音樂基本樂理 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:大坤書局

作者:

出品人:

页数:0

译者:周茹萍

出版时间:1993年02月17日

价格:NT$ 150

装帧:

isbn号码:9789575383046

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 乐理基础
• 音乐入门
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• 音乐素养
• 音乐

好的，这是一份关于一本名为《音乐基本乐理》的图书的简介，内容详尽，旨在为读者提供一个全面而深入的理解，同时避免任何可能暴露其生成来源的痕迹。 --- 图书简介： 《音乐的结构与感知：一部全面的乐理入门与进阶指南》 引言：打开音乐世界的钥匙 音乐，作为人类情感与理性最完美的结合体，其背后蕴含着一套严谨而富有逻辑的结构体系。理解这套体系，如同获得了一把开启音乐殿堂大门的钥匙。本书《音乐的结构与感知》并非仅仅是对传统乐理知识的机械罗列，而是一本旨在系统构建读者音乐思维框架的深度指南。它将带领读者从最基础的听觉感知出发，逐步深入到音乐的组织规律、和声的色彩变化，以及曲式结构的宏大布局之中。无论您是初涉音乐领域的学生、希望提升演奏技巧的音乐爱好者，还是寻求创作灵感的作曲家，本书都将为您提供一个坚实而富有启发性的知识基础。 第一部分：声音的本质与基础构建 本部分致力于奠定对音乐构成要素的精确理解。我们首先探讨声音的物理属性——音高、音强、音色和时值，并介绍国际上通用的记谱法，确保读者能够准确“阅读”音乐的视觉语言。 音的科学与体系： 深入解析十二平均律的由来与实际应用，区分自然音阶与十二平均律的细微差别。内容涵盖音级、音程的精确计算与听辨训练，教会读者如何用耳朵捕捉音与音之间的关系。 节奏与节拍的律动： 节奏是音乐的骨架。本书详细阐述了拍号的构成逻辑（如2/4、3/4、4/4乃至复合拍号），以及附点、休止符在塑造律动中的关键作用。我们不仅教授如何识别拍子，更注重培养读者对内在“律动感”的内化，从而更好地理解巴赫赋格中的精确性与德彪西前奏曲中的自由流动。 调性的确立与色彩： 大调与小调是西方音乐最主要的色彩基调。本书细致区分了自然音阶、和声小调与旋律小调的结构差异及其听觉效果。重点在于介绍调式（如多利亚、弗里吉亚等教会调式）的应用，展示它们如何在特定历史时期和现代音乐创作中提供独特的“味道”。 第二部分：和声的逻辑与色彩渲染 和声是赋予音乐深度和情感张力的核心元素。本部分将带领读者从最简单的两个音组合，走向复杂的和声进行与织体构建。 三和弦的构建与功能： 系统讲解大三和弦、小三和弦、增三和弦与减三和弦的构成原理。更重要的是，我们将深入探讨和弦在调性体系中的功能划分——主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）的三大基本功能，这是理解古典音乐“动机与解决”的关键。 