中国当代石版画

中国当代石版画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:重庆出版社
作者:李帆 编
出品人:
页数:183
译者:
出版时间:2004-3
价格:88.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787536665194
丛书系列:
图书标签:
  • 版画
  • 石版画
  • 中国美术
  • 当代艺术
  • 版画艺术
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  • 文化艺术
  • 美术作品
  • 艺术史
  • 中国文化
  • 艺术出版
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具体描述

由于石版印刷所需要的特殊材料和设备,目前为止,中国的石版画创作主要集中在美术院校。一方面可以反映出美术院校的石版画作品代表着中国石版画艺术的水平,一方面也制约了石版画对大众的普及和认知。《中国石版画》收录的则是各大美术院校的优秀作品,这些作品分别来自中央美术学院、中国美术学院、湖北美术学院、广州美术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院、天津美术学院和西安美术学院,这些国内的知名美术学院,代表了中国石板画的整体水平。本书图文并茂,在讲解石版画知识的同时欣赏优美的图片,领略石版画的艺术魅力。本书介绍了石板画的艺术特点和制作过程,和石板画的一些基本常识。本书全面反映中国石版画最新成果的石版画艺术画册,得以成册出版。画册按各艺术院校石版画工作室编排,作品集中反映了我国近年来石版画创作的最新成果以及石版画教学所取得的成绩。

书籍名称:凝视深渊:后现代主义艺术的解构与重塑 作者: 艾丽斯·文森特 出版社: 寰宇文化出版社 出版年份: 2023年 书籍简介 《凝视深渊:后现代主义艺术的解构与重塑》并非一部面面俱到的艺术史全景图,而是一次对特定历史语境下,艺术本体论与审美范式剧烈转型的深度剖析。本书聚焦于20世纪下半叶,尤其是在1960年代至1990年代间,西方世界,特别是欧洲和北美艺术界所经历的深刻的“意义危机”与随之而来的结构性颠覆。它试图探究后现代主义思潮如何作为一种批判性的哲学武器,精确地靶向了启蒙理性、现代主义的宏大叙事以及艺术的“纯粹性”追求,并最终导向了一种多元、碎片化、高度自我指涉的艺术生态。 本书的叙事结构被精心设计为“解构—批判—重塑”的三个递进阶段,确保了论证的逻辑性和厚度。 第一部分:现代性的黄昏与本体论的瓦解(解构) 本部分深入探讨了促使后现代主义崛起的哲学基础。我们首先回顾了结构主义的遗产——李维-施特劳斯和索绪尔对语言与符号系统的结构性分析,指出这种分析如何被雅克·德里达的“延异”(Différance)理论所颠覆。德里达的解构主义思想,对于艺术领域而言,如同投下了一颗重磅炸弹,它挑战了“原件”与“复制品”、“主体”与“客体”、“高雅艺术”与“通俗文化”之间固有的等级秩序。 作者详细分析了本雅明的《机械复制时代的艺术作品》,并将其置于后现代的语境下重新解读。虽然本雅明生活在现代主义的高峰期,但其关于“灵韵”(Aura)消逝的论断,被后现代艺术家——如安迪·沃霍尔——充分利用,使艺术品的流通性、符号价值和可复制性成为作品本身的核心议题。 在视觉艺术领域,本部分着重分析了极简主义(Minimalism)的内在矛盾。极简主义本想通过去除所有叙事和情感的负担,回归“物体的本质”,但最终却以一种近乎禅宗的严格形式,凸显了观看主体与空间环境的互动关系,这为后来的概念艺术(Conceptual Art)的爆发埋下了伏笔。 第二部分:符号的泛滥与权力结构的透视(批判) 《凝视深渊》的中间部分,转向了对后现代艺术实践中“符号学转向”的批判性考察。这部分的核心在于阐明,当艺术品不再承载形而上学的真理,而是成为一个符号的集合体时,它便与权力、资本和媒体紧密地交织在一起。 我们详细审视了波普艺术(Pop Art)的讽刺性胜利。沃霍尔的工作,被视为对消费主义图腾的模仿与嘲讽的二元悖论的完美体现。作者认为,波普艺术的成功,恰恰在于它彻底放弃了“抵抗”的姿态,转而拥抱了被抵抗的对象,从而实现了对资本逻辑的“在场”式渗透。 更进一步,本书深入探讨了女性主义艺术和后殖民主义艺术对“主体性”的挑战。例如,辛迪·雪曼(Cindy Sherman)的照片系列,通过对传统女性形象的重新表演和挪用,揭示了“女性身份”是如何被社会建构和观看的。这不仅仅是技法上的创新,更是对长期以来西方艺术史中男性凝视(Male Gaze)权力的直接质询。 此外,本书引入了福柯关于知识与权力的理论,分析了后现代艺术家如何利用拼贴(Pastiche)、戏仿(Parody)和挪用(Appropriation)等手法,来揭示艺术史叙事背后的排他性结构。艺术不再是真理的揭示者,而是权力的场域观察者。 第三部分:在碎片中重建意义的可能(重塑) 本书的收尾部分并非宣告后现代的终结,而是探讨在意义普遍崩塌之后,艺术家如何在一个充满引用和模糊性的世界中,尝试重新建立一种“临时性”或“情境化”的连接。 这一章聚焦于那些拒绝完全沉溺于纯粹反讽,而试图在碎片中寻找新的“情感的回归”(Return to Affect)的实践。我们考察了“新表现主义”(Neo-Expressionism)的复兴,尽管其形式上是对现代主义的回归,但在后现代的背景下,其粗粝的笔触和主观的情感爆发,更像是对前一阶段过度智性化的艺术的“身体性”反拨。 《凝视深渊》着重分析了装置艺术(Installation Art)在空间构建中的作用。许多后现代艺术家通过构建沉浸式的、多感官的场域,邀请观众不再是客观的“欣赏者”,而是主体性的“参与者”。这种对体验的强调,试图超越纯粹的符号游戏,在特定的时间与空间限制内,创造出短暂却强烈的、共享的“在场感”。 总结而言, 《凝视深渊》是一部严谨的理论性著作,它旨在帮助读者理解后现代艺术的复杂性——它既是对现代性承诺的背叛,也是对艺术可能性的解放。它不是关于绘画技巧或材料革新的指南,而是关于在符号饱和、历史终结的时代,艺术如何重新定位其在文化生态中的复杂角色。全书以清晰的学术语言,穿梭于哲学批判、社会学洞察和视觉分析之间,为理解当代艺术思潮提供了一个不可或缺的理论框架。

