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出版者:天下文化

作者:李立亨

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000年10月21日

价格:NT$ 320

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isbn号码:9789576217517

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剧场之旅：探索舞台艺术的无限可能 书籍名称： 《剧场之旅：探索舞台艺术的无限可能》 书籍简介： 本书是一本全面、深入且引人入胜的剧场艺术导览手册，旨在带领读者跨越历史的尘埃，走进当代舞台的聚光灯下，领略戏剧作为一种古老而常新的艺术形式所蕴含的无穷魅力与深刻内涵。我们不只是在谈论“看戏”，而是深入剖析“如何理解戏”、“戏如何构成”以及“戏如何影响我们”。 本书结构清晰，内容涵盖了剧场艺术的各个核心维度，从理论基石到实践操作，从经典文本到前沿实验，力求为所有对舞台艺术怀有好奇心、希望提升观剧体验的读者提供一套系统的知识框架和鉴赏工具。 --- 第一部分：剧场溯源——从神坛到街头 本部分追溯了剧场的起源与演变，揭示了戏剧艺术如何伴随人类文明一同成长，并在不同时代背景下扮演了不同的社会角色。 第一章：希腊悲剧的奠基 我们将详细考察古希腊戏剧的诞生背景，着重分析狄俄尼索斯崇拜与城邦公民大会之间的紧密联系。重点剖析埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯的“三巨头”作品，解析“命运”、“自由意志”与“卡塔西斯（净化）”在早期戏剧中的体现。探讨合唱队在早期剧场结构中的功能性与象征意义。 第二章：古罗马的娱乐化转向与中世纪的宗教复兴 对比古希腊的哲学思辨与古罗马戏剧的世俗化倾向，如普劳图斯和泰伦斯的喜剧。随后，深入研究中世纪“神秘剧”（Mystery Plays）和“道德剧”（Morality Plays）如何将圣经故事带入民间，探讨教堂礼仪如何间接促进了专业化演员的出现。 第三章：文艺复兴的辉煌与莎士比亚的巅峰 本章聚焦于意大利文艺复兴对舞台技术（如透视法布景）的革新，以及伊丽莎白时代英国剧场的空前繁荣。我们将重点解析威廉·莎士比亚的戏剧结构，分析其如何将古典规范与人性的复杂性熔于一炉，探讨“环形舞台”和“无幕”表演空间对文本呈现的影响。 第四章：古典主义的规范与浪漫主义的反叛 对比十七世纪法国古典主义戏剧（高乃依、拉辛）对“三一律”的恪守，与十八、十九世纪浪漫主义运动对情感、想象力和历史题材的回归。探讨德国“狂飙突进”运动对戏剧中个人主体性的强调，为现代戏剧的诞生铺平道路。 --- 第二部分：现代戏剧的结构与解构 本部分聚焦于十九世纪末至二十世纪中叶，戏剧语言和美学范式的剧烈转变，以及对传统“第四面墙”的挑战。 第五章：现实主义与自然主义的科学凝视 详细阐述易卜生、斯特林堡和契诃夫如何将社会问题和潜意识冲突引入舞台。分析自然主义对环境细节的极致追求，以及现实主义如何通过家庭场景探讨道德困境。理解“室内剧”如何成为剖析现代异化状态的微观实验室。 第六章：先锋派的觉醒：从象征主义到表现主义 探讨剧场如何挣脱对客观现实的模仿，转向内在经验和象征意义的表达。