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出版者:上海音乐出版社

作者:韩林申

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1984-6-1

价格:19.40

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787805530581

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音乐的启航：一部探索古典音乐精髓与实践的综合指南 本书旨在为所有对古典音乐怀抱热情，渴望深入理解其历史脉络、结构美学以及演奏技巧的爱好者和学习者提供一份详尽而系统的导览。我们不局限于任何单一乐器或特定流派的教学，而是致力于构建一个广阔的音乐认知框架，让读者能够从宏观上把握西方古典音乐的演变轨迹，并掌握深入鉴赏与实践所需的工具。 第一部分：古典音乐的宏伟史诗——从中世纪的吟唱到浪漫主义的激情 本部分将带领读者穿越时空，细致考察西方古典音乐自起源以来的主要发展阶段，重点剖析每个时期在风格、技术和审美上的关键转型。 1. 中世纪与文艺复兴的奠基 (约 500年 – 1600年)： 我们将从格里高利圣咏的单音音乐结构入手，探讨复调音乐的萌芽与发展，特别是奥尔加农（Organum）和经文歌（Motet）的形式演变。文艺复兴时期，随着人文主义思潮的兴起，音乐的文本表达和情感色彩开始得到重视。我们会深入分析帕莱斯特里纳（Palestrina）的对位法典范，以及早期世俗音乐如法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）中展现的对位与和声的初步探索。读者将了解到，音乐如何从纯粹的神圣服务，逐步走向对人类情感的细腻描摹。 2. 巴洛克时期的结构与装饰 (约 1600年 – 1750年)： 巴洛克时期是西方音乐史上结构最为严谨、装饰最为繁复的阶段。本章将详细解析“巴洛克思维”的核心——情感的戏剧化表达与坚实的结构支撑。重点探讨： 歌剧的诞生与发展： 从蒙特威尔第（Monteverdi）的早期尝试，到亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）的成熟。解析宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的功能分野。 器乐的独立： 对奏鸣曲（Sonata）、协奏曲（Concerto Grosso）以及组曲（Suite）等器乐体裁的结构分析。 复调技艺的巅峰： 深入剖析巴赫（Bach）的对位法，特别是赋格（Fugue）的构建逻辑——主题的呈示、展开、应答与各种对位技巧（如反向、增值、减值）的应用，帮助读者理解这种复杂结构背后的数学美感。 数字低音的原理： 解析通奏低音（Basso Continuo）在巴洛克音乐中的实践地位及其演奏构成。 3. 古典时期的平衡与清晰 (约 1750年 – 1820年)： 这一时期的核心是追求清晰的结构、平衡的比例与明确的乐思表达，是对巴洛克繁复的矫饰主义的反思。 奏鸣曲式（Sonata Form）的黄金时代： 详细拆解奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部的功能、调性关系和主题处理。我们将以海顿（Haydn）和莫扎特（Mozart）的交响曲和弦乐四重奏为例，展示主题如何在严格的框架内实现灵活的对话。 交响乐与协奏曲的定型： 探讨四乐章交响曲的规范化，以及独奏乐器在古典协奏曲中与乐队的“对话”模式。 风格的过渡： 简要介绍贝多芬（Beethoven）早期和中期作品如何开始打破古典的平衡，引入更强烈的个人情感表达，预示着浪漫主义的来临。 4. 浪漫主义的抒情与个人主义 (约 1820年 – 1900年)： 浪漫主义音乐将个体的情感、想象力、文学叙事和对自然的崇拜推向了极致。 