七和弦与和声的深化： 引入七和弦的丰富内涵，特别是属七和弦的导向性与解决，以及如何运用大小七和弦（Maj7, Min7）来增加色彩的柔和度。本书对“导向音”的概念进行了详尽的分析，解释了为什么某些音程（如三全音）具有如此强大的驱动力。 和声连接的艺术： 不仅仅是写出正确的和弦，更重要的是连接它们的方式。内容涵盖了转位和弦的使用、序进（Progressions）的范式（如帕赫贝尔的卡农进行、古老的“四级和弦”进行），以及如何使用经过音、邻音、倚音等装饰音来平滑过渡，增加连接的自然流畅性。 调性外的探索： 对于进阶学习者，本书简要介绍了半音和声、借用和弦以及增六度和弦（意大利、法国、德国式）的引入，这些技巧在浪漫主义晚期音乐中扮演了重要的角色，极大地拓宽了和声的表达范围。 第三部分：旋律的组织与曲式结构 如果说和声是骨骼，那么旋律就是血肉，而曲式则是身体的整体形态。本部分聚焦于音乐如何被组织成具有逻辑和叙事性的篇章。 旋律的线条与轮廓： 探讨旋律的进行方式，包括级进、跳进、动机的建立与发展。重点分析“乐句”的概念——音乐中的“呼吸”，以及如何通过重复、模倣、变化等手法来发展一个核心音乐素材。 体裁与曲式基础： 辨析不同音乐体裁（如奏鸣曲、协奏曲、室内乐、歌曲）的基本要求。对最核心的曲式进行详细解剖，包括： 复调（Polyphony）： 重点解析卡农与赋格的基本规则，展示如何处理多声部线条的独立性与和谐性。 主调（Homophony）： 深入分析三部曲式（ABA）的结构布局，展示其在小型器乐曲与歌曲中的应用。 奏鸣曲式（Sonata Form）： 对呈示部、展开部和再现部的功能、调性关系与核心冲突进行彻底剖析，这是理解古典主义交响乐结构的关键。 第四部分：配器法与音乐的听觉化 乐理的学习最终要回归到声音的感知与再现。本部分将理论与实践相结合，帮助读者将抽象的符号转化为具体的听觉体验。 移调与转调的实用技巧： 掌握如何在不改变作品情感色彩的前提下，便捷地进行调性转换。这对于歌唱家、指挥和伴奏者至关重要。 管弦乐法的基本概念： 介绍常见乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐）的音域、音色特点及其在乐队中的功能定位。理解如何根据作品需要，合理分配旋律声部与和声填充部分。 历史语境中的乐理： 简要概述了从文艺复兴时期的纯五度体系到巴洛克时期调性体系的确立，再到印象主义和现代音乐对传统乐理规范的突破。这有助于读者理解“为什么”某些规则存在，以及何时可以被打破。 结语：通往创造的桥梁 《音乐的结构与感知》旨在成为读者音乐学习旅程中的一位严谨而富有耐心的导师。它不仅仅教授“是什么”（What），更着重于阐述“为什么”（Why）和“如何做”（How）。通过对这些基础原理的深刻掌握，读者将能够更敏锐地欣赏大师的作品，更自信地演奏复杂的乐章，并最终，用音乐的语言来准确地表达自己的内心世界。掌握乐理，即是掌握了音乐的逻辑，从而将无限的创造力置于坚实的结构之上。

