他如何将“做、念、唱、打”融为一体，而这些伴奏，恰恰突出了“唱”这个核心，让你能把所有的注意力都集中在那份腔体的变化上。我特别喜欢它收录的几段文戏的腔调，那种悠长、婉转，看似平淡却暗藏汹涌的情感表达，是当代很多演员难以企及的。特别是有些转音的地方，处理得干净利落，没有丝毫的拖泥带水，却又饱含深情。这张CD的编排也很有层次感，从大气的开场到精致的小段收尾，听起来一点都不觉得枯燥。我个人认为，如果能附带一份详细的剧目介绍和腔调解析，那就更完美了，但这或许是留给真正行家去探索的乐趣了吧。

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作为一名业余的京剧爱好者，我买过不少不同版本的京剧录音，但说实话，很多新录制的版本总觉得少了点“烟火气”，听起来太“干净”了，反而失去了舞台上的生命力。这套《梅兰芳经典虽腔伴奏》给我的感觉就完全不同，它有着老唱片特有的那种温暖的底色，仿佛能透过声音闻到剧场的油彩味儿。我尤其欣赏它对气息的捕捉，那些长腔的处理，简直是教科书级别的示范。听着这些腔调，你不得不佩服老一辈艺术家的功力，那种看似不经意的停顿、一个眼神的转换，都仿佛被凝固在了这小小的光盘里。它让我意识到，京剧的美，很多时候不在于你唱得多高、多快，而在于你对每一个字、每一个音符蕴含的情感挖掘得有多深。我建议，如果你想培养孩子对传统艺术的兴趣，可以先从这张碟子开始放给他们听，这种潜移默化的熏陶，比任何说教都有用。

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这套碟片，简直是老一辈京剧艺术的活化石啊！我特地买来收藏的，主要是冲着那份原汁原味的韵味去的。听着这些唱腔，仿佛一下子就被拉回了那个梨园行里群星璀璨的年代。每一个板眼，每一个起腔落调，都带着一股子说不出的讲究劲儿。尤其是那些经典的段子，比如《霸王别姬》里的几段，那唱腔的处理，细腻得让人心疼。不是现在舞台上那种为了追求高亢而牺牲了味道的唱法，而是真正能把角色心境通过声音细腻地表达出来。音质上，虽然是老录音的母带重制，但能感受到制作者的用心，没有过度的修饰，保留了那个时代特有的那种温暖的磁性，对于真正懂得欣赏京剧腔韵的人来说，这种质感比任何高清数字录音都要耐听。我猜这套录音的选材一定是费了很大功夫的，能把梅先生不同时期的代表作都囊括进来，对于初学者来说是入门的绝佳选择，而对于资深戏迷，更是不可多得的“听觉享受”。我最近常常在傍晚时分，泡上一壶热茶，关上灯，就这么静静地听，感觉整个心都能沉淀下来，非常治愈。

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