20世纪西方美学经典文本.第1卷,世纪初的新声 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:复旦大学出版社

作者:朱立元

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-01-01

价格:40.0

装帧:

isbn号码:9787309025774

丛书系列:20世纪西方美学经典文本

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20世纪西方美学经典文本 第2卷：现代主义的张力与转向 （本书聚焦于20世纪中期至后期的美学思潮，不涉及“世纪初的新声”所涵盖的早期现代主义思潮，如现象学美学、早期形式主义等。） 导言：战后时代的审美重塑与学科的内在危机 二十世纪中叶，欧洲大陆与北美社会经历了翻天覆地的变革。两次世界大战的创伤、冷战格局的形成、大众文化的崛起以及科学技术的飞速发展，共同构成了理解战后美学转型的宏大背景。此时的美学研究，不再满足于对艺术作品形式的单纯分析或对“崇高”经验的形而上学沉思。它面临着前所未有的挑战：艺术的本质是什么？在技术复制与工业化生产面前，艺术品的“灵光”是否消逝？美学如何回应大众传播媒介对审美判断的颠覆性影响？ 本卷精选的文本，正是围绕这些核心议题展开的深度对话与激烈辩论。它们共同构建了一个充满内在张力与关键转向的学术景观：一方面，是对现代主义乌托邦式理念的深刻反思与批判；另一方面，是对结构主义、符号学及后结构主义哲学思潮的积极吸纳与改造。 第一部分：现象学余绪与艺术的在场性之辩 战后美学的初始阶段，仍能看到现象学美学的深刻影响，但其焦点已转向对具体“艺术事件”和“身体经验”的重新定位。 1. 梅洛-庞蒂的“可见之物”与身体的感知世界： 本部分重点收录了对莫里斯·梅洛-庞蒂（Maurice Merleau-Ponty）后期思想的深入解读和应用。他的“肉体感觉”（le chair）理论，为美学提供了一种非二元论的基础。作品不再是脱离身体的纯粹视觉对象，而是通过身体的感知与世界的交织而显现。我们探讨的是，艺术家如何通过媒介（如绘画、雕塑）来重构主体与客体之间的“错综联系”（entrelacs），从而揭示经验的原始结构，而非仅仅呈现既定的意义。文本分析了这种“具身性”（embodiment）如何挑战了将艺术视为纯粹认知活动的传统观念。 2. 现象学与现象的消逝：对“展示”的再考察： 本部分收录了探讨艺术作品如何“呈现存在本身”的论述。相对于世纪初对“直观”的强调，战后的讨论更关注“缺席”与“在场”之间的辩证关系。在原子弹爆炸的阴影下，艺术作品的“存在感”变得岌昧而脆弱。这些文本试图回答：在视觉爆炸与信息超载的时代，艺术如何能重新建立一种稳固的、令人信服的“在场性”？讨论涉及对海德格尔后期美学思想的吸收与在地化处理。 第二部分：结构主义的冲击与符号学的进军 20世纪50年代末至60年代，以法国为中心的结构主义思潮席卷了人文科学，美学领域也未能幸免。艺术分析被视为一种语言学或符号学现象，焦点从艺术家的主观意图转向作品自身的内部结构和文化代码。 