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出版者:大坤書局

作者:周芸萍

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年04月30日

价格:NT$ 170

装帧:

isbn号码:9789575386771

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音乐的语言：掌握乐理与和声的实践指南 导言 音乐，作为人类情感最直接的表达媒介之一，其背后蕴含着一套严谨而优美的结构体系。这套体系，我们称之为“乐理”。对于任何渴望深入理解、演奏乃至创作音乐的人而言，乐理知识如同建筑学的结构蓝图，是不可或缺的基石。本书并非聚焦于基础的五线谱识别（如您所提及的入门书籍），而是旨在为已经具备初步识谱能力的学习者，提供一个全面、深入、兼具理论深度与实践指导的乐理与和声进阶指南。 本书的宗旨是：将抽象的音乐概念转化为可感知的、可操作的音乐实践，帮助读者建立起一个坚实的音乐理论认知框架，从而能够更自信地分析作品、更精准地进行演奏，并更有效地进行音乐创作。 --- 第一部分：音高的精确定位与结构 第一章：超越十二平均律的音高体系 本章将深入探讨西方音乐体系的基础——十二平均律的起源、数学基础及其在现代音乐中的应用。我们将剖析全音、半音的精确比例，并将其与历史上的纯律和五度圈理论进行对比，理解不同音律体系如何影响音乐的听感和情绪色彩。 十二平均律的科学性与局限性： 详细解析如何通过对数计算实现音高的平均分配，以及它在转调时产生的“狼五度”现象及其意义。 微音程的探讨： 简要介绍西方传统音乐之外的音高系统（如二十四平均律），拓宽读者对音高概念的认知边界。 音高在不同记谱法中的转换： 侧重于从固定唱名法（Do Re Mi）到相对唱名法（Solmization）的灵活转换训练，这是理解调性功能和声进行的关键。 第二章：节奏与节拍的复杂结构解析 节奏是音乐的骨架。本章将超越简单的二拍子和三拍子，专注于复杂节奏型的解构与构建。 复拍子与复合节拍： 深入分析如 6/8、9/8 等复拍子的内部结构（如二拍子与三拍子的组合），以及如何通过重音变化来塑造节奏的律动感。 复节奏（Polyrhythm）与复合节拍（Polymeter）： 探讨不同拍号同时进行时的听觉效果和记谱方法。重点分析巴赫晚期作品及20世纪音乐中复节奏的运用技巧。 节奏的细分与组合： 介绍休止符在节奏构建中的重要性，以及如何通过切分音（Syncopation）打破常规节拍的束缚，创造出更具张力的音乐效果。 --- 第二部分：和声学的深度挖掘 第三章：功能和声的逻辑与展开 本章是本书的核心，它将带领读者系统地学习建立在功能和声理论（Tonic-Dominant-Subdominant体系）之上的所有概念。 三和弦的音级功能与转位： 详细阐述主和弦（T）、属和弦（D）、下属和弦（S）在不同调性中的具体构成，以及其第一转位（六和弦）和第二转位（四六和弦）在乐句中的特定语法作用。 七和弦的丰富性： 区分属七和弦（V7）、导音七和弦（vii°7）、大/小/半减七和弦的性质、解决方向及其听觉色彩。 和声连接的语法规则： 深入探讨终止式（完全终止式、不完全终止式、伪终止式等）的构建，以及序进（Progression）中常见声部的进行规律，避免不合规范的平行五八度等错误。 第四章：和声的色彩与扩张 在本章中，我们将探讨如何突破传统三和弦的限制，为音乐增添更丰富的色彩和更强的张力。 副属和弦（Secondary Dominants）： 学习如何利用这些“临时”的属和弦来预示或导向非主和弦，以实现流畅的转调或色彩的丰富。 借用和弦（Borrowed Chords）： 探讨平行大调与小调之间的和弦借用，分析其在浪漫主义音乐中营造的忧郁或辉煌效果。 经过和弦与非和弦音的分析： 详细辨析经过音、邻音、倚音、持续音等非和弦音的在旋律和和声中的作用，理解它们如何使静态的和弦运动起来。 第五章：转调的艺术与技法 转调是衡量乐理水平的重要指标。本章将系统梳理各种转调方法，从基础到高级。 平行调与关系调的快速转调： 利用共同音或共同和弦进行连接，实现平滑、不着痕迹的调性转换。 远关系调的转调策略： 介绍利用增六和弦（意大利式、德国式、法国式）或减七和弦作为“桥梁和弦”，实现跨越式转调的技术。 调性模糊与无调性倾向： 分析浪漫主义晚期（如瓦格纳）和印象派（如德彪西）如何通过模糊调性中心，利用半音阶和弦来营造梦幻或紧张的氛围。 --- 第三部分：对位法与曲式分析的实践 第六章：对位思维的基础训练 对位法是音乐写作的精细工程，它关注的是旋律线之间的独立性和相互关系。 严格对位法简介： 介绍巴赫时代的两声部对位基本原则（如严格的音程限制和声部进行方向）。 自由对位与旋律交织： 重点讲解如何让两条或多条旋律线在保持各自独立性的同时，又能和谐地构成和声背景。通过分析赋格曲的呈示部，理解主题的模仿、展开与卡农的结构。 第七章：曲式结构与音乐形态学 理解曲式，即能看穿音乐的“骨架”和“布局”。本书将侧重于结构分析，而非简单的和弦标记。 段落的构建： 深入分析乐句（Phrase）、乐段（Period）的构成，以及如何通过终止式的出现来确立乐段的完整性。 奏鸣曲式（Sonata Form）的深层结构： 不仅停留在呈示部、发展部、再现部的表面，更会剖析主题材料的动机发展（Motive Development）和调性布局在整个结构中的逻辑演变。 变奏曲与回旋曲式的分析： 探讨主题变奏时，作曲家在和声、节奏、织体上可以采取的所有变化手段。 结语 掌握乐理与和声，并非是为了将音乐“僵化”成一套冰冷的公式，而是为了更自由地运用这套语言。本书提供的工具和视角，旨在激发学习者超越模仿，真正理解音乐家在创作过程中所做的每一个决定背后的必然性与可能性。通过对这些高级概念的系统学习，您将能够以更加成熟的视角去聆听、分析和创造音乐。

