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出版者:辽宁美术出版社

作者:周燕丽 编

出品人:

页数:339

译者:

出版时间:1988-11

价格:12.00

装帧:精装

isbn号码:9787531400301

丛书系列:

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《浮光掠影：现代都市青年图景》 一、 缘起：时代的切片，个体的心声 本书汇集了当代都市青年在快速变迁的社会洪流中所经历的种种体验、思考与挣扎。它并非宏大的叙事，而是聚焦于那些在钢筋水泥丛林中努力寻找自我定位、试图在喧嚣中保持一份清醒与热忱的“普通人”的侧面剪影。我们试图捕捉的，是那些在通勤的地铁车厢里闪过的疲惫眼神，是深夜写字楼里为梦想孤注一掷的灯火，是社交媒体上精心维护的“人设”与内心深处的真实渴望之间的巨大落差。 本书的创作灵感来源于对当下社会脉搏的敏锐捕捉，尤其关注新一代成长起来的群体，他们既是技术进步的受益者，也承受着前所未有的信息过载与生活压力。我们相信，记录这些细微的“浮光掠影”，能够构建起一个真实、多维的当代都市青年图谱。 二、 结构与内容纲要 全书分为四个主要部分，层层递进，勾勒出青年一代生活的复杂光谱： 第一部分：速度与迷失——“在路上”的焦虑 本部分主要探讨都市生活带来的物理与精神上的双重加速感。 “通勤之诗”： 记录了清晨与傍晚，数百万人在同一时间段内涌入与散去的奇景。通过对不同职业群体（程序员、金融从业者、创意工作者）通勤方式的细致描摹，探讨了空间与时间的异化，以及在拥挤中如何进行自我隔离。 “赛博空间里的游牧者”： 分析了数字原生代在虚拟社交中的行为模式。我们不再深入探讨技术本身，而是关注技术如何重塑了亲密关系、职业认同和时间观念。例如，对“即时满足”的渴望如何与需要长期投入的复杂任务产生冲突。 “被时间遗忘的角落”： 探究了那些在高速发展中被边缘化或遗忘的空间和群体，如城市边缘的老旧社区、新兴产业下的非正式劳动者，他们的生活状态是衡量社会发展温度的隐形标尺。 第二部分：身份的重塑——“我是谁”的叩问 随着传统价值体系的松动，当代青年必须在多元文化和不断变化的职业定义中，重新构建“自我”。 “职业的万花筒”： 探讨了“斜杠青年”、自由职业者以及传统职业的“去标签化”现象。着重于描绘个体如何在多个领域间进行切换、学习与平衡，以及这种灵活性的背后隐藏的经济脆弱性。 “消费即表达”： 审视了品牌、审美和潮流在构建个体身份中的核心作用。这不是简单的物质崇拜，而是将消费选择视为一种主动的、带有政治色彩的宣言，是向外界宣告自己所属圈层和价值取向的方式。 “代际的岔路口”： 深入剖析了与父辈价值观产生的差异与碰撞。关注的焦点是信息渠道和成长环境的巨大差异如何导致彼此在“成功”、“安稳”和“意义”上的定义截然不同，以及如何在理解与和解中找到平衡点。 第三部分：情感的重构——连接与疏离的悖论 情感联结是人类永恒的需求，但在现代都市环境中，这种需求表现出极端的矛盾性。 “高效能的亲密关系”： 描写了约会软件时代背景下的情感探索。关注点在于“匹配效率”与“深度连接”之间的张力。人们像筛选简历一样筛选伴侣，同时又渴望一份超越算法的真挚情感。 “友谊的数字化锚点”： 探讨了基于共同兴趣和线上社群建立的友谊模式。这些友谊往往具有极强的精神共鸣，但也常常受限于地理距离和屏幕的阻隔，如何在“点赞之交”和“生死之交”之间找到中间地带，是本部分的核心议题。 “独处的艺术与陷阱”： 这是一个关于“自洽”的探讨。在高度连接的时代，个体选择主动的、高质量的独处以进行精神内耗和创造，但同时也要警惕这种独处滑向真正的孤立和疏离。 第四部分：微光与韧性——希望的培育 本部分着眼于年轻一代展现出的惊人适应能力和创造力，即使在不确定的环境中，依然有力量去创造美和意义。 “慢下来的哲学实践”： 记录了那些主动选择“去中心化”生活方式的群体。他们可能放弃了高薪职位，转而投入到城市农耕、传统手工艺复兴、小众文化保育等领域，寻找一种更具生命力的节奏。 “个体创造力的爆发点”： 关注新兴的、去中心化的内容创作生态。这些作品或许不追求主流的商业成功，但却以其独特的视角和真诚的力量，构筑了新的文化景观。 “向内的景观”： 总结了精神健康和自我关怀在当代生活中的重要性。通过对冥想、运动、心理咨询等领域的观察，展现青年一代正以更积极、更科学的态度，学习如何与自己的内在世界和谐共处。 三、 风格与笔触 本书的写作风格力求避免学院式的说教或过度煽情的渲染。我们采用散文、人物速写、纪实性观察与碎片化思考相结合的方式。语言上，追求精准、克制，但富有画面感，如同用高分辨率的镜头捕捉瞬间的场景，让读者仿佛身临其境，去感受那个时代特有的躁动与细腻。每一个小标题下的内容，都旨在像一面面镜子，映照出我们这个时代里，每一个努力生活着的灵魂的轮廓。 《浮光掠影：现代都市青年图景》 献给所有在时代的浪潮中，既感到眩晕又充满期待的探索者。它是一份真诚的观察记录，一份对复杂人性的致敬。