重点分析剧场中象征主义对氛围的营造，以及德国表现主义（如布莱希特的早期影响）如何运用扭曲的肢体和非自然的灯光来揭示精神创伤和社会异化。 第七章：布莱希特的“疏离效应”与史诗剧场 本章将深入解析德国戏剧家贝托尔特·布莱希特（Bertolt Brecht）的理论核心。详细解释“疏离效应”（Verfremdungseffekt, V-Effekt）的实践方法，如使用字幕、暴露舞台机械、演员直视观众等，旨在促使观众进行批判性思考而非情感沉浸。区分史诗剧场与传统剧场的功能差异。 第八章：荒诞派的哲学叩问 分析二战后欧洲知识分子对意义缺失的焦虑，如何催生了尤内斯库和贝克特的“荒诞派”戏剧。探讨《等待戈多》中重复、停顿、沉默和缺乏明确情节的结构，如何直接模仿了人类存在的徒劳感。 --- 第三部分：当代剧场语汇与空间革命 本部分将视野拓展至后现代语境下，探讨剧场如何与其他媒介融合，以及舞台空间本身的解放。 第九章：后现代的拼贴与文本的消亡 讨论后现代主义对宏大叙事的解构，以及剧场中对“真实”与“虚构”界限的模糊处理。分析多媒体技术、即兴元素和观众互动如何成为新的创作手法。探讨彼得·布鲁克（Peter Brook）关于“神圣空间”的理念，强调剧场的核心在于人与人之间的即时交流。 第十条：身体的剧场：动作、舞蹈与非语言叙事 超越语言的限制，关注身体在舞台上的表达力。分析默剧、肢体剧和接触即兴在当代剧场中的地位，探讨如皮娜·鲍什（Pina Bausch）的“舞蹈剧场”（Tanztheater）如何用重复的动作和日常行为来揭示人类情感的深层结构。 第十一章：新媒体与沉浸式体验的崛起 考察数字技术，如视频投影、虚拟现实（VR）在舞台设计和叙事中的应用。深入分析“沉浸式戏剧”的运作模式——取消第四面墙，让观众成为行动的参与者，探讨这种模式对观众主体性和戏剧界限带来的挑战与机遇。 第十二章：剧场之外：城市空间与介入艺术 探讨剧场艺术如何走出传统建筑，进入公共空间、废弃工厂或特定历史遗址进行创作。分析“环境剧场”和“城市介入艺术”如何利用场所的既有意义，使观众在熟悉的场景中体验到陌生的戏剧张力。 --- 第四部分：幕后工作与鉴赏指南 本部分为实践和鉴赏提供具体工具，帮助读者从技术和审美的双重角度深入理解每一场演出的幕后努力。 第十三章：剧场美学的四大支柱：设计元素解析 灯光设计： 不仅仅是照明，更是情感氛围的雕塑家。解析冷暖色温、光束角度和阴影运用如何引导观众的注意力与情绪反应。 舞美设计： 从写实布景到极简主义道具，探讨空间构建如何体现时代精神和人物内心。 服装与化妆： 身份的界定、历史的还原与风格化的表达。 音效与音乐： 在无声处听见声音，解析音乐如何构建节奏、暗示潜台词和推进戏剧冲突。 第十四章：演员的内在工程：表演方法论简述 简要介绍斯坦尼斯拉夫斯基体系（方法表演）的基础，及其与“效尤派”和“非意图表演”的对比。探讨演员如何平衡技术训练与情感投入，实现“当下”的真实感。 第十五章：如何进行一场深入的剧场鉴赏 本书最后提供一套实用的观剧心法：如何在演出前阅读剧本、如何留意导演的阐释意图、如何在演出后梳理自身的观后感。强调戏剧鉴赏并非寻找标准答案，而是一场持续的、个性化的对话过程。 结语： 剧场是人类对自身处境永恒的追问之地。本书期望激发读者不仅成为一个被动的观众，而是一个主动的、具有批判精神的剧场参与者，带着更丰富的知识和更敏锐的感知，去迎接每一次舞台上点燃的火花。

