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出版者:天津人民美术出版社

作者:本社 编

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2005-1

价格:36.00元

装帧:平装

isbn号码:9787530528273

丛书系列:

图书标签:

• W222
• 明代绘画
• 绘画艺术
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《丹青溯源：中国古代绘画经典赏析》 引言 自古以来，绘画作为一种独特的艺术语言，承载着中华民族深厚的历史文化底蕴和独特的审美情趣。它不仅是艺术家们抒发胸臆、寄情山水的窗口，更是我们窥探古人生活、理解时代精神的绝佳媒介。在中国浩瀚的艺术长河中，古代绘画无疑占据着举足轻重的地位。它们以其精湛的技艺、磅礴的气势、细腻的情感，跨越时空，至今仍能触动观者内心最柔软的角落。 《丹青溯源：中国古代绘画经典赏析》并非仅仅是一本画册，更是一次穿越时空的艺术之旅。它精选了中国绘画史上的若干重要时期、代表画家及其传世杰作，旨在带领读者深入了解中国古代绘画的发展脉络，领略不同时代、不同流派的艺术风貌，并从中体会中国传统文化的核心价值观。本书力求剥离浮华，回归艺术本身的纯粹与力量，以严谨的考证、细腻的解读、生动的语言，为广大艺术爱好者提供一份兼具学术价值与鉴赏趣味的读物。 第一章：早期丹青的曙光——史前与秦汉时期的绘画 人类对美的追求，几乎与文明的萌芽同时诞生。在遥远的史前时期，岩画便是我们先祖最早的艺术实践。虽然这些画面粗犷而原始，但它们所记录的狩猎场景、动物形象，以及神秘的符号，无不透露出早期人类对自然的敬畏和对生命的渴望。本书将从考古发现出发，介绍这些珍贵的早期图像，探讨它们作为绘画萌芽的意义。 进入秦汉时期，随着社会经济的发展和政治制度的建立，绘画逐渐摆脱了单纯的记事功能，开始展现出更强的艺术表现力。墓室壁画，如汉代的马王堆帛画和东汉墓葬壁画，是这一时期绘画的重要载体。它们内容丰富，涉及神话传说、历史故事、日常生活、祥瑞图案等，风格上既有粗犷奔放的线条，也有细腻工致的描绘，展现出早期中国绘画在题材、技法上的初步成熟。本书将着重分析这些壁画所体现的时代特征、宗教信仰以及艺术观念，并解读其中蕴含的文化信息。 第二章：魏晋风骨的传承与演变——三国、两晋、南北朝时期的绘画 魏晋南北朝时期，是中国历史上一个充满动荡与融合的时代。在政治分裂、民族迁徙的大背景下，思想文化却呈现出空前的活跃。玄学思潮的兴起，对绘画产生了深刻影响。士人阶层对精神世界的追求，以及对个体生命价值的关注，使得绘画题材开始转向更富于哲学意味和人文关怀的领域。 曹操的《吴质别传》记载了中国最早的绘画理论之一，而东晋顾恺之的《洛神赋图》和《女史箴图》则是这一时期绘画艺术的巅峰之作。顾恺之以其“迁想妙得”的绘画理念，将人物的内心世界刻画得入木三分。他笔下的人物，线条流畅，神态生动，充满了“衰而可喜”的独特魅力。本书将深入剖析顾恺之的绘画思想，并详细解读《洛神赋图》中人物的情感表达和场景营造，探讨其在中国人物画史上的里程碑意义。《女史箴图》则以其对女性行为规范的描绘，折射出当时社会伦理观念的变迁。 佛教的传入与传播，也为这一时期的绘画注入了新的活力。敦煌石窟中的壁画，是佛教艺术在中国本土化过程中的杰出代表。它们内容宏大，技法多样，从印度佛教故事到中国本土化的民间传说，无不涵盖。本书将选取敦煌壁画中的代表性作品，如“降魔变”、“本生故事”等，分析其艺术风格的演变，以及佛教教义与中国传统审美观念的融合。 第三章：盛世气象与文人意趣——隋唐时期的绘画 隋唐是中国历史上最为辉煌的时代之一，国力强盛，文化繁荣，对外交流频繁。这种开放包容的时代精神，在绘画领域也得到了充分体现。隋唐绘画，无论是人物画还是山水画，都呈现出宏大、写实、绚丽的特点。 阎立本的《步辇图》和《历代帝王图》是隋唐人物画的代表作。前者以简洁的线条和传神的造型，刻画了唐太宗与吐蕃使者的会面场景，展现了大唐盛世的开放胸襟。