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读后感

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用户评价

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这本书,坦白说,我本来对它抱持着一种非常功利的期待。我手里正忙着一个关于20世纪早期欧洲现代主义艺术运动对本土民间艺术影响的课题,急需一些关于版画技术发展和流派演变的扎实资料。翻开这本《中国当代石版画》,我立刻被它那略显沉闷的学术腔调吸引了——厚重的纸张,大量使用了带圈数字引文,以及那种不容置疑的权威感,让人觉得这不只是一本图册,更像是一份严谨的馆藏目录。作者的叙事脉络非常清晰,从解放后版画作为一种“宣传美学”的崛起,一直追溯到八十年代“新潮”艺术对传统媒介的反思与重塑。尤其值得称道的是,他对几个关键性艺术家的创作心路历程的剖析,那种将个体命运与国家历史进程紧密捆绑的叙事方式,虽然略显宏大,但确实构建了一个理解那个特殊年代艺术生态的绝佳框架。书中对“社会责任感”这一概念在当代版画创作中的体现着墨甚多,甚至详细描述了不同地区(如四川、上海)版画创作群体的地域性差异,这种细致入微的对比分析,远超我预期的那种对当代艺术的泛泛而谈。我甚至为此重新调整了我的研究侧重点,开始关注中国版画教育体系对媒介选择的潜在影响,这本书无疑为我提供了坚实的方法论支撑。

