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出版者:黑龙江美术出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-02-01

价格:39.5

装帧:

isbn号码:9787531804369

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 艺术
• 油画
• 技法
• 色彩
• 构图
• 绘画技巧
• 艺术史
• 美术
• 绘画教学

《古法制陶技艺探微》 内容简介 本书聚焦于中国古代陶器制作的深层技艺与文化内涵，深入剖析了从原料选择、泥料处理到成型烧制的每一个关键环节。我们试图超越传统工艺流程的简单罗列，转而探究古人在材料科学、热力学以及审美哲学上所达成的精妙平衡。 第一章：泥土的哲学——原料的甄选与性状分析 本章首先探讨了古代陶匠如何凭借经验与智慧，对自然界中的黏土进行系统的分类与辨识。陶土并非单一物质，而是包含了石英、长石、云母等多种矿物质的复杂混合体。书中详细记录了不同地域（如黄土高原的黄陶土、江南的紫砂泥）在化学成分和物理性质上的显著差异。我们引入现代矿物学分析手段，比对了古代文献中对“五色之土”的描述，揭示了古人对泥性（可塑性、收缩率）的精确掌握。重点分析了控制胎体气孔率的关键因素——杂质的“功用”，而非仅仅视其为缺陷。例如，适当的砂粒如何提高干燥强度，防止开裂。 第二章：炼土之功——从原矿到可塑泥坯的蜕变 “炼泥一载，成器不难。”本章深入阐述了古代陶土净化与陈化的复杂过程。陈化，即泥料的自然风化与长期堆放，被认为是提升泥料韧性和均匀度的核心步骤。我们详细描述了“泡浆、掼泥、陈腐”等传统工艺的科学原理。泡浆过程中的悬浮与沉降，是实现泥料颗粒均匀分布的物理过程；而掼泥（揉泥）的目的，则在于排除泥团内部的空气泡，使泥料内部结构达到高度的定向排列。书中配有详细的图解，展示了不同时期（如新石器时代晚期、商周时期）对揉泥手法精细度的演变轨迹，以及这种变化对最终器物形制和釉面效果的决定性影响。 第三章：塑形之术——手捏、轮制与模印的交响 本章聚焦于陶器成型的三大主要技法，并着重分析了它们在不同文化背景下的应用偏好。 手捏与泥条盘筑： 尤其关注仰韶文化、马家窑文化等早期制陶技术。我们探讨了如何通过指印、拍打等原始手段，在保持泥料原有肌理的同时，赋予器物以鲜明的时代特征和生命力。书中对“捏塑”技巧的力度控制进行了细致的参数化描述。 陶轮的革新与应用： 重点分析了陶轮发明后，对器物对称性、壁厚均匀度带来的革命性提升。通过对古代陶轮遗址的发掘数据分析，推算出古代陶工的操作转速范围及其对器物造型的影响。探讨了在轮制过程中，如何通过“修坯”来实现流畅的线条和精确的比例。 模制与合范： 详述了在追求标准化和复杂造型时，模印技术的重要性。尤其在汉代画像砖和明清时期特定器型的生产中，合范技术的成熟标志着手工艺向工业化过渡的早期探索。 第四章：饰纹之美——刻划、印纹与彩绘的符号系统 本章将陶器装饰视为一种早期视觉语言，深入解读了纹饰背后的社会功能与审美取向。 几何纹饰的抽象逻辑： 分析了网格纹、S形纹、旋涡纹等在不同文化中的演变路径，探讨这些重复性图案如何服务于稳定器物的视觉重心。 动物与人像的象征意义： 聚焦于蛙纹、鱼纹、人面纹等具象符号，结合考古学和民俗学的研究，阐释其在祭祀、生育崇拜中的宗教含义。 彩绘的颜料配方： 详细剖析了红彩（赭石）、黑彩（含锰或炭黑）的稳定化技术。讨论了如何在素烧与釉烧之间进行恰当的彩绘层序处理，以确保色彩的持久鲜艳。 第五章：火的试炼——从素烧到釉烧的控温艺术 烧成是陶器质变的关键环节，本章将重心放在对古代窑炉结构和火候掌握的研究上。 窑炉结构的演化： 对马蹄窑、馒头窑、龙窑等不同形制的窑炉进行了空间结构和热流模型的模拟分析。揭示了窑炉的坡度和进风口设计如何决定了窑内温度的梯度分布。 温度与气氛的精确控制： 烧成过程中的气氛（氧化或还原）直接决定了釉色和胎体颜色。本书通过对古代窑灰残留物的化学分析，重建了特定时期（如唐代低温铅绿釉）对“还原焰”的微妙控制手段。例如，如何通过控制燃料的添加量和封火时间来精确制造还原气氛。 釉料的配方与低温熔融： 探讨了古代铅釉、草木灰釉等早期釉料的化学构成。重点分析了釉料在相对较低温度下实现玻璃相转变的秘诀，以及如何通过添加矿物助熔剂来降低釉的熔点，从而保护易损的器形。 本书力求以严谨的科学视角，结合丰富的考古实例，为读者构建一个全面、深入的中国古代陶艺技术图景，展现古人对自然材料的深刻理解和炉火纯青的实践智慧。