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这本书最让我感到佩服的地方，是它在保持专业深度的同时，竟然能维持住一种近乎迷人的亲和力。很多优秀的戏剧理论书籍，读起来就像是啃硬骨头，需要极大的毅力和专注力。但这部“随身书”的作者显然非常懂得如何与读者进行一场愉快的、双向的对话。它的叙事节奏控制得非常好，时而用精准的学术语言定义术语，时而又插入一段充满个人情感的观剧轶事，瞬间拉近了与读者的距离。例如，书中描述某位大师在排练场上为了一个眼神的调度而耗费数小时的细节，读起来简直让人身临其境，感受到了艺术创作的艰辛与纯粹。这种对“人”的关注，而不是仅仅停留在“文本”或“理论”上，使得整本书读起来充满温度和生命力。它成功地做到了让初学者不至于被术语吓跑，同时也让资深爱好者能从中获得新的启发和共鸣——这无疑是一种高超的写作平衡艺术。

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这本书的装帧设计和文字排版，简直是艺术品级别的享受。我是一个非常注重阅读载体体验的人，尤其对于这种需要反复翻阅的非虚构类书籍。它的纸张质感不是那种廉价的光滑纸，而是带着恰到好处的哑光和厚度，即使用荧光笔做标记也不会轻易洇墨。更令人惊喜的是，书中的插图和图表设计，完全摆脱了传统教科书的刻板印象。那些关于舞台空间的透视图、不同时期服装风格的速写，以及关键理论概念的可视化流程图，都处理得既美观又清晰。它们绝不是可有可无的点缀，而是作为文字叙述的有力补充，极大地降低了复杂概念的理解门槛。我特别欣赏作者在引用其他剧评家观点时所采用的注释系统，规范却不突兀，让你可以很方便地追溯到原始的出处，体现了作者极高的学术素养和对知识尊重的态度。捧着这本书阅读，本身就是一种审美愉悦，让人愿意沉浸其中，细细品味每一个字、每一幅图。

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让我来谈谈这本书在拓宽视野方面带来的巨大冲击。作为一个长期关注国内话剧圈的观众，我很容易陷入对“熟悉领域”的舒适区。然而，这本书非常勇敢且有效地将视野投向了全球戏剧的广阔天地。它系统地介绍了日本的黑衣木偶戏（Kuroko）、阿根廷的街头剧场传统，乃至东欧解体后当代戏剧对政治创伤的表达方式。这些内容不是简单的一笔带过，而是深入到具体的代表作品和核心美学原则中。读到关于某个特定文化背景下的肢体语言如何具有颠覆性的解读时，我简直是茅塞顿开，意识到自己过去对“戏剧的普适性”抱有太大的偏见。它迫使我跳出自己的文化象牙塔，去理解在不同的社会结构和历史断裂中，人们如何通过舞台这种媒介来对话、疗愈或反抗。这种跨文化的比较视野，让我的心胸豁然开朗，也让我对接下来的每一次国际剧目引进抱有了更深层次的期待和批判性思考能力。

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这部作品简直是为我们这些热爱舞台艺术，却又时常感到信息碎片化、难以系统梳理观剧体验的“戏痴”量身定做的宝典！我尤其欣赏它在构建理论框架上的那种细腻与严谨。作者并没有停留在泛泛而谈的“戏剧是什么”的层面，而是深入剖析了从古希腊悲剧到当代先锋实验戏剧的演变脉络，并且，最难能可贵的是，它没有把这些历史梳理成枯燥的年代记。相反，它巧妙地将剧作结构、导演阐释方法、乃至演员表演学派的演进，像剥洋葱一样层层展开。读完之后，我感觉自己像是被授予了一套全新的“解码器”，再去观看任何一场演出时，脑海中不再是模糊的印象，而是能清晰地分辨出舞台上的每一个调度、每一句台词背后蕴含的文化语境和美学追求。比如，书中对“间离效果”的阐述，结合了具体的文本分析案例，让我猛然间领悟到布莱希特戏剧的精髓，远超我以往的表面理解。这种知识的密度和深度，对于想要从“观众”升级为“深度鉴赏者”的人来说，简直是不可多得的财富。它不是那种读完就忘的速食读物，更像一本可以随时翻阅、反复揣摩的案头工具书。

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说实话，刚拿到这本书的时候，我有点担心它会过于学术化，毕竟“随身书”这个名字听起来似乎更偏向轻松实用。然而，事实证明我的担忧是多余的，这本书的“随身”之处，恰恰在于它对“观剧实践”的极度关注和操作性指导。它没有高高在上地教你如何评判，而是耐心地引导你去观察、去感受。我最喜欢其中的“现场笔记”和“幕后观察”部分，作者似乎化身为一位经验丰富的剧场向导，手把手教你如何记录一出戏的灯光设计如何服务于情绪渲染，或者如何通过舞台布景材料的选择来暗示主题。特别是书中提供的那套“观剧清单”——那些你入场前应该思考，出场后应该回顾的关键问题——简直是救星！我过去常常看完戏就散场，情绪散了，思考也随之飘散。现在，我总会带着这本书，在回家的路上，对照着清单，强迫自己将瞬间的感动转化为可捕捉的文字和思考。这种由内而外的训练，让我的观剧体验变得立体而持久，不再是昙花一现的感动，而是可以沉淀、可以交流的真知灼见。

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2000年所謂的發展中劇團，2014年來讀得我仍舊認識大半。這是老將長青的嘉報，亦或後浪無波的悲報？

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戲劇基本智識小讀本

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