清代京剧文学史

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出版者:第1版 (2005年5月1日)
作者:颜全毅
出品人:
页数:548
译者:
出版时间:2005-5-1
价格:30.00
装帧:平装(无盘)
isbn号码:9787200060126
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

京剧是中国戏曲的代表剧种,也是戏曲艺术发展的顶峰。本书系统深入地梳理探讨了清代京剧文学发展的总体脉络、文学成就与价值再认识,初步勾勒出一个清代京剧文学的轮廓样式,填补了这方面学术研究的空白。

《清代京剧文学史》内容提要(非本书内容) 以下内容旨在描绘与《清代京剧文学史》主题范围(即清代京剧的文学性发展)相并列,但截然不同的另一部学术著作可能涵盖的领域和深度。 --- 《明代戏曲的程式化与地域流变研究》 (一部专注于明代戏曲,侧重表演艺术与地域风格的学术专著) 作者: [此处可设想一位专攻明代戏曲史的学者姓名] 出版社: [此处可设想一家注重人文社科的学术出版社] 定价: [此处可设想一个合理的学术书籍定价] 页码: 约650页(含图版及索引) 开本: 16开精装 --- 第一部分:引言与研究方法论 本书旨在对明代(1368-1644)作为中国戏曲发展关键时期的文学与表演形态进行一次深入的结构性考察。不同于侧重清代成熟期文体(如京剧)的文学建构研究,本研究的焦点在于明代戏曲在南戏、弋阳腔、昆山腔等主要声腔体系形成与鼎盛阶段所体现的程式化运动及其与地域文化的紧密耦合关系。 研究方法上,本书突破了传统上以剧本文献为核心的单一文本分析范式,首次大规模整合了以下三类一手史料: 1. 地方志与戏班档案: 重点分析了以苏州、南京、徽州、江西为中心的戏班活动记录、酬金单据及禁令文本,以重建实际的舞台运作生态。 2. 地方戏曲批评与理论: 梳理了《太玄指》、《南词定律》等早期声腔理论,探究明代文人对“雅”与“俗”的界限划分对程式规范化的影响。 3. 版画与插图: 对万历年间《南北杂剧》等刊本中的舞台插图进行图像学分析,以还原失传的服饰、走位及化装风格。 第二部分:声腔体系的地域分化与表演定型 本部分详细剖析了明代戏曲的两大母体——南戏(温州)与杂剧(北方文人系统)在南下及演变过程中,如何通过地方资源与审美趣味塑造出截然不同的表演语言。 第一章:南戏的“活态”传承与叙事效率 研究集中于南戏如何在民间语境下保持其口语化和即兴性的传统,并分析了其在表演中如何运用“脚色套路”而非后世成熟的“行当划分”来完成角色塑造。特别探讨了“弹唱”与“做功”在南戏早期剧目中相互拉扯的张力,这与清代京剧追求的声腔与动作的统一性形成了鲜明对比。 第二章:弋阳腔的粗犷气象与地域审美冲击 弋阳腔(江西)的崛起,是明代戏曲程式化进程中一个“反精致化”的侧面。本章通过分析其剧目对神怪、战争题材的偏爱,揭示了弋阳腔如何通过高亢的嗓音和大幅度的肢体动作(如“抢白”与“翻打”)来适应广大底层观众对直观震撼力的需求。这种对外显力量的追求,是其区别于后世注重内敛韵味的声腔体系的根本特征。 第三章:昆山腔的文人化转型与“规范的建立” 昆山腔的兴盛,标志着戏曲艺术开始被主流文人阶层主动吸纳和规范。本章重点解析了以梁辰鱼、徐渭为代表的创作者,如何在继承南戏的基础上,引入士大夫的文学语汇和雅致的音乐结构。这种“提升”过程,实际上是为清代成熟戏曲文体——包括京剧的前身——奠定了规范的审美基调和对唱腔精致度的执着。研究指出,昆山腔的“慢、雅、细”的特质,为后来的徽班进京提供了重要的美学参照系。 第三部分:舞台空间与技术革新对程式的影响 本部分将目光投向明代戏曲在舞台技术和空间运用上的探索,这些探索直接影响了后世戏曲“空台写意”的表演哲学。 第四章:明代戏台的物质性与角色调度 考察了明代剧场(如瓦舍、戏园子)从简陋到复杂化的演变。研究发现,早期的戏台结构对演员的走位逻辑有显著制约。例如,对“上马”、“过关”等程式动作的早期设计,往往受限于有限的舞台深度和布景的缺失。 第五章:戏曲服饰的“符号化”初探 本书首次对明代戏曲服饰的“符号化”过程进行了量化研究。分析了《金瓶梅》等小说中对戏装的描述,以及版画中所见的“蟒”、“靠”、“巾带”等基本要素的初步确立。强调了在文学文本尚未完全成熟前,视觉符号如何先行一步,成为观众辨识角色身份的重要工具。 结论:从地域混声到文体定型的前夜 本书的结论是:明代戏曲的核心特征在于其强烈的地域性与尚未完全融合的声腔冲突。昆山腔代表了理想化的文学与音乐结合点,而弋阳腔则代表了大众审美的原始动力。清代京剧的文学史意义,恰恰在于它成功地解决了明代遗留的地域性矛盾,通过对徽班、汉调的整合,最终确立了一种具有高度文本统一性与表演通用性的“国戏”体系。本书的研究,为理解京剧文学是如何从明代复杂的“泥土”中提炼、升华和定型,提供了坚实的明代基础坐标。 --- (全书包含三份附录:明代戏曲刊本插图索引、主要声腔对比音高表、以及关键历史人物活动年表。)

