服饰形象设计原理与实例精解 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国纺织

作者:齐德金 编

出品人:

页数:204

译者:

出版时间:2000-4

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787506414135

丛书系列:

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服饰的演变：跨越历史的时尚脉络 内容提要： 本书旨在深入探讨服饰在人类文明发展历程中所扮演的核心角色，追溯其从原始遮蔽功能到现代符号体系的复杂演变轨迹。全书通过详尽的史料考证与跨文化比较，系统梳理了从史前时期到20世纪末，全球主要文明区域（如古埃及、美索不达米亚、古希腊罗马、拜占庭、伊斯兰世界、中国、日本以及近现代西方）的服饰形态、材质、色彩、结构及穿着规范。重点分析了服饰如何作为社会阶层、政治权力、宗教信仰、性别身份及审美观念的物质载体，反映并塑造了特定历史时期的社会结构与文化风貌。本书结合考古发现、艺术作品及文献记载，为读者构建了一幅立体、生动的服饰文化史画卷，强调服饰不仅仅是简单的衣物，更是人类历史进程中的重要“文本”。 第一部分：起源与早期文明中的服饰 第一章：人类着装的史前曙光 本章考察人类服饰的起源，讨论保暖、遮蔽与装饰的初始驱动力。通过对旧石器时代遗址出土工具（如骨针、骨锥）的分析，推断早期衣物的制作技术与形态。探讨原始部落中动物皮毛、植物纤维的早期利用，以及刺青、穿孔等身体修饰行为与服饰之间的关系。 第二章：美索不达米亚与古埃及的权力织物 聚焦两河流域（苏美尔、阿卡德、巴比伦）和尼罗河流域的服饰特征。重点分析古埃及亚麻织物的精细工艺，如褶皱的运用及其象征意义。考察美索不达米亚地区羊毛织物上复杂的几何纹样，以及圆筒印章所揭示的服饰款式（如缠绕式长袍）。着重阐述法老、祭司、贵族服饰中对黄金、宝石、特定颜色（如皇家蓝、祭司白）的垄断使用，如何明确划分了社会等级。 第三章：地中海的流动与雕塑之美——希腊与罗马 深入剖析古希腊多立克、爱奥尼及科林斯三大柱式下，服饰形态的演变。细致描摹希顿（Chiton）和希玛申（Himation）的穿着方式，探讨其与人体美学、哲学思想（和谐、比例）的内在联系。随后，转向罗马共和国与帝国时期，比较罗马贵族（如托加袍的严格穿戴规范）和平民服饰的区别。分析紫色染料（如泰尔紫）的稀有性如何使其成为帝国权力的终极象征。 第二部分：中古世界的信仰与奢华 第四章：拜占庭的圣光与丝绸之路 本章探讨东罗马帝国服饰的特点，即如何融合希腊罗马的形制与东方（特别是波斯）的奢华工艺。分析拜占庭宫廷服饰中对大量刺绣、珠宝镶嵌及重磅丝绸的偏爱。探讨基督教义对服饰的规范，如对暴露身体的限制，以及神职人员（主教、教士）服饰体系的初步确立。 第五章：欧亚大陆的游牧与农耕服饰对比 跨越欧亚大陆，比较定居文明与游牧民族在服饰上的根本差异。分析匈奴、突厥、蒙古等游牧民族服饰对保暖性、机动性（如裤装的普及）的极端需求，以及其对皮毛、皮革的依赖。对比农耕文明（如中国汉代以后的深衣、袍服体系）在对“礼制”规范下，对丝绸、麻布的精细化应用。 第六章：中国古代服饰的礼制图谱 系统梳理中国历代主要的服饰制度。从周代的“衣冠上国”的等级森严，到秦汉的“被服制度”的奠定，再到魏晋的宽大飘逸，以及唐宋的开放与雍容。详细解析冕服、朝服、公服、常服的形制差异，并重点探讨了不同历史时期织锦、刺绣工艺（如缂丝、宋锦）的发展及其在服饰上的应用。 第七部分：中世纪欧洲与民族风格的形成 第七章：哥特式轮廓的崛起：中世纪的服饰革命 分析欧洲从中世纪早期到盛期的服饰变化，特别是从较为宽松的罩袍转向更注重凸显人体曲线（或刻意拉长）的哥特式风格。研究紧身胸衣的早期雏形出现，以及长袖、高领的流行如何反映了贵族阶层的审美倾向。探讨十字军东征对外来服饰元素（如东方纹样）的引入影响。 第八章：东方异域的审美：日本与东南亚 独立探讨日本服饰文化的独特路径。从奈良时代的汉化影响，到平安时代的“十二单”的层次美学。深入分析和服（Kimono）在江户时代成熟后，对图案、色彩、季节性的精妙布局与理解，及其与“物哀”、“幽玄”等传统美学概念的统一。简要提及东南亚地区（如印度尼西亚、泰国）的缠绕式服饰（如纱笼、筒裙）在材质与色彩上的热带适应性。 第三部分：近现代的转型与全球化 第九章：文艺复兴至巴洛克的形体塑形 本章聚焦15至17世纪欧洲服饰对人体进行“建筑化”塑造的过程。分析文艺复兴时期对古典美学的回归与对奢华面料的推崇。详细解构西班牙宫廷的紧身胸衣（Farthingale）和凡尔登（Verdugado）结构，以及法国路易十四宫廷中，装饰主义达到顶峰的华丽服饰。重点讨论领圈、马甲、紧身塑形的普及对男女身体形态的重塑。 第十章：启蒙与革命时代的简化 考察18世纪末至19世纪初，由于启蒙思想的兴起和法国大革命的影响，服饰从极度繁复向简化的剧烈转变。分析新古典主义风格对古希腊罗马服饰的模仿（如高腰线的帝国风格连衣裙），以及男性服饰中三件套（Suit）体系的初步确立，标志着现代男装基础的形成。 第十一章：工业化与“新时尚”的诞生（19世纪） 探讨工业革命对服饰生产、消费模式的颠覆性影响。分析缝纫机的发明、化工染料的出现如何使得服饰生产效率大幅提高，并催生了“时装”（Haute Couture）的概念。研究维多利亚时代对“斯文”与“束缚”的追求，以及克里诺林裙撑（Crinoline）和巴斯尔（Bustle）等结构性服饰配件的社会文化意义。 结语：服饰，穿越时间的见证 本书最后总结服饰作为一种非语言的交流媒介，如何在各个历史时期承载着文化身份、社会期望与个体表达的重任，为后续对特定设计原理的研究奠定了深厚的历史基础。