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我购入此书的初衷,完全是为了学习那些在国际上尚未被充分关注的中国版画家的名字和他们的代表作。我一直觉得,当代艺术的话语权被西方垄断得太严重了,急需引入一些非西方的、更具地域特色的艺术叙事来平衡一下视野。这本书在这一点上做得可圈可点,它收录了大量我从未听闻的艺术家的作品,并且提供了相对清晰的作品信息。然而,这本书最大的问题在于,它似乎过分强调了“宏大叙事”下的个体贡献,而忽略了艺术作品本身最直接的情感感染力。每一幅作品的分析,都像是被套上了一个严格的意识形态框架,所有的笔触、所有的留白,都被解读为对某种特定历史阶段的回应。我翻阅时,常常会产生一种疏离感:这更像是在阅读一份关于“中国版画作为历史见证者”的官方报告,而非欣赏一系列充满生命力的艺术创作。我更希望看到的是艺术家在工作室里真实的挣扎、材料对他们的反抗,那种充满汗水和个人情感的细节。这本书提供了“我们看到了什么”,却很少触及“艺术家感受到了什么”,导致阅读体验略显干涩和单向度。

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这本书的装帧设计简直是一场灾难,这让我对内容的期待值降到了冰点。厚重、反光的纸张,使得原本就偏暗的印刷图像更显模糊不清,很多细腻的层次和微妙的灰度变化完全丢失了。我原本以为这本关于“石版画”的专业书籍,至少在图像呈现上会做到极致,毕竟石版画的精髓就在于其丰富的中间色调和颗粒感。但事实是,很多本应展现刀法和压力控制的作品,在我看来都成了模糊的色块堆叠。更让我抓狂的是,书中对许多作品的描述,过于依赖复杂的艺术术语来堆砌其价值,例如反复使用“后结构主义的解构”、“本体论的回归”这类词汇,但配图却无法支撑这种高深的论断。我感觉自己像是在阅读一篇关于豪华跑车的理论分析,但看到的却是一张模糊不清的速写。这种“理论的雄心”与“印刷的平庸”之间的巨大落差,极大地削弱了阅读的乐趣。对于致力于研究版画技法或视觉美学的读者来说,这本书在图像呈现上的失误是难以容忍的,它错失了用视觉语言本身来证明自身论点的最佳机会。

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说实话,我买这本书纯粹是因为封面上的那幅黑白作品,那种强烈的视觉冲击力——粗粝的线条,几乎要将纸张撕裂的张力——让我无法抗拒。我本以为内容会是那种典型的“图文并茂”的画册,每幅画下面跟着一段平淡的文字介绍,介绍一下创作年代和主题。结果呢?这本书的文字部分简直像一篇篇晦涩的哲学思辨录。它没有去过多地纠缠于技术细节或者市场价值,反而沉溺于探讨“物质性”与“非物质性”在版画制作过程中的辩证关系。我读到作者讨论石版画媒介的“偶然性”与“必然性”时,差点没法继续往下看,因为它完全脱离了我习惯的艺术评论语境。但奇怪的是,一旦你接受了这种高度抽象的论述方式,你会发现它提供了一种完全不同的观看视角。它让你思考,为什么艺术家选择用这种古老而繁琐的技法来表达现代性的焦虑。我尝试着将书中的某些理论观点投射到我正在收藏的几张早期西画复刻版画上,突然间,那些原本只是好看的图像,似乎有了更深层的结构和重量。这书更像是给一个已经非常了解版画的行家准备的“思想体操”,对初学者来说,可能会感到相当的吃力,但我个人很享受这种智力上的挑战。

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我对这本书的兴趣点在于它在“当代”这个时间轴上的切入点,我想看看在数字技术和媒介多元化的今天,传统的石版画是如何挣扎着寻找自己新的存在意义的。我期待看到关于新型材料的实验,或者与其他媒介(比如摄影、新媒体装置)的跨界融合。然而,这本书的焦点似乎牢牢地钉在了上世纪八九十年代的“黄金时期”,对进入新世纪以后的发展着墨不多,或者说,提及的部分也显得非常保守和公式化。它花了大量的篇幅去论证石版画的“永恒价值”,但对于如何将这种价值与当下瞬息万变的生活经验连接起来,却显得力不从心。书中讨论的很多艺术家,他们的创作焦点似乎仍然停留在对传统叙事和本土身份的严肃回应上,而缺乏对网络文化、全球化语境下个体精神状态的敏锐捕捉。读完后,我感觉自己像是被拉回了三十年前的学术研讨会,对于当代艺术最前沿的脉动,这本书提供的参照系显得有些滞后和保守,更像是一部优秀的历史回顾录,而非一部具有前瞻性的研究专著。

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