1. 罗兰·巴特的意义生产：从“神话”到“零度写作”： 本卷深入分析了罗兰·巴特（Roland Barthes）对文学与图像的结构性解读。重点文本涵盖了他对“神话”（Mythologies）的解构，揭示了日常文化和大众媒介如何通过看似自然的方式，系统地掩盖意识形态的运作。在艺术分析层面，我们考察了巴特在特定时期对“作者之死”的论断，以及对“文本”（Texte）而非“作品”（Œuvre）的强调。这种转向，要求美学家将艺术视为一个由可识别的符号、结构和惯例构成的系统，而非一个“天才灵魂的投射”。 2. 形式的深度结构：对艺术“语法”的探寻： 结构主义美学尝试构建一套分析艺术作品的通用“语法”。这包括对电影、诗歌、建筑等不同媒介内部的叙事模式、句法结构以及重复模式的量化分析。这些文本拒绝了对艺术的“情感化”或“直觉化”解读，主张通过客观的、类语言学的工具来揭示隐藏在表层差异之下的普遍规律。本部分也批判性地审视了这种过度强调结构的倾向可能导致的意义僵化。 第三部分：大众文化、技术复制与批判理论的介入 面对战后消费社会和媒体的空前繁荣，美学开始严肃地介入社会批判理论，关注艺术品在技术和市场双重作用下的命运。 1. 技术复制时代的艺术品灵光之失与重估： 尽管瓦尔特·本雅明（Walter Benjamin）的论述产生于更早的时期，但其关于“光晕”（Aura）消逝的预言，在战后大众媒体爆炸性增长的背景下，获得了新的紧迫性。本卷收录了对“复制技术如何改变了艺术的社会功能和本体论地位”的后续讨论。新的问题是：在电子媒介统治下，非物质化的艺术形态（如表演艺术、观念艺术）是否提供了对抗技术异化的新路径？ 2. 批判理论对审美判断的颠覆：阿多诺的辩证法： 本部分集中探讨了法兰克福学派晚期对现代艺术的深刻辩证分析。西奥多·W·阿多诺（Theodor W. Adorno）的文本成为核心，他坚持认为，真正的现代艺术（如未被市场完全同化的严肃音乐或前卫绘画）必须通过其“拒绝性”（Refusal）来抵抗社会所要求的和谐与愉悦。艺术的美学价值，恰恰在于它对庸俗的、被意识形态污染的“享乐”的拒绝。这些文本迫使读者直面美学判断的社会政治维度，拒绝将审美经验视为纯粹的个人情感满足。 3. 审美经验的日常化与新实用主义的萌芽： 随着战后中产阶级生活方式的形成，对“设计”与“环境”的关注日益增强。本部分收录了对艺术与生活空间边界模糊的探讨，初步触及了艺术的实用性与公共性问题。这标志着美学开始从对“精英艺术品”的独尊，转向对更广阔的视觉文化和日常生活经验的关注，为后续的视觉文化研究和新实用主义美学奠定了基础。 结语：美学转向的复杂遗产 本卷所涵盖的思潮，共同描绘了一幅复杂的美学地图：它既继承了现代主义对形式深度的追求，又批判性地吸收了结构主义的方法论工具，更重要的是，它无法回避技术进步与社会批判对艺术本体论提出的根本性挑战。这些文本相互交织，共同塑造了二十世纪下半叶西方思想界对“何为美学”的持续追问与边界拓展。它们不再试图提供一个统一的、宏大的美学体系，而是展示了一系列高强度、高度专业化且充满内在紧张的理论尝试，旨在理解一个日益碎片化、媒介化和全球化的审美世界。