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当我翻开这本书的时候，我以为我将要面对的是一本关于绘画技巧的指南，但很快我就发现，我错了。这本书所包含的内容，远远超出了我的想象。它更像是一本关于美的哲学，关于色彩的语言，关于情感的表达。作者用一种非常细腻和深刻的笔触，描绘了艺术的无限可能性。我从中学习到了，绘画不仅仅是用颜料在画布上涂抹，更是一种与世界对话的方式，一种表达内心的方式。书中所探讨的那些关于色彩搭配、光影处理的技巧，虽然是技术性的，但却被赋予了灵魂，让我看到了它们在情感表达上的重要作用。我开始明白，为什么有些画作能够如此直击人心，那是因为艺术家们在其中倾注了他们的真挚情感。这本书让我对艺术的理解，从一个旁观者，变成了一个更加投入的探索者。我感觉自己仿佛打开了一扇通往全新世界的大门，而这本书，就是那把开启大门的钥匙。

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这本书的封面设计就有一种莫名的吸引力，那种厚重的纸张质感，略带哑光的画面，以及上面流畅又不失力量感的笔触，仿佛在诉说着一个关于色彩和情感的故事。拿到手里，沉甸甸的，让人感觉非常有分量，不像一些轻飘飘的书籍，这本《油画》似乎蕴含着某种沉淀了很久的艺术气息。我迫不及待地翻开，期待着能看到那些色彩斑斓的画作，或者能了解到一些关于油画技法的奥秘。虽然我并不算是一个专业的艺术家，但我一直对绘画有着浓厚的兴趣，尤其是油画那种独特的质感和表现力，总是让我着迷。我希望这本书能带我进入一个全新的视觉世界，或许能学习到如何去欣赏一幅油画，如何去理解画家们在画布上倾注的情感和思想。也可能，它会让我对手中的画笔产生新的冲动，去尝试自己动手，哪怕只是简单的勾勒，也能感受到那份创作的乐趣。这本书的名字本身就带着一种艺术的浪漫，让人联想到画室里弥漫的松节油气味，以及画布上渐次展开的斑斓世界。我很好奇，里面会是如何呈现这种独特的艺术形式的呢？会是关于历史的梳理，还是大师的解析，抑或是创作的入门？无论如何，它的存在本身，就足以勾起我无限的遐想和期待。

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这本书给我带来了前所未有的启发，它让我认识到，艺术的魅力远不止于眼前所见。书中对于创作理念的探讨，以及对不同艺术家风格的解析，都让我大开眼界。我原本以为，油画就是一种固定的技法，但这本书却让我明白，它是一个充满无限可能的广阔领域。每一位艺术家都有自己独特的视角和表达方式，他们用色彩和线条讲述着属于自己的故事。我从中学习到了如何去欣赏那些看似杂乱的笔触背后所蕴含的深意，如何去解读画面中那些微妙的情感变化。这让我对艺术的理解进入了一个全新的层次，不再是简单的“好看”或“不好看”，而是开始去探寻作品背后的思想和情感。书中的一些章节，更是让我对艺术家的创作过程产生了极大的好奇，他们是如何从一个模糊的构思，一步步将其转化为一幅完整的作品的？那种将内心世界具象化的过程，充满了神秘和吸引力。这本书就像是一位耐心的老师，循循善诱地引导着我，让我逐渐领悟到艺术的真谛。

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读完这本书，我的脑海中仿佛被注入了无数种色彩，它们在我的意识中跳跃、碰撞、融合，形成了一幅幅生动而鲜活的画面。这本书不仅仅是在介绍一种艺术媒介，更像是在引领我进行一场深度的心灵对话。我被那些文字中流淌出的对艺术的敬畏和热爱深深打动，字里行间充满了对创作过程的细致描绘，以及对艺术家内心世界的深刻洞察。我仿佛能看到他们是如何在画布前冥思苦想，如何在一次次的尝试中找到灵感，如何在色彩的调和中释放情感。书中所探讨的不仅仅是技巧，更是对美的追求，对人生的感悟。每一个章节都像是一扇窗户，让我得以窥见艺术家们那独特而丰富的内心宇宙。我开始重新审视自己对艺术的理解，不再仅仅停留在表面的欣赏，而是开始去感受那份隐藏在画面背后的力量。这种体验是如此的震撼，让我觉得自己的视野被极大地拓宽了，仿佛整个世界都变得更加立体和有层次感。我甚至觉得，这本书不应该只被叫做《油画》，它更应该叫做《灵魂的色彩》或者《情感的画笔》，因为它所触及的，远不止于绘画本身。

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不得不说，这本书的叙事方式非常独特，它不是那种枯燥的学术论述，而更像是在分享一位老朋友的艺术心得。在阅读的过程中，我常常会不自觉地被那些生动的描述所吸引，仿佛身临其境，能够感受到作者在创作时的那种激情和投入。书中所提及的那些艺术理念，并没有给我一种高高在上的疏离感，反而让我觉得它们触手可及，充满了生活的智慧。我尤其喜欢书中对那些经典作品的解读，它并没有生硬地套用理论，而是用一种非常个人化和感性的方式，去展现作品的魅力。让我觉得，艺术不仅仅是摆放在博物馆里的摆设，更是与我们的生活息息相关的存在。这本书让我意识到，艺术的价值在于它能够触动我们的内心，唤醒我们内心深处的情感。我开始尝试用一种更开放的心态去接纳和欣赏艺术，不再局限于某种固定的模式。这本书带给我的，是一种全新的艺术体验，一种对美的更深层次的理解。

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