作者简介

目录信息

导论
一、清代京剧文学研究的意义
二、清代京剧文学的总体性特征
三、本论文研究领域概况和写作说明
第一编 清代京剧文学的起源、整合
第一章 京剧起源与戏曲文学体制的变革
第一节 花雅之争与皮黄声腔的崛起
第二节 徽班与京剧的孕育发展
第三节 戏曲文学体制的变革与创新
第二章 起源时期的作品形态

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读后感

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用户评价

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这本书简直是打开了一扇通往那个时代艺术殿堂的大门,从文字间我能真切感受到老一辈艺术家们对表演艺术的执着与热爱。作者的考据工作做得极其扎实,大量的原始资料被细致地梳理和引用,使得每一个论断都有据可循,而不是空泛的感慨。尤其是关于早期戏班的组织结构和演出生态的描绘,细节丰富到令人咋舌,仿佛身临其境地看到了那些简陋的戏台子上如何酝酿出流传百世的经典。我特别欣赏作者在分析不同流派兴衰时所展现出的那种宏大叙事能力,能够将个体命运与时代洪流巧妙地结合起来,让人在欣赏艺术魅力的同时,也不禁思考历史变迁对文化产生的深刻影响。这本书不仅仅是历史的记录,更是一部关于文化传承与创新的生动教材,对于任何想要深入了解中国传统戏剧发展脉络的人来说,都是一本不可多得的宝典,其深度和广度都远超我的预期。

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老实说,我原本以为这是一本会让人昏昏欲睡的“史”,但这本书却完全颠覆了我的固有印象。作者在描述那些复杂的历史事件和艺术理论时,总能找到一个绝佳的切入点——往往是一个生动的历史轶事或者一句精辟的剧词。这种将学术深度“人性化”处理的手法,使得即便是对专业术语不太熟悉的读者,也能轻松跟上作者的思路。书中的一些关于流派冲突和艺术理念争论的章节,读起来简直像在看一部悬疑剧,充满了戏剧性的张力,让人忍不住想知道“下一步会发生什么”。这种将历史写成引人入胜的故事的能力,是区分平庸之作与杰出之作的关键。它成功地将枯燥的年代考证,转化成了对一个辉煌艺术时代活生生的追溯。

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我花了好几周时间才精读完这本大部头,最大的感受是作者在处理时间跨度巨大的内容时,展现出的惊人条理性和脉络清晰度。全书结构严谨,每一章节的过渡都如同精密齿轮般咬合得天衣无缝,让人很容易保持专注。它没有像许多同类著作那样,在某一特定时期进行过度聚焦,而是努力做到对整个清代历史的阶段性发展进行全面覆盖,即便是早期戏曲雏形的萌芽和晚期向现代转型的关键节点,都有相当篇幅的论述。对我而言,这本书的价值在于它提供了一个极其可靠的参照框架,让我能够清晰地定位和理解清代京剧艺术在整个中国戏剧史谱系中的确切位置和独特贡献。它就像一张精确绘制的地图,指引着我们去探索那个充满传奇色彩的文化领域。

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阅读体验上,这本书的行文节奏把握得非常到位,既有学术著作应有的严谨性,又不乏引人入胜的故事性。作者的语言风格非常洗练,不拖泥带水,直击问题的核心。例如,在探讨某些剧目的审美取向如何反映当时的社会思潮时,作者没有陷入繁琐的文本分析泥潭,而是用极其清晰的逻辑链条,将文本、表演形式以及观众反应三者串联起来,展现出一种令人拍案叫绝的洞察力。我个人对其中关于舞台美术和服饰变革的那几章尤其着迷,作者通过对实物和图像的描述,将视觉艺术的演变过程描摹得栩栩如生,这对于我们这些只接触过现代舞台的读者来说,是极其宝贵的视觉补充。读完之后,我感觉自己对“清代”这个标签下的艺术样貌有了一个立体且多维的认知,远比教科书上的简单介绍要丰富和深刻得多。

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这本书的视角非常独特,它没有仅仅停留在对名家名作的简单罗列上,而是着重探讨了“民间”与“宫廷”之间复杂的互动关系对京剧艺术发展所起到的双向驱动作用。这种宏观与微观结合的叙事策略,使得对清代京剧的理解不再是扁平化的,而是充满了张力和辩证性。我尤其欣赏作者对于那些不那么光鲜亮丽的群体——比如戏班中的幕后人员、地方性的民间小调对京剧的渗透——所给予的同等重视。正是这些“非主流”的元素,构成了京剧蓬勃生命力的源泉。通读全书,我体会到的是一种对历史的谦卑和对艺术生命的敬畏,它揭示了艺术的诞生和成熟,从来都不是一蹴而就的,而是无数次磨合、碰撞和吸收的结果,这份对复杂性的尊重,让这部作品的价值得到了极大的提升。

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颜老师的博士论文,资料足够详实,结构也足够清晰,但是还是没能够全面的覆盖所有的东西,期待颜老师继续研究下去

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颜老师的博士论文,资料足够详实,结构也足够清晰,但是还是没能够全面的覆盖所有的东西,期待颜老师继续研究下去

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戏曲场面设置似乎也不全在剧作者写,无论如何老戏场面调度还是高明的多,像连环计那简直是绝倒。京剧文学这说法够囧,有两小段戏文还是可抄。

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前些天看的,我记得这好像是作者的博士论文,就中规中矩啊,我还是更爱看汪曾祺、黄裳那种感情激烈的戏评。这本书里的分析就一般,但作者找来的材料,有些我以前没见过,还挺好的。

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颜老师的博士论文,资料足够详实,结构也足够清晰,但是还是没能够全面的覆盖所有的东西,期待颜老师继续研究下去

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