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出版者:上海音乐出版社

作者:陈丹青

出品人:

页数:333

译者:

出版时间:2002-3

价格:25.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806670750

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《陈丹青音乐笔记》 一、 序章：关于艺术的对话与回响 陈丹青，一个在中国当代艺术界早已享有盛誉的名字，他的名字本身就承载着一份厚重与深刻。人们熟知他笔下的斑斓色彩，他镜头下的质朴人文，以及他锋利而引人深思的言论。然而，当“音乐笔记”这个意想不到的词汇与陈丹青的名字并置时，一个充满好奇与期待的空间便被打开。这并非意味着陈丹青要转型为一名音乐家，或是对音乐理论进行系统性的阐述。相反，它更像是一扇窗，透过这扇窗，我们得以窥见这位艺术家内心深处对音乐的理解、感悟与连接。 《陈丹青音乐笔记》并非一本传统意义上的音乐评论集，它更像是一场跨越时空的艺术对话。在这里，音乐不再是孤立的声音频谱，而是与绘画、文学、历史、哲学乃至生活本身交织缠绕的独特存在。陈丹青以他一贯的敏锐洞察力和自由奔放的表达方式，将音乐作为一种特殊的媒介，触及他所关心的文化命题、审美体验以及个体存在的境遇。这本书，将带领读者踏上一段别开生面的旅程，在音符的海洋中，感受艺术的无限可能。 二、 乐章：回溯与聆听，时代的共鸣 本书的第一个篇章，更像是陈丹青对自己过往艺术生涯以及时代记忆的回溯。他或许会提及童年时期接触到的第一首摇篮曲，那种纯粹的温暖如何在他心底埋下最初的音乐种子。他可能会回忆起那个特殊年代里，音乐扮演的角色——是民族精神的呼唤，是革命激情的呐喊，还是压抑情感的低语？这些年代的印记，通过音乐的片段，被重新唤醒，触动那些共同经历过岁月的人们内心深处最柔软的角落。 他不会拘泥于音乐风格的划分，而是更关注音乐所承载的情感和它所引发的联想。一首经典的歌谣，可能勾起他对童年故乡的思念；一段激昂的交响乐，或许让他联想到某种宏大的历史叙事。这种将音乐与个人经验、时代背景融为一体的讲述方式，使得音乐不再是抽象的概念，而是鲜活的、有温度的生命体验。他或许会引用一两句歌词，一段旋律，但重点不在于对音乐本身的分析，而在于这些音乐如何触发了他对人生、对社会、对历史的思考。 例如，他可能会谈到某个特定时期流行的歌曲，分析这些歌曲的旋律、歌词、演唱方式，但最终的落脚点，却会指向那个时代的集体情绪，普通人的生活状态，以及社会思潮的变迁。这是一种“以乐载道”的艺术处理方式，通过音乐这根细密的线，串联起复杂的社会肌理和个体命运。读者在阅读时，会如同走进一个充满时代气息的画廊，每一幅画都带着音乐的旋律，每一段旋律都勾勒出一个时代的剪影。 三、 变奏：绘画的耳朵，音乐的眼睛 陈丹青的艺术触角向来是多元的。他不仅是一位卓越的画家，对音乐的理解也必然会渗透进他绘画的思考之中。《陈丹青音乐笔记》的一个重要维度，便是探讨音乐与视觉艺术之间的内在联系。他可能会问：当他面对一块画布，构思一幅作品时，他的“耳朵”是否也在工作？他所描绘的色彩、线条、构图，是否与某种音乐的节奏、旋律、和声存在着微妙的呼应？ 他不会生硬地将音乐的术语套用到绘画上，而是通过更具象、更感性的方式来表达。他可能会描述一幅画的色彩组合，如同某种乐器的音色；他可能会谈论一幅画的节奏感，就像音乐的起伏跌宕；他甚至可能会将某种音乐的情绪，转化为画面中的光影变化。反之亦然，当他聆听音乐时，他的“眼睛”是否也在捕捉那些无形的画面？音乐的起伏、情绪的转折，在他眼中是否也化为了流动的色彩、跳跃的线条？ 他或许会提及某位作曲家，然后通过对这位作曲家音乐风格的感知，来反观他自己的绘画创作。例如，巴赫的严谨与秩序，是否会让他想到某种具象的结构；莫扎特的轻快与灵动，是否会赋予他画面新的生命力；贝多芬的激情与力量，是否会激发他创作的勇气？这种跨媒介的思考，是陈丹青艺术视野的独特之处。他认为，优秀的艺术，无论形式如何，都拥有共通的灵魂和审美原则。音乐的内在逻辑，可以为视觉艺术提供新的灵感，反之亦然。 四、 赋格：文化基因与审美取向 这本书的价值，还在于陈丹青对音乐背后所承载的文化基因和审美取向的深刻洞察。他不会仅仅停留在对音乐本身的欣赏，而是会追溯音乐的源头，探讨它与民族文化、历史传承、社会心理之间的联系。 他可能会从中国传统音乐谈起，分析古琴的静谧与空灵，戏曲的唱腔与韵味，民歌的质朴与热情。他会思考这些音乐是如何塑造了中国人的审美情趣，如何表达了东方哲学中的“天人合一”、“虚实相生”等理念。他可能会将其与西方古典音乐进行有趣的对比，探讨不同文化背景下音乐所展现出的不同魅力。 同时，他也会关注当代音乐的发展，分析流行音乐的特点，思考它们如何反映了现代社会的多元与复杂。他可能会对某些被忽视的音乐形式，或者被时代潮流所掩埋的音乐，发出真诚的呼唤。他关注音乐的“本土性”与“世界性”的张力，以及音乐如何成为文化交流的桥梁。 他还会将音乐与他一贯关注的“人”的主题联系起来。音乐是人类情感最直接的表达方式之一。他会通过音乐来窥探人性的不同侧面，人与人之间的情感纽带，以及个体在复杂社会中的孤独与慰藉。他或许会谈到那些他欣赏的音乐人，不仅是因为他们的技艺，更是因为他们音乐中所展现出的真诚、独立和对艺术的执着。 五、 尾声：艺术的呼吸，生命的低语 《陈丹青音乐笔记》最终并非要给读者提供一套音乐鉴赏指南，也不是一份详尽的音乐史读物。它更像是陈丹青个人内心世界的一次袒露，一次与音乐进行的深情对话。他通过音乐，表达了自己对生活的热爱，对艺术的追求，对人性的关怀。 这本书所呈现的，是一种开放的、自由的、充满个人独特视角的艺术表达。它鼓励读者用自己的耳朵去聆听，用心去感受，用自己的生命去体验。音乐在这里，成为了连接艺术与生活，连接个体与世界，连接当下与历史的纽带。 阅读《陈丹青音乐笔记》，你或许会发现，原来自己一直以来对某首歌曲的情感共鸣，有着更深层的文化根源；你或许会因为一段旋律，而重新审视自己的生活态度；你甚至会因为陈丹青独特的视角，而开始用一种全新的方式去聆听你身边的世界。 这不仅仅是一本关于音乐的书，它更是关于艺术的呼吸，关于生命的低语。它邀请你一同沉浸在声音的海洋，感受那些跨越时空的共鸣，发现隐藏在日常生活中的艺术之美。在陈丹青的文字里，音乐不再是冰冷的音符，而是鲜活的、充满生命力的存在，如同他笔下的色彩，如同他镜头下的光影，如同他思想中的火花，永远跳跃着，回响着，触动着每一个热爱生活与艺术的灵魂。