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从一个纯粹的文化研究者的角度来看，这本书对“符号学”在服饰中的运用分析得尤为深刻。它超越了单纯的美学范畴，探讨了服饰如何作为一种非语言的交流系统，在社会互动中构建身份认同和权力结构。作者对不同文化背景下的“禁忌色”和“仪式性着装”的跨文化比较研究，展现了极高的学术视野和全球化的洞察力。我特别喜欢其中关于“后现代解构主义”对传统版型颠覆的那段论述，那种对既有规则的批判性思考，激发了我从更深层次去审视我们日常所见的流行趋势背后的驱动力。它成功地将人类学的视角融入了设计教学，使得读者在学习技艺的同时，也能提升自身的文化素养和批判性思维能力。

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说实话，这本书的实战参考价值超出了我的预期。我原本以为这会是一本偏向学术研究的读物，但翻开中后部分，我发现大量的“现场案例拆解”部分简直是干货满满。作者似乎带着我们走进了几个顶级设计工作室的内部会议，对于一个新项目从最初的概念草图到最终的T台呈现的全过程，做了极其详尽的剖析。它没有回避设计过程中遇到的实际困难和妥协，反而坦诚地展示了如何在高成本限制下依然保持设计的完整性与独特性。例如，对于不同体型顾客的“微调策略”部分，列举了多达十几组的对比图，那些细微的剪裁调整带来的巨大视觉差异，直观得让人震撼。这种近乎“手把手”的教学方式，让人感到自己仿佛拥有了一位经验丰富的前辈随时在身边指导。

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这本书的编写风格非常“接地气”，语言平实，没有过多的故作高深或故弄玄虚的词汇，这让初学者也能毫无压力地啃下来。我关注到作者在解释一些复杂概念时，总会穿插一些非常贴近生活的例子，比如如何用一件简单的白衬衫，通过不同的搭配和系法，在职场和休闲场合之间实现无缝切换。这种实用主义的态度贯穿始终。此外，书末附带的“快速查询索引”设计得十分人性化，当我需要立刻回顾某个特定的领口或袖型结构时，能迅速定位，极大地提高了学习和工作效率。对于那些希望快速上手，将理论知识迅速转化为个人衣橱管理或基础造型能力的人来说，这本书简直是教科书级别的实用指南，它真正做到了知识的普及与赋能。

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我花了整整一个下午沉浸在这些理论的海洋里，最大的感受是作者的叙事逻辑强大到令人敬佩。它并没有采用那种枯燥的、堆砌概念的写法，而是巧妙地将抽象的“形象思维”与具体的“视觉传达”编织在一起。我尤其欣赏它对历史脉络的梳理，那种从古至今的风格演变，不是简单的罗列，而是深入剖析了不同时代社会思潮如何渗透到服饰的每一个褶皱和线条中。读到关于“身体感知与空间关系”的那一章节时，我简直有种醍醐灌顶的感觉，作者用非常精妙的比喻，将原本晦涩的结构力学概念，转化为了可以被感官直接理解的语言。这对于我这样一个需要将理论快速转化为实际操作的设计师来说，提供了极大的帮助，它提供了一个思考的框架，而不是仅仅给出了固定的答案。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴。封面那几笔大胆而富有张力的色彩运用，立刻抓住了我的眼球，仿佛在无声地诉说着设计背后的那份激情与专业。内页的纸张质感也无可挑剔，那种略带哑光的触感，让阅读体验瞬间提升了一个档次。更值得称赞的是版式布局，作者在排版上展现出的那种克制而精准的审美，使得即便是专业性极强的图示和文字，也能够和谐地共存于同一个页面，毫不拥挤。尤其是那些案例分析部分的配图，色彩还原度高得惊人，细节处理得极其到位，让人感觉就像是亲手触摸到了那些高级面料一样，对光影和纹理的把握非常到位。这种对细节的极致追求，足见出版方在印制环节上的用心良苦，无疑为这本书的专业价值增添了额外的光环。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心打磨的艺术品，摆在书架上都让人赏心悦目。

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