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出版者:東大

作者:邢福泉

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:19990501

价格:NT$ 490

装帧:

isbn号码:9789571922089

丛书系列:

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• 艺术史
• 日本
• W222
• D
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日本藝術史：視覺的旅程，文化的沉澱 日本，這個島國，不僅以其獨特的自然風光和深厚的文化底蘊聞名於世，更以其精緻、多元且富有創意的藝術聞名。從古老的繩紋時代的粗獷陶器，到現代前衛的設計藝術，日本藝術史如同一部波瀾壯闊的史詩，展現了這個民族對美學的執著追求，以及其藝術形式如何在漫長的歷史長河中，吸收、融合、創新，並最終形成獨樹一幟的風格。 繩紋與彌生：文明的雛形，土地的氣息 日本藝術的開端，可以追溯到遙遠的史前時期。繩紋時代（約公元前14,000年至公元前300年）的藝術，最為人熟知的便是其獨特的繩紋陶器。這些陶器上裝飾著由繩子壓印出的紋樣，其風格粗獷而充滿生命力，彷彿直接汲取了大地母親的氣息。它們不僅是實用的器皿，更是當時人們對自然界的敬畏和對生命力量的表達。這些樸實的藝術品，透露著一種原始的、不加修飾的美感，為後來的日本藝術奠定了堅實的基礎。 進入彌生時代（約公元前300年至公元300年），隨著大陸文化的傳入，日本的社會結構和藝術形式發生了顯著的變化。青銅器和鐵器的出現，帶來了更為精緻的製造技術。銅鐸、銅鏡、銅劍等祭祀用品，不僅工藝精湛，其上所繪製的圖案也開始展現出更為複雜的宗教和社會意涵。彌生時代的藝術，在繼承繩紋時代質樸的同時，開始融入了更為系統的文化和宗教信仰，標誌著日本藝術開始走向文明的雛形。 古墳與飛鳥：信仰的萌芽，權力的象徵 進入古墳時代（約公元300年至538年），日本進入了一個以巨型墳墓為標誌的時代。這些龐大的古墳，不僅是統治者權力的象徵，其出土的各種陪葬品，如埴輪（Haniwa）和金屬製品，則成為了研究當時藝術和社會的重要線索。埴輪，這些造型各異的陶俑，從簡單的圓柱形到複雜的人物、動物、房屋造型，生動地再現了當時人們的生活場景、社會階層和信仰習俗，是日本藝術史上不可多得的立體畫卷。 隨後，佛教的傳入標誌著日本藝術進入了一個全新的階段。飛鳥時代（538年至710年），佛教藝術開始在日本生根發芽。從朝鮮半島傳來的佛教造像、壁畫和寺廟建築，對日本的藝術產生了深遠的影響。興福寺的阿修羅像，法隆寺的釋迦三尊像，這些精美的佛像，展現了佛教藝術的莊嚴與慈悲，也體現了當時日本工匠在高超技藝上的追求。飛鳥時代的藝術，不僅是宗教信仰的載體，更成為了權力與文化的象徵，為日本藝術注入了新的生命力。 奈良與平安：盛世的華彩，貴族的風雅 奈良時代（710年至794年），日本的都城遷至奈良，成為一個高度中央集權的國家。受到中國唐朝文化的強烈影響，奈良時代的藝術達到了新的高峰。東大寺的盧舍那佛像，其雄偉的身姿和精湛的雕刻技藝，展現了盛唐藝術的氣勢磅礴。正倉院保存著大量的唐代文物，包括繪畫、書法、漆器、金銀器等，這些珍貴的藏品，為我們了解當時的藝術風格和文化交流提供了無與倫比的見證。 平安時代（794年至1185年），日本的政治中心遷至京都，迎來了其本土文化發展的黃金時期。這一時期，日本開始有意識地從唐朝文化中汲取養分，並逐漸發展出具有自身特色的藝術風格。宮廷貴族文化興盛，文學、繪畫、雕塑等領域都出現了傑出的作品。和風繪卷，如《源氏物語繪卷》，以其細膩的筆觸和豐富的色彩，描繪了貴族的生活場景和細膩的情感，成為日本繪畫史上的經典。