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《外國音樂在外國》我在中午洗完碗之后，就著花果茶讀完了，甚至于早早地先於我一直愛不釋手的《玫瑰的名字》。 昨兒讀書的時候，有個朋友在MSN里談到《傅雷家書》里，傅雷將莫扎特比作李白，將貝多芬比作杜甫。本來想說，陳丹青對此有他自己的看法，后來卻說了我的看法——每...  

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“音乐，可以在听者的联想中指具体而微的事物。”陈丹青听《斗牛士之歌》，想起的是六六年夏末秋初的夜色，想起弄堂口一群蜂拥而过的红卫兵，用上海话唱《卡门》的主题歌。他还说，每当《拉科齐进行曲》响起时，他眼前掠过的，是赣南山村的土屋，土墙，房梁，摇曳跳动的油灯灯...  

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画画的人也并非不能谈乐。 听非专业人士谈乐，反而有别样的趣味。 那拨人似乎都爱古典。我第一次看《威尼斯日记》，知道阿城喜欢歌剧的时候吓了一跳。 因为我这方面特无知，以前总错误地从喜欢歌剧的伪爱好者们身上折射出对歌剧和古典乐的厌恶。动辄张嘴闭嘴马勒，老柴的家伙，...  

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读这本的时候，每次听的都是complete edition of chopin。一整盒CD听完，书也看完了。 嗯。“巴赫就像是一座教堂，欧洲没了教堂还是教堂么?” 书中的观点很多都有所与我契合。而因为感兴趣的话题，所以做了很多文字以外的摘抄。 墓碑的教堂的音乐厅的故居的那些写的很感性。...  

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标题？没有想好，我正在听方大同的Nothing's gonna change my love for you,听着，就动情动心，所以标题就它了。 这本书是在一直很喜欢的单向街买的，是冲着有陈丹青签名买的（这点上我是有点没出息），全价无所谓，尊重书的价值（有些书定价高可以理解，除了成本因素...  