和声的扩张： 解析这一时期和声语言的丰富性，包括使用更多不协和音、远关系转调、增三和弦和半音阶的使用，以深化情感色彩。 器乐体裁的革新： 探讨交响诗（Symphonic Poem）和室内乐在叙事功能上的拓展。分析肖邦（Chopin）的练习曲和夜曲中，如何将民族精神与高度个人化的钢琴技巧相结合。 德语艺术歌曲（Lied）的完善： 聚焦舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何通过钢琴伴奏的丰富性，实现人声旋律与诗歌意境的完美融合。 第二部分：音乐的语言——理论、结构与听觉训练 本部分从技术和理论层面入手，为读者提供一套分析和理解音乐的“工具箱”。 1. 和声学的基本原理与发展轨迹： 本章将超越基础的三和弦概念，系统讲解从调性功能和声（Tonal Harmony）的运作机制，到如何识别和分析常见的和声进行。内容涵盖： 功能和声： 主、属、下属和弦的功能性，以及导音的引导作用。 二级属和弦与代理和弦： 学习如何通过色彩和声增加进行的多样性。 半音和声的引入： 探讨经过性半音化和弦（如减七和弦）在增加戏剧张力中的作用。 2. 对位法与织体分析： 对位法是音乐的骨架。本节重点介绍如何识别和欣赏复调音乐的织体。 模仿与卡农： 讲解主题如何在不同声部中进行精确或自由的模仿。 赋格的内在逻辑： 再次回到赋格，但这次是作为一种分析工具，教授读者如何分辨主导声部、伴奏声部，以及如何追踪主题在不同声部的“潜伏”与“再现”。 织体类型划分： 区分主调音乐（Homophony）、复调音乐（Polyphony）和单音音乐（Monophony）在不同时期的应用比例与效果。 3. 节奏与节拍的复杂性： 超越简单的四四拍，本章探讨节奏在不同音乐语境中的处理方式。 复合拍号与不规则节拍： 分析 5/4、7/8 等拍号的听觉感受，以及它们如何服务于特定的情感表达。 自由节奏与速度记号的解读： 学习如 Rubato（自由速度）、Tempo Giusto（固定速度）等术语，理解演奏者在节奏上的自由度是如何被精确标记和控制的。 第三部分：跨越边界——二十世纪至今的音乐探索 本部分聚焦于古典音乐在面对社会剧变和技术进步时所进行的深刻变革。 1. 调性的瓦解与新技法的诞生： 二十世纪初，作曲家开始质疑自巴洛克以来主导音乐的和声系统。 印象主义的色彩： 分析德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何运用全音阶、五声音阶和复杂的九和弦、十一和弦，创造出模糊、朦胧的音响画面。 表现主义与无调性： 深入探讨勋伯格（Schoenberg）如何系统地放弃传统调性，转向无调性写作，以及十二音体系（Dodecaphony）的规则和其实践意义。 斯特拉文斯基与原始主义： 分析《春之祭》中对复杂、非对称节奏的运用，以及如何利用多调性（Polytonality）制造出强烈的冲击感。 2. 电子、空间与非传统的发声： 探讨音乐家如何将录音技术、电子设备和全新的哲学观念融入创作。 具体音乐与电子音乐： 区分两种流派的侧重点，分析它们如何将日常生活中的声音（Musique Concrète）或纯电子合成的声音引入音乐的领域。 机会音乐（Aleatoric Music）： 探讨约翰·凯奇（John Cage）等作曲家如何引入随机性元素，挑战听众对于“作品”和“作者意图”的传统定义。 3. 鉴赏力的培养与实践指导： 本章为所有音乐实践者提供建议，无论学习何种乐器，都可从中获益： 有效聆听的策略： 教授听众如何从结构层面、织体层面和情感层面进行多层次的聆听，从而超越对旋律的单纯喜爱。 风格的再现性： 探讨在现代演奏中，如何通过对历史演奏实践的研究（如使用早期乐器或研究历史文献），力求更贴近作曲家初衷的演奏方法。 音乐分析的实际操作： 提供一套简明的分析步骤，帮助读者快速掌握一首复杂作品（如奏鸣曲或赋格）的核心骨架与关键转折点。 本书不仅是一部历史梳理，更是一份对古典音乐永恒魅力的深度解码指南，旨在激发读者独立思考、深入探究的兴趣。