這一時期的雕塑，也開始呈現出更加寫實和細膩的特點，例如京都三十三間堂的千手觀音像。平安時代的藝術，散發著淡淡的哀愁和對瞬間之美的感悟，體現了日本獨特的「物哀」美學。 鎌倉與室町：武士的剛毅，禪意的幽玄 鎌倉時代（1185年至1333年），武士階級崛起，日本進入軍事統治時期。藝術風格也隨之發生變化，更加趨向於寫實、簡潔和雄健。佛像雕塑，如運慶、快慶等人的作品，以其寫實的人物刻畫和強健的體魄，展現了武士時代的力量感。水墨畫在這一時期也得到發展，展現了簡約、意境深遠的風格，為後來的室町時代的水墨畫奠定了基礎。 室町時代（1336年至1573年），武士權力達到頂峰，同時也是日本藝術發展的重要時期，特別是水墨畫和茶道、花道等藝術形式。水墨畫在這一時期達到了巔峰，如雪舟等州的畫作，以其簡練的筆墨、雄渾的意境，展現了日本對自然山水的深刻理解和感悟。枯山水庭園，以砂石象徵山水，營造出寧靜、空寂的禪意空間，成為日本庭園藝術的代表。茶道和花道也在這一時期逐漸成熟，它們不僅是儀式，更是追求精神淨化和美學修養的生活藝術。室町時代的藝術，深受禪宗思想的影響，追求簡約、自然、幽玄的意境，形成了獨特的日本美學。 安土桃山與江戶：華麗的變奏，庶民的活力 安土桃山時代（1573年至1603年），日本進入了統一與戰亂並存的時期。權力鬥爭和戰爭催生了更加宏大、華麗的藝術風格。城堡建築，如姬路城、大阪城，展現了其堅固的結構和精緻的裝飾。障壁畫，如狩野永德、長谷川等伯的作品，以其金碧輝煌的色彩和宏大的構圖，彰顯了時代的權勢與奢華。 江戶時代（1603年至1868年），日本進入了長期的鎖國和平時期，形成了德川幕府統治下的獨特社會文化。這一時期，藝術呈現出多元化的發展。一方面，傳統的繪畫、雕塑、建築等藝術形式在繼承前代的基礎上，繼續發展。另一方面，隨著市民階級的興起，庶民的藝術也蓬勃發展。浮世繪（Ukiyo-e）是江戶時代最為人熟知的藝術形式之一，其描繪了當時的歌舞伎、吉原遊郭、風景等日常生活場景，以其鮮豔的色彩、生動的人物形象和獨特的構圖，深受人們的喜愛，並對後來的西方藝術產生了重要的影響。此外，陶瓷、漆器、染織等工藝美術也達到了很高的水平，展現了江戶時代日本工匠的精湛技藝和豐富的創造力。 明治、大正、昭和與平成：西方的碰撞，現代的探索 明治維新（1868年）以後，日本開始全面學習西方文化，藝術領域也經歷了巨大的變革。西方繪畫、雕塑、建築等藝術形式被引入，傳統藝術面臨著前所未有的挑戰。日本藝術家們在學習西方技法的同時，也開始嘗試將傳統元素與西方風格相融合，創造出獨具特色的「日本畫」和「洋畫」。 大正時代（1912年至1926年），被譽為日本的「黃金時代」，藝術上呈現出更加自由和多元的局面。各種西方的藝術思潮，如印象派、表現主義、野獸派等，都在日本有所傳播，並催生了許多新的藝術團體和流派。 昭和時代（1926年至1989年），日本經歷了戰爭、戰後重建和經濟騰飛。在藝術領域，既有對戰爭的反思和對傳統的再審視，也有對現代化和工業化的表達。動漫、漫畫等大眾藝術形式在這一時期開始興起，並逐漸發展成為具有國際影響力的文化現象。 進入平成時代（1989年至今），日本藝術呈現出更加全球化和多元化的特點。當代藝術家們活躍在國際舞台上，其作品涵蓋了繪畫、雕塑、裝置、影像、行為藝術等各種媒介。從傳統的工藝美術，到前衛的當代藝術，日本藝術史始終展現出一種不斷演變、融合與創新的生命力，深刻地反映了這個民族對美學的獨特追求和其不斷變遷的文化精神。 日本藝術史，是一部關於視覺的旅程，更是一部關於文化的沉澱。它不僅記錄了日本在不同歷史時期所創造的物質和精神財富，更展現了日本人民在追求美的道路上，所展現出的堅韌、創新和獨特的審美情懷。透過這部藝術史，我們得以窺見一個民族的心靈，理解其文化脈絡，並欣賞其在世界藝術寶庫中獨一無二的貢獻。