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这本画集对于色彩的运用（即使很多是黑白或单色调的作品）也值得深入探讨。即便是在单一色阶的框架内，作者也玩出了千变万化的“色彩”。这里的“色彩”指的不是颜料的色谱，而是光影的层次和冷暖的微妙区分。在一些室内场景中，能明显感受到光线是如何从一个特定的角度斜射进来，将物体切割成明确的高光、亮部、阴影和反光。这种对光线“温度”的捕捉极为敏锐，有的光线看起来是温暖的、带着年代感的橘黄调，而有的则是清冷、带着金属质感的蓝灰调。这种对光影的主观处理，极大地增强了画面的叙事性。通过光影的明暗对比，他构建了一种情绪场景：明亮的场景往往是开放和充满希望的，而深沉的阴影区域则暗示着思考和内省。合上书本时，我脑海中浮现的并非是单一的画面，而是一系列不同光照条件下，情绪起伏不定的情绪快照，这显示出作者远超一般的观察力和对光线本质的深刻理解。

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我对这本画集里呈现的线条语言特别着迷，它展现出一种罕见的张力与韧性。有些篇章里，笔触是极其粗犷有力的，仿佛是用尽了全身的力气去描绘一个强烈的瞬间，充满了爆发性的动态美；然而，紧接着出现的几页，笔法又突然变得纤细入微，如同发丝般精巧，用于描摹人物的眼神或是复杂的织物纹理，这种强烈的对比和切换，让整本画集在节奏感上极富变化，绝不会让人产生审美疲劳。读起来，就像是在听一首交响乐，有高亢的乐章，也有安静的间奏。更难得的是，这种技法的自由切换并非是炫技，而是完全服务于他想要表达的主题。比如描绘疾风骤雨时，那种狂乱而有力的线条，完美地传达了自然力量的震撼；而在描绘静谧的室内场景时，柔和的线条又营造出一种包裹感和安全感。这种对工具特性的极致掌控，无疑是建立在多年不懈的练习之上的，从中能窥见创作者对艺术表达的极度认真和敬畏。

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这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，光是触摸到封面那种细腻的纹理，就已经能感受到作者对细节的执着。内页的纸张选择也十分考究，墨色的呈现饱满而不散，即便是最淡的铅笔素描，也能在光线下显出丰富的层次感。我特别欣赏作者在构图上的独到之处，那些看似随性的线条背后，其实蕴含着对空间和光影的深刻理解。记得有几幅关于市井生活的速写，寥寥数笔就勾勒出了人物的神态和彼时的氛围，那种烟火气扑面而来，让人仿佛能听到街角的喧嚣和吆喝声。他的用笔极为果断，没有丝毫的犹豫和拖泥带水，这一点在我尝试自己临摹时感受得尤为深刻。很多时候，艺术作品的魅力就在于那种“一气呵成”的瞬间感，而这本画集中，大量的作品都捕捉到了这种稍纵即逝的生命力。尤其是那些描绘自然风光的画作，远山近水，墨色的浓淡变化处理得极为精妙，体现了深厚的传统功底，同时又不失现代审美的开阔视野，着实是一本值得反复摩挲品味的精品。

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初翻阅这本集子时，我最大的感受是作者对于“日常”主题的独特挖掘能力。他似乎拥有一种魔力，能从最平凡无奇的场景中提炼出打动人心的诗意。比如那组关于老式家具的组画，那些被时间打磨得光滑温润的木质纹理，被他用极其写实又带着主观情感的笔触表现出来，每一道划痕、每一个磨损的边角，都像是在无声地诉说着过去的故事。这比单纯的技术展示要高级得多，它要求观者不仅要看“形”，更要感受“神”。与那些追求宏大叙事的艺术作品不同，作者的视角始终是内敛而克制的，他似乎更钟情于捕捉那些转瞬即逝的情绪波动——清晨窗边洒落的一缕阳光，雨后泥土散发出的气息，或是旧书页里夹着的一片干枯树叶。这些意象的重复出现，构建了一个既熟悉又充满回味的个人精神空间。对于我这样的普通读者来说，阅读过程更像是一场安静的对话，作者引领着我重新审视自己生活中那些常常被忽略的美好细节，让人心绪平静，久久不能忘怀。

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如果说有什么能让我联想到其他艺术流派，那便是其中偶尔闪现出的那种近乎于东方水墨画的写意精神，尽管许多作品看起来像是西方素描或钢笔画的范畴。作者成功地架设了一座沟通两种艺术哲学的桥梁。在处理大面积留白时，那片空白不再是“没有画”的地方，而是成为了画面中不可或缺的一部分，它有自己的重量和气息，引导着观者的视线，甚至比那些被描绘的物体更具存在感。例如，在描绘一艘停泊在雾中的小船时，船体轮廓的模糊处理和背景大面积的灰调晕染，那种“可意会不可言传”的意境，简直让人联想到唐诗宋词中的那种空灵感。这种将“减法”运用到极致的能力，是许多年轻艺术家所欠缺的。它要求创作者不仅要懂得如何添加，更要懂得何时、何地、以何种方式“移除”多余的元素，最终只留下最核心的、能触动人心的印记。这种克制的美学，是这本书最让我称赞的地方之一。

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