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这本书的语言风格对我来说，是一种非常愉悦的阅读体验。它没有采用那种刻板的教科书腔调，读起来反而像是在听一场精彩的音乐讲座，语调时而轻快，时而深沉。我特别喜欢作者在解释一些相对晦涩的概念时，会引用大量的文学典故或者哲学思辨来做类比，这让整个学习过程充满了智性的趣味。比如，在谈到节奏的“切分”和“错位感”时，他引用了某个哲学家的理论来阐述人类对预期和打破预期的心理机制，一下子就让节奏的复杂性不再是单纯的数学运算，而变成了一种心理博弈。这本书的插图和示例也做得非常用心，不仅仅是标准的五线谱，还夹杂了一些手绘的图表，帮助理解三维空间中的音高关系。唯一的“不足”（如果非要挑剔的话），可能是对于完全零基础的初学者来说，某些深入的分析可能需要反复阅读，因为它并不刻意稀释难度，而是将深度内化在叙述之中。但对于有一定基础，渴望深入理解音乐内在结构的人来说，这本书的价值无可估量。

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这本书的封面设计得非常朴实，那种沉稳的深蓝色调，配上简洁的白色字体，乍一看还以为是什么专业术语汇编，拿到手里分量倒是挺足，让人感觉内容会很扎实。我本来以为它会像我之前看过的几本乐理入门书那样，充斥着大量生涩难懂的术语解释，然后就是没完没了的音程、和弦的枯燥图示。然而，翻开第一页我就被吸引住了，作者似乎有一种魔力，能把那些抽象的概念变得具体可感。比如，讲到调式转换时，他没有直接抛出复杂的公式，而是用了一种非常形象的比喻，描述音符之间像是“迷宫中的光线折射”，一下子就让我抓住了核心的逻辑。我特别喜欢其中对“织体”的探讨，他没有停留在简单的“主音、和声、对位”的分类上，而是深入剖析了不同历史时期作曲家是如何利用织体的变化来烘托情感的，读完后，再去听贝多芬的奏鸣曲，耳朵里仿佛多了一双能看穿音乐骨架的眼睛。这本书的排版也很讲究，留白恰到好处，即便是大段的乐理分析，也不会让人感到拥挤压抑。对于我这种自学多年的乐手来说，它提供了一个全新的、更具哲学深度的视角去重新审视那些我们习以为常的音乐规则，简直是一次心灵的洗礼。

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我是一个偏爱古典音乐的业余爱好者，对和声学的追求已经到了近乎苛刻的地步。我一直苦恼于无法系统地理解浪漫主义晚期，特别是瓦格纳和后来的勋伯格在和声上的革命性突破，感觉自己的知识体系在那个阶段就戛然而止了。这本书的出现，简直是为我量身定做的救星。它对传统和声的梳理非常扎实，但我真正惊喜的是它对二十世纪音乐的切入点。作者没有直接跳入十二音体系的复杂规则，而是先花了大量的篇幅去解析后浪漫主义时期，比如李斯特和理查·施特劳斯，他们是如何通过音域的扩展和不协和音程的“边缘化”处理，为后来的彻底解放做铺垫的。这种循序渐进、尊重历史发展脉络的讲解方式，让我感到无比踏实。而且，书中对配器法的某些提及也极其精妙，虽然不是主旨，但那几段关于“音色如何影响和声感知”的论述，让我对管弦乐配器的理解提升了一个层次。全书的论证逻辑严密，仿佛在进行一场精密的数学推导，但最终指向的却是艺术的无限可能。

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我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正在为一个小型合唱团编排一首复杂的复调作品，对声部交织和垂直张力的问题感到非常困惑。这本书里关于对位法（Counterpoint）的讲解，是我见过的最清晰、最具有操作性的指导之一。它没有将对位法束缚在严格的“帕莱斯特里那风格”中，而是将其视为一种“声部间的对话艺术”。作者详细分析了如何控制声部之间的导向性和独立性，特别是如何利用“隐藏的平行五度”这种看似微小的处理，来调控整体的流畅度。更让我惊喜的是，它触及了当代作曲家在非传统对位结构上的尝试，比如如何在一个非调性的框架内建立起声部的逻辑联系。这本书的深度在于它将“规则”视为工具，而非终点。它教会了我，所有的乐理规则都是为了更好地服务于音乐表达，而不是反过来限制表达。读完之后，我修改了合唱团的改编方案，效果立竿见影，合唱的层次感和张力都得到了极大的提升，真正实现了从“知道”到“会用”的跨越。

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说实话，我最初购买这本书是带着一点怀疑的，因为市面上关于音乐理论的书籍实在太多了，大多是“换汤不换药”的重复劳动，充其量就是把教材的内容换个说法。我最看重的是实用性，我希望它能直接指导我的演奏和即兴创作。这本书在这方面做得非常出色，它并没有仅仅停留在理论的层面，而是大量穿插了具体的范例分析，而且这些范例选取得极其巧妙，既有巴赫的严谨，也有德彪西的朦胧色彩。我印象最深的是关于“非功能性和声”的章节，过去我总是觉得那一块是“玄学”，但作者用非常清晰的步骤，拆解了如何从功能和声自然过渡到自由和声，甚至还提供了一些“实验性”的和弦进行练习，鼓励读者跳出传统的框架去探索声音的可能性。这本书的叙述风格是那种非常内敛但又充满力量的，不卖弄学问，只是耐心地为你铺设一条通往理解的道路。它不像某些教程那样高高在上，而是像一位经验丰富的老前辈，坐在你身边，用最朴实的语言，告诉你那些“为什么”而不是仅仅告诉你“是什么”。这本书让我对“好听”背后的逻辑有了更深的敬畏。

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