后者则以严谨的写实手法，描绘了历代帝王的形象，体现了统治者对历史传承的重视。《簪花仕女图》虽非唐代作品，但其笔触细腻，色彩浓郁，生动地展现了盛唐女性的丰腴之美和贵族生活的情趣，本书将借此引申，探讨唐代女性题材绘画的特点。 山水画在唐代也取得了长足的发展。展子虔的《游春图》被誉为中国山水画的开山之作，其描绘的山水景致虽仍带有描绘人物的痕迹，但已初具独立成画的气势。吴道子的“吴带当风”更是将人物画的线条艺术推向极致，其对气韵生动的把握，影响深远。本书将追溯山水画的早期发展，并分析唐代画家在表现自然山川时的写实精神与浪漫主义情怀的结合。 第四章：笔墨的哲学与意境的追求——宋元时期的绘画 宋代是中国古代绘画发展的黄金时期。士大夫阶层兴起，对绘画的审美标准发生了深刻变化，文人画的兴起成为一大亮点。宋代绘画讲究“写意”，注重表达画家的主观情感和哲学思考。 宋代山水画在技术和理论上都达到了前所未有的高度。“山水画三大家”——范宽、郭熙、李唐，他们的作品各具特色。范宽的《溪山行旅图》以雄浑的山体、粗犷的笔墨，展现了北宋山水的壮丽景象。郭熙在《林泉高致》中提出了“三远”法，为后世山水画的创作提供了理论指导，其《早春图》则以细腻的笔触，描绘了初春山林的勃勃生机。李唐的《万壑松风图》则更显苍劲雄浑。本书将深入分析这些作品的构图、笔墨、皴法，以及它们所体现的宋代文人对自然山水的哲学观照。 宋代花鸟画也取得了辉煌成就。黄荃的“黄家富贵”与徐熙的“徐家野逸”形成了两种不同的风格，代表了宫廷画院与文人画的两种取向。本书将着重介绍宋徽宗赵佶的《芙蓉锦鸡图》，分析其精工富丽的风格，以及他作为艺术家的独特贡献。 元代，由于蒙古族统治，汉族文人画家群体面临新的生存环境，但这也激发了他们更强烈的个性表达和写意精神。元四家——黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇，他们以水墨写意为主要表现手法，追求笔墨情趣和个人情感的抒发。黄公望的《富春山居图》更是将写意山水推向了极致，其淡雅的墨色，随性的笔触，共同营造出一种超然物外的意境。本书将详细解读元四家的艺术风格，探讨他们如何在中国绘画史上开辟出新的审美境界。 第五章：转型与变革——明清绘画的再探索 明清时期，中国绘画进入了一个更为多元化、个性化的发展阶段。虽然宋元以来文人画的传统得以延续，但绘画的题材、技法和风格都出现了新的变化。 明代中期，吴门画派（沈周、文徵同、唐寅、仇英）的兴起，标志着文人画的成熟。他们继承宋元文人画的精神，同时又融入了各自的时代感和个性化表达，作品风格或温润典雅，或洒脱不羁，或精工绮丽。本书将聚焦沈周的《山水画册》和文徵明的《江南春色图》，分析其笔墨语言和审美追求。《清明上河图》虽为宋代作品，但其对市井生活的生动描绘，在明清时期仍对绘画创作产生着深远影响，本书将提及此类题材的绘画发展。 明代后期，受到西方绘画技法的影响，一些画家开始尝试新的表现手法。如董其昌的“松江派”理论，强调“南北宗”的划分，对后世绘画发展产生了重要影响。 清代，宫廷画院依然繁荣，但涌现出更多的独立画家。扬州八怪（如郑燮、金农）以其奇崛的画风，打破了传统画坛的桎梏。石涛则以“我用我法”的艺术宣言，在绘画创作中展现出极强的个性和创新精神。本书将重点介绍石涛的山水画，如《山水册页》，分析其破格的笔墨和奔放的情感表达。 此外，清代还出现了大量的人物画和风俗画，如冷枚的《春夜宴桃李园图》和孙位的《蚕织图》，它们以细腻的笔触，真实地再现了当时的社会生活和民俗风情。 结语 《丹青溯源：中国古代绘画经典赏析》并非穷尽中国绘画史的宏大叙事，而是选择若干关键节点，以点带面，希望能激起读者对中国古代绘画更深入的探索兴趣。每一幅画作，都承载着一个时代的记忆，一位画家的心血，一种独特的文化精神。它们穿越了漫漫历史长河，以无声的语言，诉说着古老东方的智慧与诗意。 通过本书，我们希望读者不仅能欣赏到中国古代绘画的视觉之美，更能感受到其中蕴含的深厚文化底蕴，理解中国传统艺术“天人合一”、“寄情山水”、“写意传神”等核心观念。愿这份“丹青溯源”之旅，能为您打开一扇通往中国古代艺术殿堂的大门，让您在墨色淋漓间，体会那份穿越时空的永恒魅力。