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这本书的装帧设计给我留下了极深的印象，从拿到它开始，我就被那种沉静而富有质感的封面所吸引。它不像现在市面上许多畅销书那样追求花哨的视觉冲击，而是用一种近乎素描般的淡雅色调，辅以恰到好处的留白，散发出一种老派知识分子的内敛气质。内页的纸张选择也十分考究，那种微微泛黄的米白色，不仅保护了读者的视力，更在触感上营造出一种翻阅珍贵手稿的仪式感。即便只是随意放在书架上，它也像一件低调的艺术品，静默地散发着力量。排版上的用心更是体现了出版方对内容本身的尊重，文字的间距、字体的选择，都经过了细致的推敲，使得即便是面对密集的论述，阅读体验也保持了极高的流畅性。这种对“物质性”的关注，让我立刻意识到，这绝非是一本可以被轻易消费的作品，它需要被珍视，被细细品味。可以说，从书本接触的第一个瞬间，它就已经完成了一次成功的“自我介绍”，预示着里面承载的内容绝非泛泛之辈。

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我花了整整一个下午的时间，沉浸在这位作者对艺术史的独特解读之中，那种穿透表象直抵核心的洞察力，令人拍案叫绝。他对于传统与现代之间那道微妙而又永恒的张力的捕捉，简直是教科书级别的示范。很多时候，我们谈论艺术思潮，总喜欢用宏大叙事去概括，仿佛一切都是必然的演进，但在这本书里，我看到了无数个被权力、偏见乃至时代情绪所扭曲的“瞬间”，以及艺术家们如何在这种挤压下，顽强地寻求突破口。作者的文笔有一种独特的疏离感，像一个冷眼旁观的记录者，却又在字里行间透露出对真诚的向往。他很少直接给出“标准答案”，而是更擅长设置陷阱，引导读者自己去经历思考的痛苦与乐趣。读完某几章后，我甚至会合上书本，起身走到窗边，试图用他提供的视角重新审视窗外那些习以为常的景象，那种“陌生化”的体验，是阅读的至高享受。

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读完整本书后，我感受到一种久违的充实感和某种程度上的“精神上的疲惫”，后者并非贬义，而是一种高质量消耗后的状态。它不像快餐文学那样在你合上书本时就迅速蒸发，而是像一滴墨水滴入清水，久久不能散去，持续地在你的潜意识中发酵。许多句子和观点，我发现自己会在接下来的几天里，不自觉地在脑海中回放、辩论。更重要的是，它改变了我观察世界的方式，让我开始质疑那些看似理所当然的审美判断和价值体系。这本书提供了一种强大的“滤镜”，让我能够以更审慎、更具批判性的眼光去审视当下充斥的各种信息洪流。它没有提供廉价的慰藉，而是给予了更为宝贵的财富——一套可以用来重新校准自身精神坐标的工具。这才是真正伟大的作品所能赋予读者的终极馈赠。

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我必须承认，这本书的阅读门槛并不低，尤其对于那些刚刚接触相关领域的朋友来说，可能需要反复咀嚼才能体会其深意。作者的句式结构常常是长而复杂的，充满了从句和转折，这要求读者必须保持高度的专注力，稍有走神，便可能错过其论证的关键环节。但这并非是矫揉造作，恰恰是精确表达复杂思想的必然结果。我特别欣赏作者在处理那些极具争议性的话题时所展现出的那种克制与审慎。他不会急于下结论，而是会把所有正反两方的论据都铺陈开来，让读者自己去面对那种模糊性和不确定性。这是一种对读者智识的尊重，它挑战你的既有认知，迫使你走出舒适区，去面对思想世界的“灰度”。对于一个渴望深度思考的读者而言，这种挑战本身就是一种巨大的价值回馈。

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这本书最令人惊喜的一点，是它在学术的严谨性和个人叙事的灵活性之间找到了一个近乎完美的平衡点。它并非那种堆砌术语的学术专著，让人望而却步；更不是那种为了追求通俗而牺牲深度的碎片化阅读材料。作者巧妙地将个人经验、阅读札记与宏大的哲学思辨编织在一起，使得冰冷的理论仿佛获得了血肉和呼吸。比如，当他分析某位大师的创作动机时，会突然穿插一段关于自己早年游历某地的所见所感，这种看似不经意的跳跃，反而成了理解该理论的绝佳注脚。它不是在“教”你知识，而是在“邀请”你进入一个更广阔的思维场域，去共同构建对世界的理解模型。这种叙事策略，让阅读过程充满了活力，每翻过一页，都像是在进行一场高质量的思想探险，充满了不期而遇的惊喜。

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一向喜欢看这类随笔似的乐评。

评分☆☆☆☆☆

态度鲜明，语言犀利。无论赞成与否，都值得一读。陈丹青是位触类旁通的艺术家，他的关于音乐的文字谈论里，有时代的烙印，私人的回忆，也有无论何时何地只要听到古典音乐都会存在的通感。音乐是不朽的，是地球的灵魂。

评分☆☆☆☆☆

隔了几年再看，依然觉得陈丹青文笔好

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非关音乐 适合懂一点艺术 有一点“上海” 带一点“愤青”的人读

评分☆☆☆☆☆

才情功力，有時不及真摯要緊。