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不得不说，这本书的翻译质量非常高，文字流畅，术语精准，但这并不能完全弥补内容上的“错位感”。我购买这本书，是冲着它标题中“新声”所蕴含的颠覆性力量去的。我希望看到的是对传统再现理论的挑战，是对艺术主体性边界的重新划定。然而，书中引用的案例和分析对象，大多停留在十九世纪末的欧洲文坛和沙龙艺术中，例如对波德莱尔晚期作品的某些特定主题的挖掘，或是对早期印象派技法在哲学层面上的辩护。这种“未到点”的阅读体验，让我感觉像是在一列加速向前的列车上，却被要求反复观看窗外已经掠过的风景。我渴望的洞见，那种能解释“为什么艺术会变成我们后来看到的样子”的关键转折点，在这本书里似乎被有意无意地推后了。它更像是一部扎实的、关于“前夜”的编年史，而不是高潮的序曲。

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我特地为阅读此书腾出了一个安静的周末，希望能沉浸于那些关于艺术本质的深刻辩论之中。我期待着能读到一些关于形式主义如何诞生，或者某种早期现代主义宣言的直接文本或深入剖析。结果呢？书中的论述线条异常曲折，与其说是直接呈现“新声”，不如说是在描绘“旧声”的最后一抹余晖是如何逐渐隐退的。作者花费了极大的笔墨去辨析康德和尼采在特定美学议题上的细微分歧，这种对哲学源头的追溯固然重要，但对于急于了解二十世纪初艺术实践如何变革的读者来说，不免显得有些隔靴搔痒。每一次我以为即将触及到立体主义或未来主义的先声时，文字又会巧妙地绕开，转而去探讨某种早期的象征主义流派如何处理色彩与象征的关系。这感觉就像是，你准备观看一场盛大的开幕式，却被要求先去研究乐谱的每一个音符是如何在古典主义框架下被谱写的，这让人对“世纪初”的实际冲击力产生了疑问。

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我期待这本书能为我打开一扇通往现代主义精神核心的门，那里应该充满了对机械时代、大众文化以及非理性力量的早期回应。但实际的阅读体验，却像是在一个装饰华丽但有些密不透风的古典房间里进行深度考察。大量的篇幅被用来辨析特定美学家对于“崇高”概念的诠释演变，以及他们如何谨慎地处理柏格森的时间哲学对艺术创作的影响。这些讨论无疑是精妙的，但它们似乎仍然根植于一种相对传统的、以主体经验和形而上学为核心的美学框架内。那种对客观世界、对非个人化艺术生产的关注，那种真正预示着二十世纪下半叶审美品味的转变的早期萌芽，在这本书里显得异常稀薄。我带着对未来美学的憧憬而来，却被邀请去仔细品味了一场精致的、关于“过去之美”的告别仪式。

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这本厚重的精装书，光是拿到手上，就能感受到它承载的知识分量。我原本期待它能带领我深入二十世纪初那些思想风暴的中心，去触摸那些开创性的理论基石。然而，当我翻开扉页，开始阅读那些赫然印在目录上的篇章时，我的心情如同经历了一场期待已久的航行，却发现船票指向的并非预想中的彼岸。书中的讨论，似乎更侧重于对十九世纪末期美学思潮的梳理与回应，那些关于“颓废主义”的细微差别，以及对瓦格纳音乐戏剧的反复解读，占据了大量的篇幅。我努力想从中捕捉到那种被誉为“新声”的、锐利而决绝的突破感，但更多品尝到的是一种对既有范式的精细校订与温和修正。那种仿佛要推翻一切、重塑审美的激昂似乎被稀释了，取而代之的是一种学院派的严谨与审慎，让人感觉，我们似乎仍在原地踱步，只是换了一种更精致的视角来审视过去。这让我不禁思考，真正的“世纪初”的震动，是否被这种详尽的回顾性分析所掩盖了，还是说，我错过了作者试图传达的某种微妙的过渡信号。

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从阅读的节奏感来看，这本书的叙事节奏非常平缓，几乎是以一种近乎于散文诗的沉静来铺陈史料。这与我对于“世纪初”那种充满躁动、分裂与实验精神的认知大相径庭。我原以为会读到一些激烈的、充满断裂感的文字，能够直观感受到新旧观念碰撞的火花。然而，书中更多的是一种对历史连续性的强调，对美学思想如何在一个相对平稳的轨道上缓慢演进的描绘。它似乎在向我论证，所谓的“新声”并非一夜之间爆发的，而是一系列复杂、渐进的思辨累积的结果。虽然这种论调本身具有学术价值，但它削弱了文本的戏剧性。我感觉自己像是在一个极其细致的历史博物馆里，观看那些已经凝固的展品，而不是在历史现场感受那种空气中弥漫的、即将爆发的创造力的张力。

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目前只读了俄国形式主义部分,有时间时再继续.

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