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坦白说，我购买艺术画册通常是图个新鲜，但这本书的装帧设计实在太具匠心了，完全走的是收藏级别的路线。它采用了特殊的开本和装订方式，使得即便是大幅面的作品也能以近乎原貌的方式展现，没有被生硬地裁切或折叠，这在许多批量生产的画册中是极为罕见的。我尤其喜欢它在细节处理上的用心，比如内页纸张的选择，那种略带米黄色的、具有宣纸质感的厚磅纸张，不仅增强了画作的古韵，更使得油墨的附着效果极佳，特别是那些需要墨分五色的作品，层次感分明，丝毫没有廉价印刷品常有的那种“发虚”的感觉。此外，版式设计也非常讲究留白，每一幅画作周围都有足够的空间，让人在观看时能心无旁骛，专注于画中的世界，而不是被拥挤的文字和边框分散注意力。这套书的体验已经超越了“阅读”，更接近于一次在专业美术馆里慢速、沉浸式的观展过程，对于那些追求极致视觉体验的藏家而言，这本书的物理属性本身就值回票价了。

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这本书的实用价值，对我这个业余的书法和绘画爱好者来说，简直是打开了一扇通往“技法源头”的大门。我一直苦恼于如何在中锋和侧锋之间找到恰当的平衡，尤其是在表现山石的皴法上束手无策。而这本书里收录的几幅特定画作，通过高清的局部放大图，简直就是一本活生生的“笔法解剖教程”。你可以清晰地看到，画家是如何通过控制腕力、调整墨的含水量，来营造出不同的岩石质感和树木的苍劲感。有些画面旁边甚至配有专家的手绘线条解析图，用现代的语言和图示来拆解古人的笔墨逻辑，这种教学相长的设计实在太贴心了。我甚至模仿着其中一幅画中云纹的画法练习了好几次，虽然远不能及万一，但至少第一次体会到了那种“笔墨随着心意走”的感觉。这本书的价值，已经超越了欣赏层面，直接介入到了学习和实践的层面，对于提升动手能力，有着不可替代的指导意义。

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说句实在话，我一开始对“精品集”这类标题抱持着怀疑态度，总觉得名不副实的宣传太多了。但这本书的实际内容，尤其是那些鲜为人知的地方志或者私人藏家的珍稀作品的曝光，彻底打消了我的顾虑。它不仅仅收录了我们教科书上常见的那些大师名作，更勇敢地将目光投向了那些被主流艺术史稍微忽略的区域和画家群体。比如有几幅描绘江南水乡日常劳作的组画，笔触粗犷有力，色彩对比强烈，它们以一种近乎纪实的手法记录了明代底层民众的生活状态，那种朴素而坚韧的力量感，远比那些程式化的宫廷画作更打动我。这种拓宽视野的编辑思路，极大地丰富了我对明代艺术多元性的理解——艺术从来就不是单一维度的，它扎根于社会生活的每一个角落。通过这些“非主流”的精品，我看到了一个更加立体、更加接地气的艺术时代全景，这才是真正有价值的艺术普及工作。

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我是在一家老旧书店偶然翻到这本画册的，当时就被它散发出的那种学院派的严谨气息所吸引。翻开内页，首先映入眼帘的是对每一幅作品的详尽考证和文字阐释，这可比那些只有图画而无说法的普通图集要高明得多。撰稿者显然是行家，他们不仅仅停留在“这是谁画的、什么年代”的基础介绍上，而是深入剖析了画作背后的时代背景、哲学思想，甚至对画家使用的特定笔墨技法也做了细致的入微的分析。比如，对于几幅文人画的解读，作者将笔墨的干湿浓淡与当时文人士大夫的内心苦闷或洒脱情怀做了巧妙的勾连，使得那些原本看起来只是“好看”的画作，突然间拥有了深刻的灵魂。我发现，即便是同一主题的画作，不同流派的画家处理起来的差异巨大，这本书通过并置和对比的方式，清晰地展现了这种艺术流派间的对话与张力。读完后，我对明代绘画的认识不再是碎片化的印象，而建立起一个结构清晰、脉络分明的知识体系，这对于学术研究或者更高层次的艺术鉴赏，都是至关重要的基础支撑。

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这部画册简直是艺术爱好者的福音，装帧精美得让人爱不释手，光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的厚重感和对艺术的敬意。我尤其欣赏编者在选材上的独到眼光，那些构图大胆、用色绚烂的明代中期作品，仿佛带着强烈的生命力和市井的烟火气扑面而来，完全颠覆了我过去对“古画”那种刻板印象中的含蓄内敛。比如其中几幅描绘园林宴饮的场景，人物神态刻画得极为细腻，从富商的得意到仆役的忙碌，每一个细节都透露出那个时代鲜活的生活气息。印刷质量绝对是顶级的，色彩的还原度高得惊人，那些矿物颜料特有的光泽感和层次过渡，即便是隔着纸张，也仿佛能触摸到画家笔触下特有的肌理。我花了整整一个下午，只是对着其中一幅山水长卷慢慢品味，画中云雾缭绕的意境，远山近水的高低错落，真的让人有种身临其境的空灵感。对于想深入研究明代中晚期院体和民间绘画风格演变的人来说，这本画册提供的视觉资料是无价之宝，它不仅仅是简单的作品复制，更像是一扇通往那个黄金时代的艺术窗口，让人叹为观止。

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