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这本书的叙事口吻非常独特，它不像许多音乐教材那样高高在上、充满了术语的堆砌，反而像是一位经验丰富的老乐师在炉火边，带着一点点幽默和无限的耐心，为你娓娓道来音乐的秘密。我尤其喜欢它在引入基础概念时所采用的故事性叙述。例如，讲解节拍和拍号时，作者没有直接给出“2/4拍就是两拍为一小节”的定义，而是讲述了古老的行军步伐和民间舞蹈的起源，让“强、弱、次强、弱”的律动感不再是抽象的符号，而是深深植根于人类活动中的自然规律。这种娓娓道来的方式极大地降低了初学者的恐惧感。当遇到一些容易混淆的概念时，比如附点音符和休止符的长度关系，作者会适时地插入一些简短的、带有生活气息的类比，比如“就像你说话时需要停顿一下才能让句子更完整一样”，这种解释方式，比起枯燥的数学公式更容易被大脑吸收和记忆。

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我对这本书的“跨界融合”处理印象尤为深刻。它并没有将乐谱阅读局限在古典音乐的范畴内。在讲解节奏复杂性时，它引入了爵士乐中切分音的处理方式，并用非常简洁的图示解释了为什么特定的切分会产生“摇摆感”。而在讨论记号法时，它甚至提到了现代流行音乐中常见的“和弦图示法”（Chord Charts）与传统五线谱的相互参照，这对于那些希望能够快速上手弹唱或编曲的读者来说，提供了非常实用的桥梁。作者显然深谙现代学习者的需求，即知识必须是“可迁移”和“即时可用”的。这本书不仅仅是教你如何“看懂”符号，更像是在为你打开一扇通往不同音乐风格的大门，让你在掌握基本功的同时，也对音乐世界的广阔性有了更直观的感受，其知识覆盖面的深度与广度令人耳目一新。

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在内容编排的逻辑性上，这本书展现了极高的专业水准。它清晰地建立了一个“由浅入深，螺旋上升”的学习路径。首先，它花了大量的篇幅来确保读者对“时值”的概念形成绝对稳定的认知，而不是匆忙地带过。这种“打地基”的扎实感非常重要。当涉及到和弦标记的初步介绍时，作者并没有急于引入复杂的七和弦或转位，而是非常审慎地先巩固了三和弦的构成原理，并且巧妙地将这些原理与和弦在不同调性中的功能联系起来。更令人赞叹的是，它在每一章的末尾都设计了“自我检验”环节，这些环节并非简单的选择题，而是要求读者进行“听觉模仿”或“视唱练习”，真正将眼睛看到的符号转化为耳朵能辨识的声音，这种实践导向的设计，确保了知识的真正内化，而不是停留在纸面上。

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这本书的装帧设计简直是音乐爱好者的福音，封面那种略带复古的米黄色调，搭配烫金的书名字体，拿在手里就有一种沉甸甸的、对知识的敬畏感。内页的纸张选择也相当考究，那种微微有些粗糙的质感，让眼睛在长时间阅读乐谱示例时不会感到疲劳。我特别欣赏它在排版上的用心，不仅仅是把音符和谱号简单地堆砌在一起，而是通过巧妙的留白和清晰的层次划分，让那些复杂的节奏型和调性变化看起来井井有条，即便是初次接触五线谱的人，也能迅速抓住重点。比如，它讲解高音谱号和低音谱号的对应关系时，没有采用那种生硬的“死记硬背”法，而是用了一种非常形象的“钢琴键盘参照”系统，一下子就打通了视觉和听觉的连接点。这本书的整体设计语言传达出一种“严谨而不失亲和力”的理念，让人感觉作者是真正为学习者着想，而不是仅仅想堆砌理论。光是翻阅和触摸这本书的过程，就足够让人心情愉悦，为接下来的学习打下了非常好的心理基础。

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这本书在处理“阅读的效率”方面做得非常出色。很多音乐读物在讲解快速阅读乐谱时，往往会陷入对“记忆大量音符位置”的误区。但这本书更侧重于训练读者的“模式识别能力”。作者反复强调“音程”和“和弦指型”的训练，而不是单个音符的定位。比如，它会展示一段由三个相同音程构成的旋律片段，引导读者先识别出音程的结构，而不是逐个读出“Do、Mi、Sol”。这种训练方法极大地提升了我的阅读速度，尤其是在处理跨越多个八度的复杂乐句时，我不再感到眼花缭乱。此外，它对谱号切换的处理也十分人性化，通过对比高把位低音谱号与中音谱号的对应关系，极大地简化了从一种谱号切换到另一种谱号时的思维转换过程，这对于演奏中音提琴或大提琴的爱好者来说，简直是如虎添翼。

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