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坦白说，我拿起这本书时，是带着相当高的期待，因为它承诺要覆盖一个极其广阔的时间跨度，我担心它会流于表面，变成一部快速浏览的概览性质的图册。然而，作者的处理方式极其精妙，没有采取线性叙事的一锅烩，反而将叙事重心巧妙地放在了几个关键的转折点上，这些转折点如同史诗中的高潮，极大地影响了后续的发展走向。这种结构上的选择，使得阅读节奏张弛有度，避免了冗长乏味的平铺直叙。最让我印象深刻的是，作者对于不同地区艺术流派之间的相互影响和微妙的“借用”与“超越”的分析，这种细致入微的比较，让我看到了一个远比教科书上描述的更为复杂、更具活力的艺术生态系统。那些关于地方藩主赞助下形成的独特风格的描述，充满了个性和地方色彩，为整体的宏大叙事增添了许多生动的细节和色彩斑斓的侧影。

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我花了很长时间才读完这本书，并非因为它晦涩难懂，而是因为它蕴含的信息密度实在太大了，每次读完一个章节，我都需要停下来，在脑海中重新组织和消化这些信息。作者在论证中展现出一种近乎苛刻的严谨性，对于每一个流派的起源、发展和消亡，都给出了详尽的背景铺垫和文化土壤分析。最令我感到惊喜的是，它并没有回避那些具有争议性或模糊不清的历史节点，反而直面这些空白地带，并提出一些发人深省的、基于现有证据的最佳推论，而不是一味地给出确定性的答案。这种对待学术不确定性的坦诚态度，极大地增强了本书的说服力。它成功地在普及性和专业性之间找到了一个非常优雅的平衡点，既能让初学者建立起清晰的知识框架，又能让资深研究者找到新的思考方向，其学术野心和执行力都值得称赞。

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这本书最吸引我的地方，在于它对“审美”这一抽象概念是如何在不同时代被具体化、物质化的过程的细致描摹。它不仅仅在谈论画作或雕塑，更是在讨论一种生活方式、一种社会阶层对“美”的集体定义和追求。作者对茶道用具、园林设计乃至服饰纹样中蕴含的审美密码的解读，常常令人拍案叫绝。这些“副业”艺术形式被提升到了与主流绘画同等重要的地位进行分析，极大地拓宽了我的视野。阅读过程中，我深切感受到了一种“整体艺术观”的力量，即认为所有创作活动都是一个相互渗透、相互影响的有机整体。这种宏观的视角，辅以对细节的毫不松懈的关注，使得整本书读起来充满了发现的乐趣，仿佛在解开一个跨越数千年的、关于如何感知世界的复杂谜题，每一次翻页都伴随着新的顿悟。

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这本书的装帧和印刷质量简直是艺术品本身，这一点对于研究视觉艺术的著作来说至关重要。纸张的选择、墨色的饱满度，尤其是那些高清复制品的呈现效果，都达到了博物馆级别的标准。我特别注意了其中几幅重要的壁画和屏风的复刻，色彩的层次感和笔触的力度都被精准地捕捉了下来，这使得我对原画的质感有了非常直观的感受，这是在小屏幕上浏览电子图像完全无法比拟的。当然，内容方面，作者对于特定时期宗教艺术在世俗化过程中的挣扎与适应的论述，提供了非常深刻的见解。他们没有简单地将宗教题材的衰落视为一种文化倒退，而是将其视为一种艺术自由的解放，这一点分析得极为到位和辩证，体现了作者深厚的跨文化理解能力。阅读体验是流畅而愉悦的，图文配合得天衣无缝，每一张插图都如同精准的脚注，而非简单的填充物。

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这部作品的深入探讨，着实让人耳目一新，尤其是在对那个特定时期艺术思潮演变的梳理上，作者展现出了惊人的洞察力。我原以为我对那个阶段的绘画风格已有相当的了解，但读完后才发现自己之前的认知有多么肤浅。书中对某些标志性作品的解读，不再是停留在表面技法的罗列，而是巧妙地将其置于当时的社会结构和哲学思辨的宏大背景之下，让人对艺术家的创作动机有了更深层次的理解。特别是关于“物哀”美学如何在具体艺术实践中被转化和视觉化的论述，逻辑严密，论据翔实，引人入胜。作者引用了大量一手文献和未被充分关注的民间记录，使得整个论述不仅扎实，更添了一份鲜活的历史气息。读到那些关于材料选择和工匠精神如何影响最终审美效果的章节时，我甚至能想象出当时工作室里的光影和气味，这是一种非常难得的沉浸式阅读体验，远超一般学院派的枯燥分析，更像是一场精心策划的、充满智慧的对话。

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