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《作曲家的秘密日记》这本书的魅力，在于它提供了一个独特的“幕后视角”。我一直对那些天才的创作过程充满好奇，想知道一首伟大的作品是如何从一个模糊的灵感火花，最终蜕变成结构完整、情感饱满的篇章的。这本书满足了我的窥探欲，它没有给出任何操作性的指导，而是像一个电影剧本的幕后花絮，记录了数位知名作曲家在创作低谷、灵感迸发时的真实心路历程。其中有一段描述某位作曲家如何为了一个转调的连接点而反复推敲，甚至为此失眠数周的细节，读来让人感同身受，体会到艺术的诞生是何等不易。这种真实的挣扎和坚持，比任何教程里的“标准流程”都更具启发性。它让我意识到，技术固然重要，但真正伟大的音乐，往往源于创作者内心深处最强烈的表达欲和近乎偏执的自我要求。这本书对于那些已经具备一定演奏基础，渴望跨越技术藩篱，进入创作领域的人来说，无疑是一剂强心针，它教会我的，是“如何拥有一个作曲家的灵魂”。

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坦白说，我购买《声音的几何学》这本书时，是抱着一种近乎怀疑的心态，因为市面上太多鼓吹“速成”或“秘籍”的乐谱辅导材料，读起来总觉得空洞无物。然而，这本书的深度和广度彻底颠覆了我的认知。它探讨的重点并非“如何弹奏”，而是“声音是如何构成的”。作者深入浅出地剖析了泛音列的原理，解释了为什么某些音程听起来和谐，而另一些则会产生冲突感，这完全是物理学和美学的高度结合。书中插图的设计极其精妙，那些复杂的声波图示和弦的结构图，在清晰的线条勾勒下，不再是晦涩难懂的数学公式，而变成了可以被直观理解的“声音形态”。我花了好几天时间才啃完关于“调式色彩”的那一章节，它详细分析了不同调式在不同文化背景下的情感投射，让我对同一首曲子在不同的调性演绎下所呈现出的细微差别有了全新的体悟。这本书更像是一部严谨的学术著作，它要求读者有耐心、有思考，但一旦你跟随作者的思路深入下去，你会发现自己对音乐的理解提升到了一个全新的哲学层面，不再满足于指尖的技巧，而是开始追问声音背后的真谛。

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我是在一个旧书店淘到这本《世界民间音乐地图》的，初衷只是想找点轻松的东西换换口味。没想到，这本关于世界各地传统音乐习俗的集合，给了我极大的惊喜。它没有聚焦于任何一种主流的欧洲古典体系，而是带我进行了一场环球的音乐旅行。作者的文笔非常具有画面感，他描述了非洲鼓点的复杂律动如何与部落仪式紧密结合，也描绘了亚洲五声音阶在山林间流淌出的空灵意境。最让我着迷的是关于“即兴”的部分，书中详细记录了印度拉格体系中对旋律的自由发挥技巧，以及拉丁美洲爵士乐中对话式的演奏方法。这些描述让我明白了，音乐的表达方式是如此多元和丰富，绝非被单一的乐理框架所束缚。这本书拓宽了我对“音乐”定义的边界，让我意识到，那些在广场上自发的歌唱、那些古老仪式中的吟诵，都具有同等的艺术价值和文化深度。它激发了我尝试用非传统方式去理解和欣赏音乐的热情。

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这本《音乐之光》简直是为我这种半路出家的音乐爱好者量身定做的！我一直对古典音乐怀有深厚的情感，但苦于没有系统的入门指导，很多乐理知识对我来说就像天书一样遥远。这本书的编排逻辑非常清晰，它没有一开始就抛出那些令人望而生畏的和弦进行和复杂的音阶，而是从最基础的音符识别、节奏概念入手，像一位和蔼可亲的导师，一步步牵引着你走进音乐的殿堂。尤其是它对音乐史的梳理，不再是枯燥的年代堆砌，而是结合了当时社会背景和作曲家的生平轶事，让我感觉自己仿佛亲历了巴洛克时期的严谨与浪漫主义的激情碰撞。我特别欣赏作者在讲解一些基本乐理概念时，所采用的那些生活化的比喻，比如将四分音符比作稳定的心跳，将休止符比作呼吸的间隙，这些形象的描述瞬间打通了我脑海中的壁垒。读完前几章，我不仅能听懂乐谱上标记的力度记号意味着什么，甚至能对不同调性所带来的情绪差异有所感知，这在以前是完全不敢想象的成就感。这本书真正做到了“引人入胜”，让枯燥的学习过程变得充满探索的乐趣，我强烈推荐给所有想重新认识音乐的朋友。

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作为一名尝试学习音乐理论的成年人，我最害怕的就是那种故作高深的术语堆砌。幸运的是，《和声的逻辑解析》这本书完全避免了这一点。它不像很多教科书那样，一开始就要求你死记硬背大量的规则和例外。相反，作者采用了非常精妙的“问题驱动”模式。每一章都从一个听众可能会产生的疑问出发，比如“为什么属七和弦解决到主和弦会让人感到‘回家’的稳定感？”、“为什么某些不协和音程在特定位置反而能增强戏剧张力？”。然后，作者才带着读者一步步去探究背后的逻辑和声学基础。这种学习路径非常贴合我这种需要“知其所以然”的学习者。书中对不同时代和风格下和声语汇的演变也有清晰的脉络梳理，让我清楚地看到，所谓的“规则”是如何随着时间推移而不断演化、丰富和突破的。读完后，我不再是机械地应用和弦，而是开始理解每一个和声进行背后的“意图”和“情绪导向”，这极大地提升了我对乐曲的分析能力。

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古今中外什么都有。。。

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一年，10首

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最喜欢的还是3

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虽然原来我爱拿你发脾气。

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这本应该弹的最多，最记得《塔兰台拉》，那个什么为了解毒蜘蛛的毒需要疯狂跳舞的旋律起源很有意思